Retratos implacables y una precisión propia de un laboratorio. Explore la obra del famoso pintor figurativo Lucian Freud, maestro de la forma humana que retrató con el mismo estilo sincero y rigor psicológico a modelos tan variopintos como la reina de Inglaterra, Kate Moss y una supervisora de una oficina de empleo voluminosa y desnuda. Directos y sinceros, los retratos de Freud van más allá de los defectos y los pliegues de la carne para revelar qué hay en el interior.

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Lucian freud

Con seis años, Salvador Dalí (1904-1989) quería ser cocinero. Con siete años, quería ser Napoleón. ?A partir de ese momento ?dijo más tarde? mi ambición no dejó de crecer, y con ella mi megalomanía. Ahora solo quiero ser Salvador Dalí, no tengo mayor deseo?. En el transcurso de su vida Dalí se propuso convertirse en Dalí, es decir, uno de los artistas y excéntricos más importantes del siglo XX.Este imponente volumen es el estudio más completo de la obra pictórica de Dalí que jamás se haya publicado. Después de años de investigación, Robert Descharnes y Gilles Néret localizaron pinturas del maestro que habían permanecido inaccesibles durante largo tiempo; tantas, en realidad, que casi la mitad de las que ilustran el libro apenas se conocen.Más que ofrecer un catálogo razonado, este libro contextualiza la obra de Dalí y sus significados a la luz de documentos contemporáneos, desde escritos y dibujos hasta materiales de otras facetas de su trabajo, como el ballet, el cine, la moda, la publicidad y los objetos de arte. Sin el análisis realizado gracias a ellos, estas pinturas no serían más que una larga serie de imágenes.El estudio se divide en dos partes. La primera examina los inicios de Dalí, cuando era un artista desconocido. Asistimos a cómo el joven Dalí participa de todos los ?ismos? (impresionismo, puntillismo, cubismo, fauvismo, purismo y futurismo) con maestría e ingenio, y cómo toma elementos prestados de las tendencias dominantes antes de ridiculizarlas y abandonarlas. La segunda parte desvela los resultados de toda una vida de investigación, así como el gran legado que dejó en obras como La pesca de los atunes (1966/1967) o El toreador alucinógeno (1970). Incluye homenajes inéditos a Velázquez o Miguel Ángel pintados con el mismo propósito que las variaciones sobre maestros del pasado hechas por su contemporáneo, Picasso.Descu brimos cómo, movido por el deseo de desentrañar los secretos de grandes obras y convertirse en un Velázquez de mediados del siglo XX, Dalí se convirtió en Dalí.

Dalí. La obra pictórica

Descubra la esencia del arte moderno en el diseño gráfico a través de esta gran colección de seis mil logotipos creados entre 1940 y 1980. Desde medios de comunicación hasta grandes cadenas comerciales, pasando por aerolíneas y galerías de arte, imágenes de marca cuyos conceptos visuales claros y sencillos pueden considerarse el origen visual de la identidad corporativa.

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Logo modernism

En Mierda y catástrofe, de forma deliberadamente fragmentaria, el filósofo y crítico Fernando Castro Flórez plantea reflexiones de urgencia sobre los paisajes violentos y accidentales que se nos administran cotidianamente. Del freakismo a la atracción hipnótica del vacío; de la cultura digital y la adicción a los videojuegos al análisis del aeropuerto como no-lugar por excelencia; de los performances extremos a la retórica del archivo; del Arte Povera al Land Art, se va trazando un panorama que es, al mismo tiempo, desolador y excitante, empantanado y provocador, para con todo reivindicar el paseo como generador de experiencia, como si hubiera todavía posibilidades para gozar del arte de perderse.

Tapa blanda

Fórcola Ediciones

Forcola

Mierda y catástrofe

Ediciones El Viso, S.a.

Ediciones El Viso

Frida kahlo. Obras maestras

Picasso. Obras maestras

Dario Gamboni realiza, en este examen integral de la iconoclasia moderna, una nueva evaluación de los motivos y circunstancias que hay detrás de los ataques deliberados ùtanto por instituciones como por individuosù contra edificios públicos, iglesias, esculturas, pinturas y otras obras de arte en los dos últimos siglos. &quot; La destrucción del arte &quot; , que abarca un ámbito internacional e incluye casos ciertamente cómicos y otros muy inquietantes, es, en definitiva, un ilustrativo ensayo sobre las definiciones, en perpetuo cambio y conflicto, del propio arte. Geográfica y cronológicamente, este estudio se centra en el mundo occidental después de la II Guerra Mundial. Pero aspira a indagar la his¡toricidad y especificidad de la situación en la cual nos encontramos nosotros mis¡mos, para lo cual abordamos también el siglo XIX y los comienzos del XX así como (si bien de forma mucho menos extensa) otras partes del mundo. De hecho, en la premisa, generalmente aceptada, de que la Revolución Francesa marcó un cambio decisivo en la historia de la destrucción y la conservación del arte, pero apoyándo¡nos también en el hecho de que los acontecimientos posteriores nunca han sido estudiados en su conjunto, uno de los temas principales de este libro es qué es lo que ha cambiado en el mundo entero desde la Revolución en lo que se refiere a atacar o eliminar obras de arte deliberadamente, y qué nos enseña esto acerca de la manera en que han sido definidas, producidas, valoradas y devaluadas.

Ediciones Cátedra

Catedra

Ediciones Catedra S.a.

Grandes Temas - Cátedra

La destrucción del arte

Un fantasma recorre el mundo del arte contemporáneo: el fantasma de la performance. Todos creemos saber qué es, aunque muy pocos se atreverían a definirla. Respondiese o no a tal nombre, se dejase ver o permaneciese oculto, el espectro siempre estuvo ahí, ampliando los límites de lo que podía ser considerado como arte y aterrorizando, con ello, a las morales más conservadoras. Hoy, cuando ya a nadie parece asustar, la performance ha vuelto y seguirá entre nosotros. Desde hace algunos años, los museos la programan con éxito, los visitantes a las grandes bienales hacen cola para compartir tiempo y espacio con los más variopintos " performers " mientras corren ríos de tinta en torno a un concepto que desborda la arena del arte actual. Este libro pretende ser una introducción a la performance en el territorio del arte. Lejos de proponer una historia lineal, el volumen ofrece una serie de aproximaciones de carácter temático y transversal a la performance que permitan situarla en el marco del arte contemporáneo.

Básicos Arte Cátedra

Performance y arte contemporáneo

El diseño se ha convertido en una herramienta indispensable para la sociedad industrial. Es una de las fuentes creadoras de la cultura contemporánea que, hoy en día, requiere con más insistencia una argumentación teórica que facilite la comprensión de su actividad y de sus productos. &quot; Breviario de diseño industrial: función, estética y gusto &quot; arranca con una reflexión sobre la noción de diseño y la permeabilidad de sus fronteras con otros territorios de creación colindantes, para continuar con el estudio de las dimensiones funcional, simbólica, emocional y formal de los productos industriales. El libro se detiene especialmente en el uso que el diseño hace, o puede hacer, de las categorías estéticas: la belleza y la gracia, la fealdad y sus aledaños, o las variedades del humor; y en los tipos de gusto que el ser humano manifiesta ante los objetos que le rodean. La elegancia, su antítesis del kitsch y los estratos intermedios del gusto aparecen contemplados siempre en relación con el mundo objetual en un texto que, en su último capítulo, no elude abordar las encrucijadas y los desafíos a los que se enfrenta el diseño en la actualidad.

Breviario de diseño industrial

Podría resultar paradójico que quien en 1996 se pronunció "contra el arte latinoamericano" agrupe ahora en este libro algunos de sus escritos sobre el arte en la región. No es así: la obra de Gerardo Mosquera ha contribuido a superar una noción totalizadora y reductora no solo del arte creado en América Latina, sino del continente mismo. Lo prueban los ensayos reunidos en este volumen, buena parte de los cuales no habían aparecido en castellano, que muestran a un pensador que no se resigna al arte con apellidos y trabaja inmerso en los procesos y eventos de la cultura contemporánea. El libro sobrepasa el ámbito latinoamericano para discutir problemas globales. Nikos Papastergiadis ha señalado que una de las lecciones que nos ofrece es la de "modificar el papel del artista en la periferia: pasar del que imita lo dominante para acceder a lo universal, al que produce contenido universal a nivel local. Por tanto, ofrece una metodología distintiva". Es el nuevo paradigma del "desde aquí", defendido por el autor: los contextos son ahora actuados más que mostrados.

Arte desde américa latina

El arte abstracto se abrió camino en España cuando, tras el fin de la Segunda Guerra Mundial, el Régimen se vio obligado, para subsistir, a perder parte de su retórica fascista. Frente a las tradiciones académicas, al contrario que el arte más político, lo abstracto podía situarse más allá de cualquier ideología, asumir una condición moderna (muy apreciada en las exposiciones internacionales) y enlazar con la gran tradición pictórica española, de Velázquez a Goya. Fue esto lo que propició que, durante un tiempo, la pintura abstracta fuera el arte oficial de la España franquista. Todo esto tuvo lugar en el marco del proceso de separación radical entre cultura y política que se dio en Occidente a partir de 1945, y que favoreció el espectacular reciclaje del régimen de Franco.  A partir del análisis de la política expositiva, la crítica y la historiografía del arte abstracto en la España de posguerra, este libro explora las razones por las que el informalismo se consideró un movimiento artístico principal y, además, se entendió como una síntesis de las tradiciones artísticas españolas.

La idea de arte abstracto en al España de franco

Tras una introducción en la que la autora realiza un repaso a su trayectoria intelectual y a los temas esenciales del análisis visual, el libro ofrece por primera vez en lengua castellana algunas de las intervenciones más relevantes de la producción de Mieke Bal, llegando hasta los textos más recientes sobre los ensayos visuales, el análisis fílmico y el trabajo de comisariado. En cierta manera, es un mapa de los diferentes conceptos y problemas que han preocupado a Bal durante su larga carrera profesional, así como de cuestiones centrales del análisis cultural y los estudios visuales. El libro se divide en cuatro grandes partes que analizan el estatus de las imágenes y las metodologías de estudio, así como algunos desarrollos de la cultura visual y la cultura expositiva: La primera se centra en el estatus del análisis visual en la actualidad. Tras plantear su pertenencia a la disciplina de la historia del arte, Bal intenta desarrollar una metodología capaz de dar cuenta de la problemática de las imágenes y lo visual. A través de intervenciones teóricas y de análisis de obras de arte, se plantean cuestiones clave de metodología como el "esencialismo visual", la temporalidad -el concepto de preposterous- o la política de la representación -especialmente desde las lecturas de Rembrandt y el género-. La segunda está centrada en el tiempo y en el modo en el que los artistas plantean, a través de su obra, ejercicios de análisis cultural. La tercera plantea una visión particular del arte político más allá del realismo, el activismo y la representación temática. Es lo sensible, lo estético, los afectos y las emociones lo central en el desarrollo de un arte político. En la cuarta reflexiona sobre su labor como artista y comisaria a través de tres ensayos sobre el arte de mostrar y el discurso de la exposición y el museo. Por último, en la pequeña conclusión "La práctica del análisis visual", muestra la necesidad del análisis visual en el mundo contemporáneo.

Ediciones Akal

Akal

Estudios Visuales

Tiempos trastornados

El presente libro es una obra de madurez, en la que su autor, uno de los más reputados historiadores del arte del panorama actual, sintetiza sus postulados en torno a una teoría de la imagen que es correlato de los «Actos de habla» de los filósofos del lenguaje.  Como alternativa a una historia de las imágenes como fruto de la producción de los hombres de una época, objetivo tradicional de la Historia del arte y la Iconografía, Bredekamp busca explicar las imágenes en su condición de agentes históricos, como núcleo, más que consecuencia, de ciertas dinámicas sociales y ciertos modos de interpretación de la realidad. En este sentido, las imágenes son eficaces cuando actúan como catalizadoras de una cierta dinámica social, en la estela de otros ensayos fundamentales ya publicados en castellano, como los libros de David Freedberg, El poder de las imágenes, y Hans Belting, Antropología del arte. El eje vertebrador del libro es un análisis del poder de las imágenes para motivar la acción humana en ciertos contextos, y el impacto de las imágenes en tres campos fundamentales: la vida artificial, el intercambio de imagen y cuerpo, y la actividad autónoma de la forma.  La imagen no necesariamente refleja la realidad, sino que también coadyuva a la conformación de lo real. En este sentido, a través de ejemplos que van desde el mundo antiguo al contemporáneo, Bredekamp problematiza la relación entre la obra de arte y su público formulando el concepto de «Actos de imagen», que pone en cuestión ideas tradicionales de la Historia del arte como ilustración, representación y mímesis.

Ediciones Akal, S.a.

Teoría del acto icónico

El presente libro reúne los textos más recientes sobre estética de los media, cultura visual y simbolismo artístico de uno de los autores que ayudó a lanzar y fundamentar los Estudios Visuales. En sus distintos capítulos se abordan, entre otros temas, la

La ciencia de la imagen

En el presente libro, Peter Sloterdijk toca todos los géneros_x000D_modernos de las artes, desde la música hasta la arquitectura, desde el uso de la luz hasta las artes vivas, desde el diseño hasta la tipografía. Transita por todos los campos de lo visible y lo invisible, de lo_x000D_audible y lo inaudible, en un arco histórico que se extiende desde la Antigüedad_x000D_hasta Hollywood. Cuando aplica su particular método de distanciamiento del_x000D_discurso a la contemplación de obras y géneros artísticos, los objetos_x000D_descritos se muestran súbitamente bajo una luz diferente, y con su despierto y_x000D_combativo sentido de la actualidad nos conduce lejos, muy lejos de los caminos_x000D_trillados del comentario artístico.A lo largo de sus páginas se despliega la manera singularísima, a un tiempo_x000D_jovial y seria, con que el gran filósofo alemán analiza los fenómenos estéticos más_x000D_dispares, caracterizando lo estético del arte y de las artes.

Caprichos

El imperativo estético

Un mundo perseguido

El presente libro se centra en el trabajo desarrollado por la autora en las cuatro áreas que han vertebrado su investigación en las últimas dos décadas: la crítica de arte y el papel fundamental que ha desempeñado en la renovación de los estudios del arte actual; la revolución de los Estudios visuales con su enfoque interdisciplinar, que ha puesto en primer plano la cultura visual de la imagen; el arte y la globalización, con la ruptura del paradigma artístico occidental y la tensión entre lo global y lo local, la identidad y la diferencia; por último, el archivo como una de las prácticas artísticas fundamentales de nuestro tiempo. Un libro que ofrece una reflexión no tanto sobre el concepto de arte como sobre el de historia del arte, sus límites y la necesidad de plantear nuevos métodos y estrategias de análisis para abordar el futuro.

Derivas

Es verdad que la_x000D_ecología ha recibido escasa atención en el ámbito de la historia del arte, pero_x000D_también es cierto que su visibilidad e importancia han ido creciendo en los_x000D_últimos tiempos, de la mano de las amenazas del cambio climático y la_x000D_destrucción medioambiental.Al imbricar el_x000D_extendido compromiso político y estético de diversos artistas con procesos y_x000D_condiciones medioambientales por todo el planeta ?y dirigiendo su mirada a los_x000D_punteros avances teóricos, políticos y culturales que se han producido y_x000D_producen en el Sur y el Norte globales?, el presente libro ofrece una_x000D_significativa y original contribución a los campos interconectados la historia_x000D_del arte, la ecología, la cultura visual, la geografía y la política_x000D_medioambiental.A lo largo de_x000D_sus seis capítulos, su autor aborda las propuestas creativas de diversos artistas_x000D_y activistas en pos de formas de vida que aúnen sostenibilidad ecológica,_x000D_justicia climática y democracia radical, en un momento como el presente en el_x000D_que se necesitan con urgencia este tipo de propuestas.

Descolonizar la naturaleza

Articulado en tres bloques la propuesta de este libro es hacer un repaso de los enfoques, tanto de los teóricos como de los artistas más relevantes en la actualidad, frente al viejo problema de la relación entre el arte y la política, desde después de la Segunda Guerra Mundial hasta nuestros días, para poder revisar el debate en el contexto de un mundo saturado de imágenes.No se trata de revisar las prácticas artísticas de los «modernos» desde una mirada política que no tenga que ser forzosamente destructiva. Se trata, más bien, de revisar la posibilidad de una mirada política desde el arte hacia nuestro contexto. El arte no es la política, efectivamente, pero quizá sí tiene algo que ver con lo político, quizá todavía tiene algo que decir en ese terreno, sin prisas.

Akal / Arte Contemporáneo

Miradas políticas en el país de las fantasías

Malos nuevos tiempos

Centrado en el análisis y caracterización de esta segunda fase del net art y de su desarrollo hasta la actualidad, el texto presenta un pormenorizado estudio de todas las nuevas formas y variantes que han ido apareciendo &#150;blog-art, net-cinema, intervenciones y performances en metaversos como «Second Life», propuestas bas adas en visualizaciones de datos, arte locativo&#133;&#150;, lo que lo convierte en un libro fundamental para saber cómo está evolucionando esta importante faceta del arte de nuestro tiempo.

Prácticas artísticas e internet en la época de las redes sociales

Históricamente el Mediterráneo ha sido un espacio de entendimiento y confrontación donde Occidente y Oriente han participado en proyectos comunes y se han enfrentado política y militarmente. Sin embargo, desde el siglo XVIII las potencias occidentales han conseguido una hegemonía económica, política y cultural que les ha permitido tener un trato de dominio colonial sobre el conjunto de países árabes o musulmanes. Escapar del punto de vista mayoritario, romper con las creencias hegemónicas e intentar construir un discurso propio que dote de personalidad e identidad a un país o a una cultura es una tarea ardua y costosa. Los países árabes han visto secuestrada su voz y su manera de ver el mundo por una concepción generalista e igualatoria que tiende a negar las diferencias, olvidar la pluralidad de voces o sentimientos, y llevarnos a una historia única e indiscutible, a la sombra de Occidente.

A la sombra de occidente

Mujeres artistas. Ensayos de Linda Nochlin reúne treinta ensayos esenciales de la historiadora contemporánea más sagaz y provocadora publicados a lo largo de su carrera, entre los que se cuentan dos realizados específicamente para esta colección y una entrevista en la que repasa su trayectoria académica y reflexiona acerca del papel de la mujeres en el arte actual. Se trata pues de la antología definitiva de Linda Nochlin sobre teoría feminista y arte creado por mujeres.Entre los escritos seleccionados por Maura Reilly destacan un hito de la teoría feminista: «¿Por qué no hahabido grandes mujeres artistas?», de 1971, junto a otros ensayos seminales: «Mujeres artistas después de la Revolución francesa» o «Partiendo de cero. Los comienzos de la historia del arte feminista». Para completar el enfoque teórico, el volumen contiene diversos estudios consagrados a importantes artistas modernas, como Artemisia Gentileschi, Berthe Morisot o Mary Cassatt, y contemporáneas, como Jenny Saville, Kiki Smith o Sophie Calle, entre muchas otras.

Alianza Editorial

Alianza

Mujeres artistas

La exposición Formas biográficas. Construcción y mitología individual revisa la dimensión narrativa del arte en su relación con lo literario. La muestra analiza la relación entre «vida y obra», así como los mecanismos de construcción de la identidad y de la biografía que operan a lo largo de la actividad artística del siglo XX. De esta manera, el relato biográfico es interpretado como constructo de una mitología individual en la que el propio artista participa a través de un proceso de búsqueda y construcción del sujeto. Tradicionalmente confrontado con las artes visuales, lo literario, que también incluye manifestaciones anti-literarias y ajenas al campo institucionalizado de la literatura, se revela como un amplio saber que integra psicoanálisis, antropología o teoría crítica y que es fundamental  para replantear una nueva escritura sobre el arte.

Lucian freud (2015)

Dalí. La obra pictórica (2019)

Logo modernism (2015)

Mierda y catástrofe (2014)

Frida kahlo. Obras maestras

Picasso. Obras maestras

La destrucción del arte (2014)

Performance y arte contemporáneo (2019)

Breviario de diseño industrial (2016)

Arte desde américa latina (2020)

La idea de arte abstracto en al España de franco

Tiempos trastornados (2016)

Teoría del acto icónico (2014)

La ciencia de la imagen (2019)

El imperativo estético (2020)

Un mundo perseguido (2023)

Derivas (2021)

Descolonizar la naturaleza (2020)

Miradas políticas en el país de las fantasías (2019)

Malos nuevos tiempos (2017)

Prácticas artísticas e internet en la época de las redes sociales (2015)

A la sombra de occidente (2022)

Mujeres artistas (2022)

Formas biográficas. Construcción y mitología individual (2013)