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Déjese hechizar por Gustav Klimt. Un siglo después de su muerte, el artista sigue sorprendiendo con su desvergonzado erotismo, sus deslumbrantes superficies y su experimentación artística. Maestro del arte vienés de finales del XIX y pionero del movimiento secesionista, Klimt creó un deslumbrante legado de tonos suntuosos y texturas de pan de oro, que incluye obras tan célebres como El beso y La dama dorada.

Editorial Taschen

Bibliotheca Universalis

Gustav klimt

Descubra a Gerhard Richter, el artista alemán que redefinió la pintura. Entre obras abstractas y pinturas basadas en fotografías, Richter amplía los límites del medio y nos recuerda su urgencia e importancia en un mundo lleno de imágenes digitales. Esta introducción a uno de los mejores artistas de nuestro tiempo explora toda su carrera.

Richter

Con seis años, Salvador Dalí (1904-1989) quería ser cocinero. Con siete años, quería ser Napoleón. ?A partir de ese momento ?dijo más tarde? mi ambición no dejó de crecer, y con ella mi megalomanía. Ahora solo quiero ser Salvador Dalí, no tengo mayor deseo?. En el transcurso de su vida Dalí se propuso convertirse en Dalí, es decir, uno de los artistas y excéntricos más importantes del siglo XX.Este imponente volumen es el estudio más completo de la obra pictórica de Dalí que jamás se haya publicado. Después de años de investigación, Robert Descharnes y Gilles Néret localizaron pinturas del maestro que habían permanecido inaccesibles durante largo tiempo; tantas, en realidad, que casi la mitad de las que ilustran el libro apenas se conocen.Más que ofrecer un catálogo razonado, este libro contextualiza la obra de Dalí y sus significados a la luz de documentos contemporáneos, desde escritos y dibujos hasta materiales de otras facetas de su trabajo, como el ballet, el cine, la moda, la publicidad y los objetos de arte. Sin el análisis realizado gracias a ellos, estas pinturas no serían más que una larga serie de imágenes.El estudio se divide en dos partes. La primera examina los inicios de Dalí, cuando era un artista desconocido. Asistimos a cómo el joven Dalí participa de todos los ?ismos? (impresionismo, puntillismo, cubismo, fauvismo, purismo y futurismo) con maestría e ingenio, y cómo toma elementos prestados de las tendencias dominantes antes de ridiculizarlas y abandonarlas. La segunda parte desvela los resultados de toda una vida de investigación, así como el gran legado que dejó en obras como La pesca de los atunes (1966/1967) o El toreador alucinógeno (1970). Incluye homenajes inéditos a Velázquez o Miguel Ángel pintados con el mismo propósito que las variaciones sobre maestros del pasado hechas por su contemporáneo, Picasso.Descu brimos cómo, movido por el deseo de desentrañar los secretos de grandes obras y convertirse en un Velázquez de mediados del siglo XX, Dalí se convirtió en Dalí.

Dalí. La obra pictórica

Esta experiencia creativa del social, económica y ambientalmente responsable Bjarke Ingels Group (BIG) es un manifiesto arquitectónico radical publicado dentro de un cómic. La empresa pionera utiliza el formato de dibujos animados para declarar su peculiar filosofía de construcción en términos simples y concisos: una búsqueda para encontrar un equilibrio entre el diseño utópico y las necesidades cotidianas pragmáticas, para "mover el foco de los pequeños detalles a la GRAN imagen".

Big. Yes is more. An archicomic on architectural evolution

El vinilo ha vuelto. Y en esta selección de 1000 de las portadas de discos más icónicas desde los años sesenta a los noventa descubrimos por qué es el soporte músical más grande y mejor. Obras de arte memorables, cubiertas que representan una época y clásicos perdidos hace tiempo para ganar espacio, en una plataforma virtual de la historia de la música.

1000 Record covers

Una aproximación indispensable a la obra pictórica completa de Salvador Dalí (1904-1989), sus influyentes ideas y su impacto en la historia del arte. Pintor, escultor, escritor, cineasta, el prolífico artista fue uno de los grandes exhibicionistas y excéntricos del siglo XX.

Descubra la esencia del arte moderno en el diseño gráfico a través de esta gran colección de seis mil logotipos creados entre 1940 y 1980. Desde medios de comunicación hasta grandes cadenas comerciales, pasando por aerolíneas y galerías de arte, imágenes de marca cuyos conceptos visuales claros y sencillos pueden considerarse el origen visual de la identidad corporativa.

Logo modernism

Una abigarrada colección de anuncios de la década de 1950 de los artículos más variados, desde unas vacaciones en Las Vegas hasta cigarrillos para levantar el ánimo. Estos anuncios variopintos no son una mera exposición de productos y campañas de antaño, sino un recuerdo evocador de la vida estadounidense en los años del macartismo, cuando el capitalismo lo era todo.

All-American Ads Of The 50S

Una revisión a la década de 1990 en un compendio de joyas de la publicidad que consiguieron venderles de todo a la generación X y a los nacidos en la era del babyboom, desde la Game Boy a los chicos Boyz II. Página tras página de anuncios nos recuerdan que el sexo y los éxitos de taquilla dieron paso a una década plena de audiovisuales irónicos, frescos y clásicos que cerraron un siglo y nos llevaron al siguiente.

All-American Ads Of The 90S

En el Nueva York de la década de 1950, antes de convertirse en uno de los nombres más célebres del siglo XX, Andy Warhol era ya un hábil y exitoso artista comercial. Durante esa época, como parte de su estrategia para atraer a clientes y forjar amistades, creó siete libros promocionales hechos a mano reservados para sus contactos más valiosos. En ellos incluyó extravagantes dibujos y textos suyos, revelando, entre otras, su pasión por los gatos, la comida, los mitos, los zapatos, los chicos guapos y las chicas hermosas.Décadas más tarde, y con los originales pasando de unos propietarios a otros por miles de dólares en subastas, TASCHEN presenta un volumen de tamaño XL que contiene meticulosas reediciones de estos siete libros. Con títulos como Love Is A Pink Cake (El amor es una tarta color rosa), 25 Cats Named Sam (25 gatos llamados Sam) y À la Recherche du Shoe Perdu (En busca del zapato perdido), esta serie revela el carácter fuera de lo común del artista, su destreza como dibujante, su creatividad ilimitada y su sutil sentido del humor.Este libro juega con estilos y géneros: Las litografías de A Is for Alphabet (A de Alfabeto) dedican una página a cada una de las letras del abecedario, con ilustraciones acompañadas de versos de tres líneas que hablan de extraños encuentros entre el hombre y los animales. In the Bottom of My Garden (Al fondo de mi jardín) es un cuento infantil warholiano y al mismo tiempo un homenaje al amor homosexual. Wild Raspberries (Frambuesas silvestres) es una parodia de un libro de cocina con una serie de recetas atrevidas con instrucciones e ilustraciones.Este colorido volumen también incluye introducciones para cada una de las ilustraciones de Warhol. Enriquecidas con fotografías raramente vistas del artista, objetos inspiradores y trabajos comerciales, contextualizan el arte de Warhol de la década de 1950 ofreciendo una visión de su proceso creativo en aquellos primeros años así como de su carácter entrañable y juguetón.Estos libros son joyas poco conocidas pero muy codiciadas del universo Warhol. Delicias dibujadas a mano tan atractivas y originales hoy como lo fueron en la década de 1950. Con una introducción de la experta en Warhol Nina Schleif, así como ilustraciones de la época y fotografías de Warhol, esta edición meticulosa ofrece una mirada única a un genio incipiente a punto de alcanzar la fama mundial.© The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc.

Andy warhol. Seven illustrated books 1952-1959

Entre México y Nueva York, Gloria Cortina es una de las más celebres diseñadoras actuales de interiores. Prácticamente todos los muebles, telas, revestimientos para el suelo, y la iluminación que utiliza para decorar esos interiores son piezas únicas diseñadas por ella, y realizados por sus equipos de artesanos colaboradores. Este libro aborda el diseño de una manera peculiar. A Gloria Cortina lo que menos le interesa es mostrar su obra simplemente como una marca; ella piensa que el diseño deber ser una expresión contemporánea de arte y cultura. Por ello, las imágenes y los textos en sus páginas descubren, sutil y exquisitamente, muchas de sus ideas esenciales y el carácter de sus diseños y composiciones excepcionalmente sensuales, donde la estética de la herencia cultural de México se revela bajo la mirada de una creadora del siglo XXI.

Gloria cortina. México

Vicente Rojo (Barcelona 1932), después de estudiar en l'Escola Elemental del Treball, viaja a México para encontrarse con su padre, exiliado político de la Guerra Civil. Será allí donde desarrolle su obra pictórica, hasta el punto que se le considera uno de los artistas más influyentes de la corriente abstraccionista mexicana, así como su faceta como impulsor de numerosas empresas culturales.  Escrito/Pintado ofrece un recorrido por la obra de Vicente Rojo y reúne una destacada selección de obras de diseño gráfico y editorial, libros de artista, series de escultura y pintura, bocetos y grabados, en los que se despliega una multitud de negociaciones entre la letra impresa, el signo como gesto y la pintura como proceso.

Vicente rojo. Escrito/pintado

Centrado en el análisis y caracterización de esta segunda fase del net art y de su desarrollo hasta la actualidad, el texto presenta un pormenorizado estudio de todas las nuevas formas y variantes que han ido apareciendo &#150;blog-art, net-cinema, intervenciones y performances en metaversos como «Second Life», propuestas bas adas en visualizaciones de datos, arte locativo&#133;&#150;, lo que lo convierte en un libro fundamental para saber cómo está evolucionando esta importante faceta del arte de nuestro tiempo.

Akal / Arte Contemporáneo

Prácticas artísticas e internet en la época de las redes sociales

Juan Caramuel Lobkowitz (1606-1682), el más prolífico y original polígrafo del Barroco hispánico, destacó por sus poco convencionales intereses arquitectónicos. La inusual trayectoria del cisterciense madrileño propició que sus juveniles y castellanas reflexiones sobre la arquitectura adquiriesen en Flandes, en el Imperio y sobre todo en Italia matices nuevos, debidos tanto al cultivo del racionalismo proyectivo como a la delectación retórica. Inquisitivo y probabilista, dio a la estampa los tres volúmenes de la Architectura civil recta y obliqua (Vigevano, Camillo Corrado, 1678), sin duda el más extenso y ambicioso tratado de arquitectura hasta entonces escrito en lengua española.  Consciente, como hombre del siglo XVII, del valor de la certeza tanto para la arquitectura como para la tratadística, se sirvió de la segunda para defender la cientificidad de la primera, lo que le llevaría a convertirse en nexo privilegiado entre la evolución europea y un medio español especialmente complejo, el de la transición de los Austrias a los Borbones. Las cavilaciones del desprejuiciado teórico encierran aspectos de sorprendente modernidad: no en vano aspiraba a un clasicismo «abierto» y «oblicuo» que, en lugar de valerse del canon vitruviano para sobrevolar la contingencia histórica, abriese el camino hacia una nueva y racional plasticidad.   Jorge Fernández-Santos Ortiz-Iribas, licenciado por la Universidad de Cornell, se doctoró en 2005 en la Universidad de Cambridge. Becario predoctoral en la Real Academia de España en Roma y postdoctoral de la Fundación Gerda Henkel de Düsseldorf, su trabajo actual como investigador del subprograma Ramón y Cajal adscrito a la Universitat Jaume I versa sobre los intercambios culturales hispanoitalianos a finales del siglo XVII y principios del siglo XVIII.

Juan caramuel y la probable arquitectura

Enrique Lafuente Ferrari (1898-1985) perteneció a la segunda generación de historiadores del arte españoles y siempre se consideró discípulo de Elías Tormo y Manuel Gómez-Moreno, aunque probablemente fue el filósofo José Ortega y Gasset quien más duradera influencia ejerció sobre su trabajo. Entre los múltiples intereses a los que consagró su atención durante su prolífica carrera sobresalen dos con especial intensidad: Diego Velázquez y Francisco de Goya. Al pintor sevillano dedicó algunas de las páginas más brillantes que se han escrito sobre su vida y su quehacer en cinco monografías y numerosos artículos publicados en revistas especializadas y en prensa periódica, junto con otros textos incluidos en reflexiones globales sobre la pintura española del siglo XVII. Este libro recopila más de veinte ensayos en los que Lafuente Ferrari desgrana su concepción de la pintura de Velázquez con un estilo diáfano y vivaz que traslada con una claridad inusitada sus ideas y que lo convierte, junto con la sagacidad de sus propuestas, en uno de los más destacados historiadores del arte; no por casualidad Fred Licht lo consideró «el decano» de la Historia del Arte en España.

Velázquez o la salvación de la circunstancia y otros escritos sobre el autor

El presente ensayo emprende un viaje por la cultura del paisaje de uno de los más fascinantes períodos de la historia de China: la dinastía Song (960-1279), conocido como el Renacimiento chino debido al gran esplendor cultural, científico y artístico que tuvo lugar durante esos siglos. La cultura del paisaje de esta época ha ejercido una influencia tan grande en el desarrollo histórico sínico que aún hoy sigue siendo un referente fundamental en la China contemporánea.

La experiencia del paisaje en china

Este libro es una recopilación de las obras más sobresalientes que Abraham Zabludovsky (1924-2003), considerado uno de los grandes innovadores de la arquitectura mexicana de la segunda mitad del siglo XX, diseñó desde 1962 en materia de inmuebles públicos integrada por fotografías, planos y una breve explicación de los porqués de cada construcción.Las páginas de la edición permiten entender la manera en que Zabludovsky dominó la compleja articulación de los espacios y sus requerimientos escenográficos, así como la transición entre la arquitectura y la ciudad.

Abraham zabludovsky.

El presente libro es una obra de madurez, en la que su autor, uno de los más reputados historiadores del arte del panorama actual, sintetiza sus postulados en torno a una teoría de la imagen que es correlato de los «Actos de habla» de los filósofos del lenguaje.  Como alternativa a una historia de las imágenes como fruto de la producción de los hombres de una época, objetivo tradicional de la Historia del arte y la Iconografía, Bredekamp busca explicar las imágenes en su condición de agentes históricos, como núcleo, más que consecuencia, de ciertas dinámicas sociales y ciertos modos de interpretación de la realidad. En este sentido, las imágenes son eficaces cuando actúan como catalizadoras de una cierta dinámica social, en la estela de otros ensayos fundamentales ya publicados en castellano, como los libros de David Freedberg, El poder de las imágenes, y Hans Belting, Antropología del arte. El eje vertebrador del libro es un análisis del poder de las imágenes para motivar la acción humana en ciertos contextos, y el impacto de las imágenes en tres campos fundamentales: la vida artificial, el intercambio de imagen y cuerpo, y la actividad autónoma de la forma.  La imagen no necesariamente refleja la realidad, sino que también coadyuva a la conformación de lo real. En este sentido, a través de ejemplos que van desde el mundo antiguo al contemporáneo, Bredekamp problematiza la relación entre la obra de arte y su público formulando el concepto de «Actos de imagen», que pone en cuestión ideas tradicionales de la Historia del arte como ilustración, representación y mímesis.

Teoría del acto icónico

En 1538, Francisco de Holanda, joven pintor de veinte años y humanista en ciernes, viajó a Italia por orden de Juan III de Portugal para ilustrar «las fortalezas y obras más insignes» de aquella tierra. Esta misión diplomática le permitió visitar varias ciudades italianas y conocer, en Roma, a Miguel Ángel, que entonces tenía sesenta y tres años y se había convertido en el artista más influyente de Europa. Los diálogos recogidos en este volumen recrean literariamente las conversaciones sobre arte que Francisco mantuvo con el maestro en las reuniones que organizaba la poetisa Vittoria Colonna? gran amiga de Miguel Ángel y destacada figura del Renacimiento italiano?, en las que también participaron otros artistas de la época. Esta cuidadosa edición no sólo nos ofrece una original pieza literaria en que las voces y opiniones singulares de un buen número de personajes ilustres suenan plenamente vivas, sino también una obra de un gran interés histórico, pues contribuyó a la difusión de la novedosa idea de creación artística que se impondría en Occidente durante los siglos venideros.

Diálogos de roma

«Voy a contar como testigo la apasionada vida de Amedeo Modigliani, artista angustiado que combatió la desgracia con toda su innata nobleza; la apasionada vida de Amedeo Modigliani, cuyo destino se cumplió en Francia y que en su miserable lecho de muerte susurró: "Cara Italia! "». Artista genial, Amedeo Modigliani llegó a París desde la lejana y luminosa ciudad toscana de Livorno y vivió con intensidad «les Années folles» de Montparnasse, nuevo centro de la bohemia artística. Fallecido con treinta y cinco años a principios de la década de 1920, consumió su vida entregándose con el mismo frenesí a la creación artística y al amor, como si confiara en desafiar a la muerte haciendo que cada instante valiera el doble. El poeta y crítico de arte André Salmon, amigo y compañero de Modigliani, recuerda al pintor en este libro, en el que, como si de una novela se tratara, pinta un magnífico fresco de la extravagante y tumultuosa vida en París a principios del siglo xx.

La apasionada vida de modigliani

Uno de los proyectos más osados y geniales de todos los tiempos consistió en transformar la mente humana en un organismo artificial infinito haciendo de él un teatro poblado de palabras, imágenes e ideas posibles, una enciclopedia de todos los saberes, una biblioteca capaz de producir mediante una combinatoria relaciones ordenadas y visibles entre aquellas ideas, aquellas imágenes y aquellas palabras. Así, en los primeros años del Cinquecento, en la civilización de un Américo Vespúcio, Copérnico, Ariosto, Miguel Ángel, Erasmo de Róterdam e Ignacio de Loyola, un humanista italiano, amigo de poetas y de médicos, de pintores y de monarcas, Giulio Camillo, soñaba con mutar la propia mente y la de cualquier ser humano en un edificio interior, en una estupenda máquina de memoria y creatividad, capaz de realizar una metamorfosis de sí mismo y del mundo por medio de la concentración, el ejercicio espiritual y el dominio de la abisal red de la Sabiduría.    A principios del siglo XX, estudiando también las obras de Camillo, Aby Warburg, historiador del arte, formidable erudito y antropólogo, inventó una extraordinaria ;ciencia sin nombre;, que hoy se ha convertido en un método de investigación acerca de las relaciones de imágenes y textos. Warburg buscaba en los textos e imágenes de cualquier época las huellas dinámicas (dinamogramas) del imaginario, según un modelo no muy distante del de Jung, reconociendo en cada gesto cultural un síntoma colectivo, revivido por los individuos.

El teatro de la mente

http://www.ceeh.es/coleccion.cfm?idCatPubli=243&idPublicacion=697

Poder y saber. Bibliotecas y bibliofilia en la época del conde-duque de olivares

Este libro presenta una selección de obras de la colección de arquitectura del Centre Pompidou, que retratan la evolución de la metrópoli del Grand Paris desde la década de 1950 hasta la actualidad. A través de edificios emblemáticos como la torre Montpar

SBS CUSCO

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De la ciudad al museo/ from the city to the museum

Este libro rinde homenaje a los veinte años de trayectoria de Helena Rohner, una de las diseñadoras de joyas españolas con mayor proyección internacional. A través de una cuidada selección de piezas, se destaca su enfoque artesanal, el uso de materiales n

Helena rohner

Gustav klimt (2018)

Richter (2019)

Dalí. La obra pictórica (2019)

Big. Yes is more. An archicomic on architectural evolution (2009)

1000 Record covers (2014)

Dalí. La obra pictórica (2013)

Logo modernism (2015)

All-American Ads Of The 50S (2018)

All-American Ads Of The 90S (2017)

Andy warhol. Seven illustrated books 1952-1959 (2023)

Gloria cortina. México (2015)

Vicente rojo. Escrito/pintado (2015)

Prácticas artísticas e internet en la época de las redes sociales (2015)

Juan caramuel y la probable arquitectura (2014)

Velázquez o la salvación de la circunstancia y otros escritos sobre el autor (2013)

La experiencia del paisaje en china (2014)

Abraham zabludovsky.

Teoría del acto icónico (2014)

Diálogos de roma (2018)

La apasionada vida de modigliani (2017)

El teatro de la mente (2017)

Poder y saber. Bibliotecas y bibliofilia en la época del conde-duque de olivares

De la ciudad al museo/ from the city to the museum

Helena rohner