¿Por qué, en el apogeo del arte griego, los filósofos proponen razones para despreciarlo? ¿Por qué la prohibición bíblica de la imagen ha sido interpretada de modo tan distinto por judíos, musulmanes y cristianos? ¿Por qué la querella de las imágenes cobró tal gravedad en Oriente y en Occidente hizo caso omiso y multiplicó las imágenes sagradas y profanas? Este libro responde a estas preguntas y plantea otras. Se interroga sobre la nueva iconoclasia que se desarrolla en Occidente ;Calvino que expulsa la imagen del templo, los jansenistas que la desdeñan, Kant que la juzga inútil, Hegel anticuada; y la transformación que estas corrientes imponen al arte europeo.Alain Besançon desvela en esta historia el desarrollo de una lógica espiritual enemiga de la imagen, que se consuma de siglo en siglo hasta llegar al nuestro. Destaca los momentos clave siguiendo el hilo que recorre la reflexión estética desde Platón hasta Malevich. E interpreta en la explosión del arte abstracto, el eco de antiguas concepciones iconoclastas. Toda su faceta del arte contemporáneo se ve iluminada por esta larga investigación sobre la imagen divina, aunque la nueva iconoclasia olvide a menudo los argumentos de la antigua.

Tapa blanda

Español

Siruela

La imagen prohibida

Caminar es una evasión de la modernidad, una forma de burlarse de ella, de dejarla plantada, un atajo en el ritmo desenfrenado de nuestra vida y un modo de distanciarse, de aguzar los sentidos.   David Le Breton mezcla en Elogio del caminar a Pierre Sansot y a Patrick Leigh Fermor, pero también hace que Basho y Stevenson dialoguen sin preocuparse por el rigor histórico, pues el propósito de este exquisito libro no radica ahí, se trata solamente de caminar juntos, de intercambiar impresiones, como si estuviéramos en torno a una mesa en un albergue al borde del camino, por la tarde, cuando el cansancio y el vino nos hacen hablar.;

Elogio del caminar

«Steiner es el heredero, lúcido y exigente, de la tradición europea que otorga a la literatura y a las artes un espacio céntrico en nuestra civilización y en nuestra conciencia de ella».&lt;br /&gt;Del prólogo de CLAUDIO GUILLÉN&lt;br /&gt;&lt;br /&gt;En esta obra ambiciosa a la vez que transgresora, Steiner plantea la tesis de que todas las expresiones de arte genuino y la comunicación humana a través del uso del lenguaje están enraizadas en una realidad trascendente que está, a su vez, relacionada de forma íntima e inextricable con la presencia real de lo divino, independientemente del credo que se profese.&lt;br /&gt;El autor ahonda en las correlaciones intelectuales e históricas de la cultura occidental, explora los límites del lenguaje profundizando en los sentidos y significados que entrañan sus términos más relevantes, y afronta todos aquellos temas insoslayables para un pensador de su talla, tales como la existencia de Dios o nuestro recurrente y fallido intento para justificar la experiencia estética, entre otros. Se trata, sin duda, de uno de los trabajos más reveladores y deslumbrantes de George Steiner.

Presencias reales

La filosofía existencialista alemana condena la filosofía del idealismo ;de Fichte a Schelling; con una severidad similar a la que los teólogos de la escuela dialéctica aplican a la mística cristiana. Ernst Benz comprobó que esto ocurría no solo en las cátedras universitarias y eclesiásticas, sino también en las revistas filosóficas y teológicas, de modo que el misticismo y el idealismo vivían una especie de olvido deliberado. Ya a principios del siglo XIX, cuando los promotores de la filosofía idealista alemana trataban de proclamar sus ideas, los adeptos del racionalismo tradicional los confrontaron con virulencia.   El hecho histórico de las relaciones directas entre la mística cristiana y el idealismo alemán se había constatado en las investigaciones sobre la historia de la filosofía del siglo XIX. Autores como Wilhelm Dilthey hicieron hincapié en la continuidad de la tradición entre la mística alemana de la Edad Media y la filosofía idealista.   Los estudios reunidos en este volumen buscan profundizar en este tema, evocando primero las distintas fuentes literarias del misticismo en los filósofos románticos, para presentar después a algunos pensadores clave de la teología mística europea y analizar el descubrimiento de la mística india, que abre una nueva época en el pensamiento idealista alemán.

Biblioteca De Ensayo - Serie Mayor

Mística y romanticismo

En Fiscalidad voluntaria y responsabilidad ciudadana, Peter Sloterdijk explica su provocadora tesis según la cual en una sociedad democrática la recaudación obligatoria de impuestos habría de ser transformada en donativos voluntarios de los ciudadanos a la comunidad. El autor propone la renovación del sistema fiscal como una de las vías para liberar al ciudadano del carácter fantasmal que ha adquirido en la democracia actual. Solo cuando el ciudadano deje de considerarse a sí mismo como deudor y actúe como un orgulloso contribuyente estaremos ante una democracia de verdad participativa, donde los políticos estarían al menos algo más obligados a responder ante las exigencias de los ciudadanos. No se trata de la llamada a una bajada de impuestos, sino de «la intensificación y reavivación éticas de los impuestos como donaciones del ciudadano a la comunidad». A veces se olvida que voluntariedad no conlleva merma o supresión.  Sloterdijk nos invita en esta obra a despojarnos del pesimismo que corroe aquella idea que entiende la coacción como el único camino, y apuesta por la posibilidad de un ciudadano moralmente elevado.

Otro

Fiscalidad voluntaria y responsabilidad ciudadana

Frente a la reducida visión de los especialistas, Rudolf Wittkower pone de relieve en esta obra cómo las diferentes culturas del este y el oeste pueden inspirarse recíprocamente sin por ello perder su originalidad. Esta peculiar «migración de los símbolos» la estudia Wittkower en la difusión mundial del motivo de «el águila y la serpiente» y, sobre todo, en las maravillas, monstruos y portentos que, vistos o imaginados en oriente, según el testimonio de Megástenes, Marco Polo y otros viajeros, pasaron a ser parte de la cultura europea. El otro gran tema del libro es la forma plástica de la que se han revestido en el arte occidental ideas tan significativas como las de Tiempo y Virtud, Paciencia y Ocasión, Muerte y Resurrección, junto con los intentos hechos en los albores del Renacimiento italiano para dar nueva vida a los jeroglíficos egipcios, entendidos como recipientes de una recóndita sabiduría. Rudolf Wittkower fija también su mirada en el «lenguaje gestual» que tanto llama la atención en las figuras de santos y ángeles de El Greco, reconstruye los pasos dados por Tiziano hasta pintar La religión socorrida por España, según puede ser contemplada en el Museo del Prado, y completa el círculo de sus indagaciones esclareciendo, con erudición y agilidad, la relación de la imagen y el concepto, la percepción y la interpretación, así como los diferentes niveles de significación que cabe hallar en los símbolos visuales.

Tapa dura

La alegoría y la migración de los símbolos

«Peter Sloterdijk se acerca más que ningún otro filósofo al desconcierto actual».   Süddeutsche Zeitung    ¿Qué impulsa a la humanidad hacia delante? El aprendizaje de la historia ¿es lo que orienta el progreso? Este tipo de preguntas y las respuestas habituales ;normalmente desacertadas; oscurecen poco a poco el paso de una generación a otra. En el éxito o el fracaso de este tránsito generacional entra en juego la supervivencia de la civilización que conocemos.   Según Peter Sloterdijk, Europa (superada después por su filial cultural norteamericana) transmitió a casi todos los demás conjuntos étnicos un legado paradójico y fatuo: el mensaje de la herencia. Y, así, Europa y Estados Unidos, en nombre de la joven, voluble y agresiva diosa Libertad, llevaron hasta las regiones más alejadas un arriesgado experimento;   Las modernas generaciones de padres son débiles desde un punto de vista civilizador, de forma que estos progenitores potencialmente terribles solo pueden aportar una descendencia con este mismo potencial. En este sentido, Los hijos terribles de la Edad Moderna podría considerarse un libro negro, pero extraordinariamente revelador, sobre las generaciones venideras.

Los hijos terribles de la edad moderna

«El presente volumen constituye, si no estamos mal informados, el primer estudio sobre Telesio publicado en lengua española. Aunque se trata de una obra colectiva, la fundamental unidad de la obra telesiana, que aspiraba a descubrir la ;verdadera; interpretación de la naturaleza en su estructura básica y en su modo de operar, garantiza también la unidad temática del volumen. El lector encuentra así una exposición de los componentes fundamentales de la cosmología de Telesio en su estructura interna y a la vez en su compleja relación con las ideas tradicionales y con el amplio debate contemporáneo. Creemos, por tanto, que con ello hacemos una contribución no desdeñable a los estudios sobre la filosofía del Renacimiento en el ámbito hispano y en particular a los estudios sobre Telesio.»  Miguel A. Granada

Bernardino telesio y la nueva imagen de la naturaleza en el renacimiento

El simulacro es un objeto hecho, «un artefacto», capaz de producir un efecto de semejanza y de enmascarar la ausencia de modelo con la exageración de su propia «hiperrealidad». Este ensayo se interesa por la imagen que de repente se percibe poseyendo una existencia propia. Según el autor, el simulacro arranca del mito de Pigmalión, el escultor chipriota que se enamoró de su obra, a la que, en un rasgo de magnanimidad, los dioses le otorgaron vida. Nace así un ser extraño, un artefacto dotado de alma y cuerpo. La historia de Pigmalión se revela como un relato fundador que tematiza el triunfo de la ilusión estética; su argumento es «el arte de ocultar el arte», del cual, según Ovidio, Pigmalión tenía el secreto. El efecto Pigmalión nace en un texto muy astuto: las Metamorfosis de Ovidio. En él la «animación» se confía a los poderes del texto y sólo del texto. Pero será con la irrupción de la «imagen en movimiento», es decir, de la imagen fílmica, cuando se podrá, por fin, responder a las necesidades exigidas por las prácticas de animación de la estética moderna, prácticas no exentas de desafíos de orden técnico e incluso de un atisbo de «brujería». Precisamente es en el umbral de la traslación cinematográfica del mito de Pigmalión, tal y como Alfred Hitchcock lo aborda, donde termina este magnífico ensayo.

El nuevo y revelador ensayo del autor de Metamorfosis. La fascinante continuidad de la vidaLa casa es el acontecimiento moral por excelencia. Antes de ser un artefacto arquitectónico es un artefacto psíquico que nos hace vivir mejor de lo que la naturaleza nos permitiría. Es el esfuerzo por adaptarnos a nuestro entorno y viceversa, una forma de domesticación mutua entre las cosas y las personas. Es la prolongación de lo que empezamos a hacer cuando nacemos: construir una intimidad con cuanto nos rodea. Por eso coincide con el «yo», y nos muestra que para decir «yo» necesitamos a los otros.A partir de su experiencia en las treinta mudanzas que ha realizado a lo largo de su vida, el autor combina distintas disciplinas para analizar temas aparentemente cotidianos, como la configuración de la cocina, las camas, los pasillos e incluso los cuartos de baño, pero que, sin embargo, constituyen el telón de fondo de cuestiones fundamentales como la crianza, el sexo o los cuidados. Un heteróclito conjunto de conocimientos e historias que, con un brillante y muy personal estilo, nos orientan, en definitiva, hacia cómo ser felices, aquí y ahora, junto a los demás.«Los materiales que utiliza Emanuele Coccia proceden de la antropología, la psicología, la sociología, la teología? Y admiro esa forma de arrojo intelectual». Alessandro Baricco «Hay un estilo, una música y una estética Coccia. Su obra combina el arte para la metáfora de Peter Sloterdijk y la agilidad de la prosa de Giorgio Agamben».Libération&lt; br>«Tenemos que pensar en la casa: vivimos en la urgencia de hacer de este planeta un auténtico hogar; mejor aún, de nuestras residencias un verdadero planeta, un espacio capaz de acoger a todos y a cada uno. El proyecto moderno de globalizar la ciudad tiene, pues, que ser sustituido por el de abrir nuestras casas para hacerlas coincidir con la Tierra».Alessandro Baricco

Ediciones Siruela

Filosofía de la casa

Vacío y plenitud es una de esas obras fundamentales que permiten acceder a la comprensión de la pintura china. Su autor, François Cheng, conocido especialista en poesía y pintura chinas, expone el desarrollo que, a lo largo de quince siglos, ha tenido la pintura en China, pero su estudio no es de carácter histórico sino filosófico. La primera parte explora el sistema de la pintura en relación con la filosofía taoísta a partir de la noción de vacío que todo artista debe conocer, eje fundamental de la concepción china del universo y su comprensión del mundo objetivo, ligado a la idea del aliento vital y al estado supremo al que el hombre debe tender. Cheng explica también al lector occidental la adscripción de este arte a la concepción taoísta, incorporando fragmentos de pintores y tratadistas chinos sobre elementos y momentos de la actividad pictórica.

Biblioteca De Ensayo - Serie Menor

Vacío y plenitud

El Diccionario de los ismos fue publicado por vez primera en 1949 y en una segunda edición corregida y revisada en 1956. La presente edición completa a la segunda añadiendo voces que el autor había elaborado para otros lugares. Juan Eduardo Cirlot ofreció en esta obra un compendio de estética (arte, música, literatura, filosofía;) bajo la forma de «diccionario», tan querida por él. En su prólogo se lee: «Ismo significa ;perteneciente a;, pero también quiere decir lo que esa integración tiene de partidista, de fanática [;]. El mundo de los ismos tiene a veces algo del laberinto cretense; en una ocasión afirmamos que lo que la realidad, natural e incluso cultural, nos ofrece, es un caos. Pero en otros momentos, que constituyen el premio de la labor, vemos cómo ese laberinto se transfigura en un conjunto de una ordenación maravillosa, perfecta. La ley de la cristalización parece apoderarse de todos sus contornos, infundiéndoles un fulgor deslumbrante y lo que eran obscuros pasadizos se convierten en puentes diamantinos».

Diccionario de los ismos

«El fenómeno del éxtasis» es el título de un collage fotográfico y de un breve texto que Salvador Dalí publicó en el número 3-4 de la revista Minotaure (1933). Ambos marcan un momento determinante en la carrera del artista. Ante todo suponen la culminación de su actividad en el grupo surrealista ortodoxo que dirigía André Breton, pero salen a la luz justo cuando la posición de Dalí dentro del grupo entra en crisis. Este libro analiza con gran agudeza y calidad literaria este importantísimo instante de inflexión, esencial para comprender tanto los caminos que seguirá la carrera de Dalí como el propio destino del surrealismo. Y lo hace planteando «El fenómeno del éxtasis» y el resto de las colaboraciones de Dalí en Minotaure como la expresión más clara del enfrentamiento entre dos formas distintas de entender el surrealismo, es decir, entre el idealismo de Breton y el materialismo de Dalí.

El fenómeno del éxtasis

Charlie Ayres presenta en este libro veinte de las obras maestras más admiradas de todos los tiempos: desde La Primavera de Botticelli o La Gioconda de Leonardo da Vinci hasta Vieja friendo huevos de Velázquez o la Montaña Sainte-Victoire de Cézanne. La reproducción completa de cada cuadro va acompañada de un fascinante relato de cómo trabajaba el artista y algunos detalles curiosos. Con este libro la autora, como ya hiciera con Las vidas de los grandes artistas (Siruela, 2008), avivará y estimulará la imaginación de todos los aficionados al arte, sea cual sea su edad.

Las Tres Edades

Historia de los grandes cuadros

Ciudad Princesa es un relato en primera persona en el que se cuentan una serie de vivencias políticas entre octubre de 1996 y octubre de 2017, desde el desalojo del Cine Princesa en Barcelona hasta el referéndum del 1 de octubre. El hilo del relato es: ¿qué hemos aprendido? Por eso habla desde el singular de quien vive y se transforma con cada una de las situaciones recogidas y desde el plural de los nosotros que le dan sentido. Ciudad Princesa es una crónica de ciudad que recoge una visión de lo que han sido los movimientos sociales que despertaron en la Barcelona postolímpica y en otras ciudades europeas y que se conectaron con las protestas y los movimientos del mundo global hasta hoy. De la ciudad-marca a la globalización neoliberal y sus crisis: ¿cuáles son los mapas vividos de las resistencias? Ciudad Princesa es un ensayo de pensamiento en el que los problemas filosóficos y políticos, así como las ideas que los atraviesan, van al encuentro de las vivencias concretas en las que se enraízan y de las que provienen. El problema del nosotros, la cuestión del compromiso, la relación entre vida política y ciudad, la crisis de los horizontes revolucionarios, etc., son elaborados aquí desde la evolución de una vida que descubre la complicidad, la experiencia colectiva y la amistad.

Galaxia Gutenberg, S.l.

Galaxia Gutenberg

Ciudad princesa

Editorial Pre-Textos

Pre-Textos

El museo en sí

«Mujer o árbol» aborda algunos de los mitos centrales de la mujer en el imaginario contemporáneo. Roberta Ann Quance analiza la presencia de estos mitos en las obras de autores como García Lorca, Hilda Doolittle, Virginia Woolf, Sylvia Plath, etc., así como en las pinturas de µngeles Santos, Remedios Varo y Frida Kahlo, en las fotografías de Graciela Iturbe y en la iconografía popular, especialmente latinoamericana. Entre todos, destaca por su hondura e intensidad el mito de las «Diosas madre» o, como prefiere decir la autora, «Las Madres», un mito asumido por las escritoras y pintoras del siglo XX.

A. Machado Libros S. A.

Antonio Machado

Mujer o árbol. Mitología y modernidad en el arte y la literatura de nuestro tiempo

«Del espíritu vienés, y de esa Europa judaizada ahora desaparecida, Steiner conserva la espontánea provocación de una magnífica ironía [...] al tiempo que una curiosa modestia. Su obra, que nos hace reflexionar sobre nuestro legado, nos obsequia además con una inmensa cultura, un puñado de bromas inteligentes y el perfume de la anarquía».   Le Magazine Littéraire    George Steiner es un apasionado de lo absoluto. Algunos temen su espíritu mordaz y sus críticas cáusticas. Otros lo admiran por su cultura políglota, por su conocimiento de los textos clásicos, por su compromiso intelectual y por su creencia ciega, después del Holocausto, en que una comunidad humana todavía es posible.  Acompañado de la complicidad de la prestigiosa periodista francesa Laure Adler, George Steiner rememora en esta obra su juventud, su educación en Estados Unidos, su postura frente al judaísmo y su amor por los idiomas y las grandes mitologías de nuestro siglo: el psicoanálisis, el marxismo y el estructuralismo. También nos habla de su gran pasión por aquello que da sentido a su vida: la música.   Un largo sábado reúne entrevistas realizadas entre 2002 y 2014 a uno de los grandes eruditos del siglo XX y supone quizá la mejor introducción al pensamiento de este incansable defensor de la alta cultura.

El Ojo Del Tiempo

Un largo sábado

En Ensayo sobre el gusto en las cosas de la naturaleza y el arte ?publicado póstumamente en el volumen VII de la Encyclopédie (1777) y ampliado con fragmentos añadidos en la edición de las ?uvres complètes de 1816?, Montesquieu sostiene que las fuentes de lo bello, de lo bueno y de lo agradable están en nosotros mismos, e investigarlas es investigar las causas de los placeres de nuestra alma. El placer, la exigencia de armonía y simetría no emanan directamente de la razón, preocupada siempre por introducir su orden en todo. Será pues la mirada la que amplie el horizonte para contemplar un reino donde nada está oculto, y serán los diferentes placeres de nuestra alma los que formen los objetos del gusto. El alma ama la variedad, pero no basta con mostrarle multitud de cosas; hay que presentárselas en orden, ya que gusta de la simetría, de los contrastes y de la sorpresa. Las personas delicadas son, pues, aquellas que asocian a cada idea o gusto muchas otras ideas o gustos complementarios.

Ensayo sobre el gusto

«El círculo de la Sabiduría es una obra cumbre de la investigación en lengua española, que logra hilvanar, con el arte de la memoria como hilo de Ariadna, las transformaciones del diagrama de Metrodoro de Scepsis desde sus adaptaciones mitraicas y gnósticas hasta los mandalas budistas, transformando para siempre las concepciones establecidas sobre las relaciones entre Oriente y Occidente».á   CÉSAR GARCÍA ÁLVAREZ     Con los diagramas sapienciales que se analizan en la primera parte de este libro, los gnósticos pretendieron completar el designio que la filosofía se había propuesto desde sus orígenes. Pues si esta aspiró a enseñar al ser humano a regular sus pensamientos mediante la razón, los diagramas le enseñan a cultivar los más amplios campos de su imaginación y afectividad. El instrumento para ello consiste en la interiorización de lugares geométricos y de figuras que, ubicadas en esos lugares, representan potencias espirituales. Mediante la conversión de la mente en urbe y enciclopedia celestes, el ser humano se prepara para el autoconocimiento; es decir, para el reconocimiento de su condición divina originaria.    La segunda parte propone una hipótesis audaz: el mandala budista ;quizá la manifestación más característica del pensamiento y el arte sagrado asiáticos; tiene un origen completamente distinto y distante de su entorno cultural: un origen que se remonta a la Grecia del siglo I a. C., a los diagramas sapienciales gnósticos descritos en la primera parte de esta obra monumental. Se analizan aquí las etapas más hermosas y sugerentes de ese periplo: las sustentadas en las concomitancias de las diversas escuelas escépticas con la filosofía clásica budista y las que se basan en el florecimiento del arte grecobúdico de Gandhara.

El círculo de la sabiduría

Bajo una apariencia caprichosa y paradójica, las páginas de crítica y estética de Oscar Wilde quizá sean lo más original y perdurable de toda su obra. No sólo nos ofrecen un ejemplo perfecto de lo que debió de ser el Wilde conversador sino que la mayoría de sus ideas, que tanto escandalizaron en su época, han cobrado una vigencia asombrosa con el paso del tiempo. La decadencia de la mentira (1889), el texto predilecto de Wilde, y sin duda el mejor de todos sus escritos de crítica estética, es una brillante diatriba contra el arte realista de su tiempo, que mediante el «culto monstruoso de los hechos» pretende ser el espejo de la vida con toda exactitud. Para Wilde, sus cultivadores «acaban por escribir novelas tan semejantes a la vida que no hay modo de creer en su verosimilitud». Por eso, el Arte nunca debe imitar a la vida, pues «el Arte no expresa nunca otra cosa que a sí mismo». En el momento en que el Arte renuncia a su medio imaginativo, está abocado a un completo fracaso. Lo que hay que hacer «como un deber ineludible es intentar la renovación del antiguo arte de la Mentira», pues la Mentira es la más alta modalidad y el fin propio de todo Arte que se precie y conozca su más íntima naturaleza.

La decadencia de la mentira

En los momentos de ensoñación o de nostalgia, todos hemos pensado, al menos una vez, que la vida verdadera está en otra parte, en una tierra extraña donde los frutos son más dulces, el agua más pura, la luz más ligera: ahí, los hombres, las bestias y las cosas coinciden en un mismo lugar, a una misma hora, por fin reconciliados. Yves Bonnefoy -uno de los mejores poetas del siglo XX- le ha dado nombre a ese país imaginario: el territorio interior. Este libro es un recorrido por esa geografía maravillosa. Como un nuevo Virgilio, Bonnefoy nos conduce por el arte toscano del Renacimiento y, de imagen en imagen, atravesamos juntos las arenas de Amber, el desierto de Gobi, el Tíbet, la antigua Roma sepultada en el desierto, la abandonada Jaipur, Grecia, Capraia, Florencia, en una larga peregrinación que no acaba en la negación del mundo, sino en su presencia recobrada, aquí y ahora. Porque al leer este libro habremos aprendido que el sueño, igual que nosotros, es mortal, y que comparte nuestra fragilidad y nuestro destino.  Que el río en su cauce, la simple yerba, el jazmín, los olivos, el asfódelo, la cima inalcanzable de la montaña y la tierra que pisamos son nuestro único reino perdurable. Las palabras de este volumen son la llave de ese reino oculto: quien las lea, abrirá las puertas de un territorio interior, secreto, donde el fruto y los labios, la vida duradera y la vida del polvo, la realidad y el sueño, han pactado una momentánea reconciliación.

Editorial Sexto Piso

Sexto Piso Editorial

Sexto Piso

Narrativa Sexto Piso

El territorio interior

El catálogo homónimo de la exposición Valores del diseño. La utilidad en el diseño subraya la existencia de una relación mutua entre los dos términos del binomio. En pocas palabras, crear objetos prácticos es la razón de ser del diseño. Sin embargo, con frecuencia utilidad y diseño aparecen como valores muy distintos, cuando no opuestos.  Como nos recuerda el comisario de la muestra y coordinador de este volumen, Oriol Pibernat, la confusión se produce porque la forma se percibe como algo que atañe sólo al estilo, algo distinto de la utilidad. Se olvida que en el diseño la forma concierne tanto al estilo como a la estructura técnica, a los procedimientos y materiales, a la comunicación y a todas aquellas decisiones susceptibles de transformarse en el tipo de beneficios prácticos que esperamos obtener de un producto.  En estas páginas se muestran y analizan objetos de tipos, sectores y procedencias muy diversos: menaje de cocina, herramientas de ferretería, mobiliario urbano, productos de limpieza, periódicos, envases, sistemas de transporte, etcétera. Hay innovaciones que han salido al mercado hace pocos meses y otras que llevan en él más de treinta años, artículos minoritarios y productos de gran consumo, diseños de autor y diseños realizados por equipos de la empresaà Esta diversidad ejemplifica el carácter transversal que tiene la búsqueda de mejoras utilitarias en los procesos de diseño y en el desarrollo de nuevos productos.  Esta catálogo acompaña la tercera de las cinco exposiciones que el Círculo de Bellas Artes y la Sociedad estatal para el desarrollo del diseño y la innovación -ddi- han programado para 2007 y 2008. El compromiso, la ilusión y el trabajo conjunto de ambas instituciones quieren convertir al CBA en un espacio de referencia para el diseño, con carácter propio y con una vocación: transmitir los valores del diseño a través de exposiciones prácticas, didácticas y cercanas a los ciudadanos.

Editorial Círculo De Bellas Artes

Circulo De Bellas Artes

Valores del diseño: La utilidad en el diseño

El art brut fue definido por el artista francés Jean Dubuffet como toda práctica artística, intermitente o permanente, realizada por una persona «indemne» de cultura. Aunque Dubuffet redefinió con los años la naturaleza de este concepto, el art brut permitió   desde un principio reevaluar obras y artistas que habían quedado tradicionalmente fuera de los márgenes del arte ?oficial?. Este volumen, que recoge la totalidad de las intervenciones del ciclo En torno al Art Brut, celebrado entre los meses de febrero y abril de 2006 en el Círculo de Bellas Artes bajo la dirección de Serge Fauchereau, historiador del arte y comisario, aborda las claves de un movimiento artístico cuyas raíces históricas se remontan a mediados del siglo XX pero que a veces se interpreta en un sentido mucho más amplio. Esta extensión plantea numerosos interrogantes: ¿Hacen art brut los niños, los locos o los místicos? ¿Qué relación hay, por ejemplo, entre Adolf W"lfi, encerrado de por vida en un hospital psiquiátrico, y el minero Lesage, que obedecía a las voces de los espíritus? Los textos recogidos en estas páginas exploran el fenómeno del art brut combinando el debate conceptual, la revisión histórica y el acercamiento detallado a algunas de sus figuras centrales.   El libro incluye artículos de Serge Fauchereau, Dolores Durán Ocar, Joëlle Pijaudier-Cabot, Lucienne Peiry, Guillermo Solana, Juan Manuel Bonet, Josette Rasle, Emmanuel Guigon, Carlos Pérez.      Artículos sobre Art Brut en la revista Minerva

La imagen prohibida

Elogio del caminar (2015)

Presencias reales (2017)

Mística y romanticismo (2016)

Fiscalidad voluntaria y responsabilidad ciudadana (2014)

La alegoría y la migración de los símbolos

Los hijos terribles de la edad moderna (2015)

Bernardino telesio y la nueva imagen de la naturaleza en el renacimiento (2013)

Hhh

Filosofía de la casa (2024)

Vacío y plenitud (2022)

Diccionario de los ismos

El fenómeno del éxtasis

Historia de los grandes cuadros (2010)

Ciudad princesa (2018)

El museo en sí

Mujer o árbol. Mitología y modernidad en el arte y la literatura de nuestro tiempo

Un largo sábado (2016)

Ensayo sobre el gusto (2024)

El círculo de la sabiduría (2018)

La decadencia de la mentira

El territorio interior (2014)

Valores del diseño: La utilidad en el diseño (2008)

En torno al art brut