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La obra de Pier Paolo Pasolini conforma un archipiélago de poesías, relatos, ensayos, intervenciones, films y documentos que invitan a una constante indagación. Para quien quiera emprender un viaje de exploración así pueden ser de ayuda, al menos, un mapa y una brújula.En forma de alfabeto (que su autor entiende como un «instrumento ágil, sintético, esencial»), este libro ofrece conceptos y lemas (un mapa) y orientaciones críticas (una brújula) para entrar en la vasta y compleja producción literaria y cinematográfica pasoliniana. Al intentar trasladar el movimiento característico de esa producción (de una obra a otra, de un género a otro, de una forma expresiva a otra distinta), pone al descubierto un andamiaje que crece con el tiempo, articulado en nociones como «sagrado» o «muerte», en figuras como la del padre o imágenes como el cabello, la rosa, las luciérnagas, el cuervo... Un andamiaje que en su movilidad atraviesa y subvierte cualquier idea preconcebida.

Alfabeto pasolini

Por sus páginas desfilan los principales asuntos de los estudios contemporáneos sobre el lenguaje, la literatura, la imagen y la cultura, enfocados a través de la mirada antropológica. Al explorar una gran diversidad de objetos, desde la autobiografía y los relatos de vida hasta la pintura, la fotografía, el cine o el videoarte, pasando por la teoría del sujeto, la ética de la comunicación o los problemas de la escritura de la historia, el libro dialoga con buena parte de las investigaciones que más honda huella han dejado en el pensamiento de las últimas décadas, y se configura así como un tratado de historia de las ideas.

Anthropos

Editorial Anthropos

Cultura y razon antropologia de la literatura y de la imagen. Antropologia de la literatura y de la imagen

Este libro ofrece una interesante colección de ensayos sobre filosofía de la música escritos por Stephen Davies, uno de los filósofos más prestigiosos en este campo. Davies analiza diversos temas propios de la fi¡losofía de la música: la expresión de emoción en la música y la reacción del oyente a ello, la percepción y comprensión de la música por parte del oyente, intérprete, analista y compositor, la ontología de las obras musicales y la profundidad musical. A lo largo de diferentes capítulos analiza la obra de distintos filósofos de la música, y recurre y reflexiona de forma crítica sobre algunas investigaciones recientes de los psicólogos con respecto a la música.

Cátedra

Teorema. Serie Mayor

Cómo entender una obra musical

España

¿Tiene sentido el trabajo por sí mismo? ¿Qué percibimos cuando escuchamos música? ¿Para qué sirven las bellas artes en tiempos de crisis? En estos textos y conferencias el filósofo Josef Pieper da respuesta a éstas y otras preguntas sobre el arte y la contemplación en el mundo de hoy.

Ediciones Encuentro

Taschen

Sólo quién ama canta

La estética se ha enfrentado con los grandes problemas de la vida individual y colectiva, se ha preguntado por el sentido de la existencia, ha fomentado desafiantes utopías sociales, se ha sentido implicada en los interrogantes propios de la vida cotidiana y también ha individuado sutiles distinciones cognitivas. Asimismo, ha examinado con profundidad temas y cuestiones filosóficas y teológicas de trascendencia histórica, ha indagado sus afinidades y divergencias con la moral y la economía, ha establecido relaciones con las restantes disciplinas filosóficas, con las ciencias humanas e, incluso, con las naturales, como la física y las matemáticas. Además, la estética ha traspasado las fronteras de Occidente, dando lugar a pensadores muy originales, quienes, tras familiarizarse con los métodos de la disciplina, han generado teorías y conceptos que, a su vez, han modernizado el modo de entender sus respectivas tradiciones sin romper por completo con ellas. De este modo, han conseguido sustraerse el colonialismo euroamericano y a la pesada herencia histórica que este arrastra. Finalmente, la globalización ha convertido a la estética en algo más parecido a una filosofía de las culturas que a una reflexión sobre la esencia de lo bello y sobre el arte.

Antonio Machado

Visor

La estética contemporánea

La fértil imaginación de Pasolini se tradujo, al lado de sus películas, en muchos proyectos cinematográficos no filmados. Esta edición reúne los tres que dejó prácticamente dispuestos para su realización antes de ser asesinado.Estructurados como viajes por áreas geográficas y socioculturales muy diversas, su ritmo ágil permite «ver» las películas que el director tenía en la cabeza, al tiempo que brinda una lectura placentera. Como en toda la obra de Pasolini, estos guiones confieren al lector un papel activo a la hora de dar cuerpo a las escenas y lo interpelan para realizar su propia interpretación de los problemas de fondo. Sin presuponer un orden de lectura determinado, es el viaje lo importante, lo que permite comprender.Premio a la traducción por el Ministerio de Asuntos Exteriores y de la Cooperación Internacional de Italia.«Pasolini mira a los ojos, sin pestañear, la miseria y la crueldad..., pero también ensalza lo bueno que hay en cada persona». (Martin Scorsese)«No podemos sino celebrar la publicación deáPier Paolo Pasolini. Los guiones no filmadosáen la edición de Antonio Giménez Merino para Trotta. Un libro que rescata tres guiones además de otros textos aledaños. El cine, pues, como evocación y como promesa». (Damiá Gallardo para Babelia)«Más que simples guiones, se trata de textos literarios autónomos que revelan el pensamiento radical de un autor que mantuvo hasta sus últimos días una mirada incisiva sobre el poder, la cultura y las utopías fallidas». (Preslava Boneva,The Objective)

La Dicha de Enmudecer

Los guiones no filmados

A pesar de que son numerosas las interpretaciones que, a veces con inusitada violencia, se han hecho de la filosofía de Friedrich Nietzsche, no se ha prestado siempre la debida atención a uno de los aspectos más importantes de su obra y sin el cual ésta perdería toda la tensión creativa que le es propia: la reflexión radical sobre el arte. Nietzsche se funda en la convicción de que el «arte y nada más que el arte» no sólo es un «estímulo para la vida», sino también aquello que puede enseñar a vivirla y a que sea posible y soportable. El arte sería así la «actividad metafísica fundamental» del hombre, el epítome de todas sus facultades creativas, desplegadas frente a la «negación de vivir» y a las instancias que merman el sentido de la vida, expresadas en el cristianismo, el budismo y, en definitiva, el nihilismo. El presente ensayo, fruto de años de trabajo e investigación, trata de articular estas ideas para ofrecer una nueva lectura del pensamiento nietzscheano, y es la primera obra en castellano que aborda la cuestión del arte en Nietzsche en todas sus dimensiones y en todas las etapas de su producción filosófica.

Arte y poder

En el siglo XX, pocos pensadores han influido tanto como Gadamer y en campos tan variados como la filosofía, la ética, el arte, la lingüística, la historia o la cultura en general. Menos aún han publicado su primer libro a los sesenta años y lo han visto convertirse en un clásico. Este es el caso singular de Verdad y método (1960), obra que sitúa la hermenéutica en el primer plano de la reflexión y apuesta por el diálogo como el medio privilegiado para el avance de las ideas y de la sociedad. La teoría de la estética y la historia de la filosofía también han recibido una luz nueva desde la hermenéutica. En el primer caso, Gadamer levanta acta de que las más variadas producciones artísticas son en gran medida deudoras del canon de belleza que se tiene en cada época. Y en el segundo, se comprende que el diálogo con figuras como Platón, Hegel y Heidegger permite adentrarse en las cuestiones esenciales y descubrir algunas luces que iluminan los interrogantes perennes de los seres humanos.

Ediciones Sigueme

Sígueme

Hermeneia

Hermeneutica, estética e historia

La mejor explicación de por qué el buen gusto es una trampa aspiracional creada por algunas élites del capitalismo  «Un recorrido sugerente por los conceptos de ?gusto? y ?clase?». Mercedes Cebrián, Babelia ¿Cómo se convirtió el minimalismo en una tendencia decorativa? ¿En qué momento los uniformes obreros empezaron a despacharse como artículos de moda? ¿Puedes ser cool con una camiseta blanca y unos pantalones vaqueros, independientemente de la marca? ¿Qué es, en definitiva, el buen gusto y quién lo define? Apoyándose en la filosofía, la sociología, la estética teórica, citando algunos capítulos de Frasier o Los Soprano, o describiendo los interiorismos de las casas de Donald Trump y Kim Kardashian, la periodista británica Nathalie Olah investiga sobre las superficiales líneas que separan el buen y el Mal gusto. La suya es una crítica mordaz a las élites que operan en la sombra, construyendo ideas dinámicas y excluyentes de lo que está de moda (y lo que no). Y a la importancia capital que le damos al ?estatus' que nos proporciona formar parte de ese selecto grupo de connosieurs. ¿Quién mueve realmente los hilos de este intangible (en las cadenas de ropa de gran consumo, en los despachos de los líderes políticos, en los impecables rostros de las estrellas del cine y en el interior de los restaurantes de postín) y cómo se estetiza y revaloriza la escasez ?otra macabra invención del capitalismo? para crear una falsa jerarquía de la virtud centrada en el consumismo?La crítica ha dicho...«Un libro oportuno, escrito con una prosa ágil, de manera rigurosa y pulgativa. . . Disfruté muchísimo de Mal gusto».Sheena Patel, autora de Soy fan «Olah es una comentarista astuta y ácida».The Guardian «La escrupulosa mirada de Olah es diferente, ya que demuestra que el gusto es algo más que elegir el maximalismo sobre el minimalismo; se utiliza como marcador de moralidad, de clase y de estatus... leer este libro cambiará tu perspectiva, ya que obliga a reconocer la verdad que se esconde tras los matices de nuestra toma de decisiones».The Big Issue «Snobs de la moda, ¡cuidado!».The Times. « Vulnerable y mordaz a la vez, pone al descubierto las formas en que la «guerra cultural» es una guerra de clases soterrada y pretenciosa».Sarah Jaffe, autora de Trabajar «Ha cambiado realmente mi forma de pensar sobre muchas cosas que consideraba cotidianas, triviales y que, sin embargo, están innatamente aceptadas por la cultura Una visión increíblemente lúcida de un mundo confuso».Tom Usher

Mal gusto

El Renacimiento meridional y El gran taller de Italia se publicaron por vez primera en 1965 en la prestigiosa colección «El Universo de las Formas». Los dos textos, que se ocupan del mismo periodo, el final del Quattrocento, fueron concebidos por su autor como un todo, y su publicación supuso una auténtica revolución en el conocimiento que, del Renacimiento del país transalpino, se tenía hasta ese momento. De hecho, en la actualidad siguen considerándose libros de referencia. En los distintos capítulos, André Chastel nos descubre una Italia que se impone a toda Europa como el lugar donde la exigencia artística, llevada a lo más alto, constituye una auténtica voluntad de cultura. Fue, sin duda, el gran taller de Occidente ? o más bien, una multitud de pequeños talleres (las botteghe) repartidos por los grandes focos artísticos (los centros) que eran entonces Urbino, Florencia, Roma..., dominados por personalidades tan excepcionales como las de Lorenzo el Magnífico, Federico da Montefeltro, Lodovico el Moro o el papa Sixto IV. De estos talleres salieron las obras maestras de Piero della Francesca, Botticelli, Bellini, Ghirlandaio, Verrocchio o Leonardo da Vinci, entre otros. Cuadro, fresco, palacio, iglesia, escultura, marquetería, elementos decorativos: los mayores talentos, en competencia, no dejaron de lado ningún género. Y para ofrecer una visión completa y fiel de este rico panorama, Chastel aplica con rigor su métodos de análisis, que marcaron profundamente la disciplina histórico-artística: proximidad al detalle, circunstancias del encargo, textos que alimentaron la inspiración del artista. De este modo, las obras más enigmáticas desvelan su sentido en su extrema complejidad. En la presente edición se han mantenido los cerca de 300 documentos gráficos de la original, acompañados de comentarios inéditos realizados para la ocasión por un equipo de historiadores del arte.

Akal

Akal / Arte y Estética

El renacimiento italiano, 1460-1500

«Marina van Zuylen explora con rara elegancia uno de los temas más ignorados tanto en la vida como en la literatura: las virtudes de todos los que no somos héroes». Daniel MendelsohnLa mayor parte de nuestra existencia transcurre en mitad de una discreta penumbra: acciones y pensamientos que nos dejan solo medianamente satisfechos y que a menudo guardamos para nosotros mismos. Sin embargo, igual que ocurre en las obras de ficción, hay personajes secundarios esenciales, reveladores de sentimientos ordinarios y experiencias banales que constituyen, sin embargo, la esencia misma de nuestra vida interior. Siguiendo los pasos de autores como Marcel Proust, Antón Chéjov o el Samuel Beckett de «Inténtalo de nuevo. Fracasa otra vez. Fracasa mejor», la autora construye un ensayo verdaderamente lúcido, personal e inspirador, en el que al afán de perfección ?que tan a menudo nos ciega y nos extravía? opone el poder de las pequeñas virtudes, invitándonos así a examinar y poner en valor, con una mirada matizada y comprensiva, nuestros defectos y cualidades ocultas.

Elogio de las virtudes minúsculas

Los textos de Nietzsche sobre retórica que se presentan en esta edición permiten completar la imagen de este gran pensador desde una perspectiva nueva. Entre los años 1872 y 1874 Nietzsche trata de rehabilitar la retórica hasta el punto de hacer de ella un paradigma lingüístico y un modelo de estrategia para reconstruir metódicamente el significado del hombre y del mundo. El descubrimiento del valor artístico del lenguaje, su carácter figurativo y trópico, y, sobre todo, su fuerza y poder hacen de la retórica un elemento operativo muy atractivo para llevar a cabo una transformación radical de la filosofía. En estos textos, que no fueron publicados por Nietzsche en vida, se habla de la formación del lenguaje como de un proceso metafórico; de las palabras como tropos; de las oraciones como figuras; de las figuras retóricas de la metafísica como «designaciones impropias». La metaforización del lenguaje es otra forma de afirmar la actividad artística del hombre y su visión estética de la existencia. El instinto metafórico del ser humano crea espacios de libertad para un juego creativo de perspectivas nuevas. Los textos van precedidos de una introducción del autor de la edición en la que se analiza críticamente el valor de la retórica en el pensamiento de Nietzsche.

Clásicos de la Cultura

Escritos sobre retórica

Con sabiduría y amenidad, Rüdiger Safranski traza en esta obra la biografía del Romanticismo ?ese excepcional movimiento que eclosionó en el paso del siglo xviii al xix? a través del retrato y del análisis de autores como Herder, Fichte, Schelling, Hoffmann o Schiller. A continuación explora la continuidad y pervivencia hasta la actualidad de «lo romántico». Safranski nos descubre que si el movimiento romántico nos sigue fascinando en la actualidad es porque sus autores ya intuyeron las tensiones a las que hoy debemos enfrentarnos: el imperio de la técnica y la nostalgia del retorno a la naturaleza, la desdivinización del mundo y la ironía como consuelo ante el dolor de la existencia.

Tusquets

Tusquets Editorial

Tiempo De Memoria

Romanticismo

Tres enfoques distintos confluyen en este libro: historia y psicología del arte (Sir Ernst Gombrich), psicología (Julian Hochberg) y filosofía (Max Black). Estos tres distinguidos autores examinan en los tres ensayos recogidos en este volumen el problema de las percepciones de las imágenes y, en particular, de la pintura y la fotografía. Tal confrontación de ideas es ciertamente inédita en la bibliografía en lengua castellana sobre la imagen. Fundándose en experiencias sustancialmente diferentes, los tres ensayos solicitan la reflexión y la profundización de temas ya de por sí sugerentes: el tiempo, la verosimilitud, la escena espacial y otros conceptos, como los de empatía, capacidad de información de la imagen y niveles de atención. De un modo particular, el intercambio de opiniones entre Gombrich y Hochberg abre un debate rico en consecuencias de permanente interés entre especialistas. Al mismo tiempo, las constantes referencias al plano cognitivo de la imagen abren nuevas posibilidades para la investigación de la imagen a partir de la pragmática moderna.

Ediciones Paidós

Paidós

Arte, percepción y realidad

¿Qué son los Estudios visuales? Surgidos en torno al cambio de milenio como un entrecruce de disciplinas ?la Historia del arte, la Estética, la Teoría fílmica, los Estudios culturales, la Teoría de los medios, la Cultura visual, los Estudios poscoloniales y de género ??, responden a la necesidad de analizar un ámbito de importancia creciente en las sociedades contemporáneas: el de la visualidad, en el que intentan dar cuenta, sin restricciones disciplinares, de los procesos de producción de significado cultural que tienen su origen en la circulación pública de las imágenes. Podríamos, así, describirlos como aquellos estudios que tratan de «la vida social de las imágenes», analizando los procesos de la construcción cultural de la visualidad. Los ensayos reunidos en este volumen constituyen un conjunto trabado de reflexiones tanto sobre el origen y la constitución del campo de los Estudios visuales, como sobre sus desarrollos y aplicaciones al estudio de las políticas identitarias condicionadas por las prácticas de producción de visualidad, en el marco de la globalización. Con aportaciones de algunos de los más reconocidos autores en este ámbito emergente de estudios ?Susan Buck-Morss, Nicholas Mirzoeff, Keith Moxey o W. J. T Mitchell entre ellos?, ofrecen una muy completa introducción al tipo de problemas tratados por los Estudios visuales y una puesta a prueba efectiva de sus potenciales críticos.

Estudios Visuales

Estudios visuales

«Eupalinos o el arquitecto» y «El alma y la danza» son dos de los más conocidos diálogos de Paul Valéry (1871-1945). La arquitectura, la música y la danza son los temas explícitos que el poeta aborda con el máximo rigor y la más intensa belleza. Ahora bien, tal como en él es habitual, las relaciones entre el arte y la naturaleza, entre la creación y el desarrollo natural, la articulación entre el pensamiento y la acción..., «interrumpen» en su reflexión para configurar una verdadera imagen estética del mundo.

Antonio Machado Libros

Eupalinos o el arquitecto, el alma y la danza

O lo uno o lo otro (1843) es la primera obra publicada por Sóren Kierkegaard, en la que comenzó a trabajar casi inmediatamente después de la lectura de sus tesis Sobre el concepto de ironía. Escrito de compleja estructura textual y, en muchos sentidos, el más excelso de todos los suyos, fue fruto de una intensa dedicación de dieciséis meses, si bien la primera elaboración de algunos de sus materiales se remonta a años atrás. Bajo el pseudónimo de Victor Eremita, presunto responsable de la edición, la aparición del libro señalará para Kierkegaard el inicio de su carrera como escritor en sentido estricto. Dicha carrera comienza pues con la disyunción existencial indicada en el título de la obra: la oposición entre lo estético («aquello que un hombre inmediatamente es») y lo ético («aquello a través de lo cual un hombre llega a ser lo que llega a ser»). A los tratados estéticos que componían la Primera Parte se añaden ahora en esta Segunda, en estrecha vinculación dialéctica con aquéllos, los tratados éticos, en forma de tres cartas dirigidas al autor de los escritos estéticos: «La validez estética del matrimonio», «El equilibrio entre lo estético y lo ético en la formación de la personalidad» y «Ultimátum». Se ofrece así por primera vez al lector hispanohablante la traducción del danés, íntegra y anotada, de los dos volúmenes de esta obra.

Estructuras y Procesos - Filosofía

O lo uno o lo otro. Un fragmento de vida II

«Etapas en el camino de la vida» («Stadier paa Livets Vei») es una de las obras fundamentales de Søren Kierkegaard y una de las más extensas y de composición literaria más elaborada. Sus tres partes («In vino veritas», «Consideraciones sobre el matrimonio» y «¿Culpable o inocente?») presentan un sentido unitario, pero, a la vez, el vínculo entre ellas es intrincado y equívoco. Por un lado, la obra brinda una visión completa sobre el modo en el que Kierkegaard entiende la existencia humana en sus tres esferas: la estética, la ética y la religiosa. Sin embargo, ni los personajes que las representan son planos, ni la relación entre las esferas se plantea como una progresión lineal. El lector está ante un libro laberíntico en el que las ambigüedades y las aparentes (o verdaderas) incoherencias no siempre se resuelven.Se ha afirmado con frecuencia que Kierkegaard proyectó su vida en su obra más que ningún otro filósofo. «Etapas en el camino de la vida» es un claro ejemplo de esto, pues no son pocos los ecos procedentes de su propia biografía: su fallida única relación sentimental, la complicada relación con su padre, la melancolía que le acompañó durante toda su vida, incluso sus problemas para relacionarse con los demás (especialmente con las mujeres) o la descripción de su frágil aspecto físico. Pero acaso el aspecto más destacado de la obra sea la reunión de seudónimos que se dan cita en ella cual elenco de actores: diferentes voces y perspectivas que conforman una compleja obra coral.

Escritos 6 etapas en el camino de la vida

Friedrich Nietzsche, filólogo de formación y solo póstumamente recibido en el gremio filosófico, fue también poeta. Escribió poesía durante toda su vida, quizá para conjurar una soledad cada vez mayor, en un intento de recrear sus reflexiones y enseñanzas y dotarles de vida, de cuerpo, de voz. Pero Nietzsche fue poeta ante todo al hacer del estilo arma y seña, punzón de su pensamiento. Señaló al poeta, junto con el sacerdote y el guerrero, como «ser respetable» por no estar hecho para ejercer una función, «eso que se llama profesiones». Es poeta», de forma eminente, aquel que incorpora la voluntad creadora, la «poiesis» como poder creativo y afirmación incondicional de la vida; aquel en quien la naturaleza retórica del lenguaje se expresa en forma de mentira consciente, de artificio; aquel que asume en su escritura que «el estilo debe 'vivir'». Poder «mágico» y «sanador» de la palabra poética que encarna la transmutación de todos los valores. Los trabajos reunidos en este volumen son incursiones en ese poetizar intempestivo tal como se plasma en el Nietzsche filósofo, filólogo, poeta e, incluso, compositor de «Lieder». Son estudios de su pensamiento, en especial en su relación con la «época trágica de los griegos», el romanticismo o el decadentismo decimonónico, pero también de su recepción en el contexto de la poesía española. Sobre todo, quieren enseñar a «leer bien», atendiendo al «dictum» del propio Nietzsche: «Pacientes amigos míos, este libro no aspira a otra cosa que a tener lectores perfectos y filólogos. ¡'Aprended', pues, a leerme bien!».

Friedrich nietzsche poeta

Ver una imagen ¿puede ayudarnos a conocer mejor nuestra historia?  En agosto de 1944, los miembros del Sonderkommando de Auschwitz-Birkenau lograron fotografiar clandestinamente los métodos de exterminio utilizados en el lugar donde ellos mismos se encontraban prisioneros. Nos quedan cuatro fotografías de aquellos momentos. Y este libro intenta analizarlas preguntándose por las condiciones en que determinadas fuentes visuales pueden ser utilizadas por la disciplina histórica. Igualmente, el autor propone una crítica filosófica de lo inimaginable, pero también de lo que, pese a todo, podemos imaginar al respecto. Se trata de comprender, así, lo que significa ese pese a todo en este contexto.  El objetivo es descubrir que las imágenes pueden desvelar lo real, por lo menos de alguna forma, y sustraerse así a los peligros del fetichismo. Para explicar todo esto el autor se refiere a películas como Shoah, de Claude Lanzmann, o Histoire(s) du cinéma, de Jean-Luc Godard; a la noción de la ?redención de la imagen? según Walter Benjamin y Siegfried Kracauer; y al lugar de la imaginación en la cuestión ética en la obra de Hannah Arendt. Y, en fin, se reinterpreta nuestro actual malestar cultural desde la perspectiva de la imagen en la época de la imaginación desgarrada.

Paidos

Imágenes pese a todo

La reflexión filosófica moderna en torno a lo trágico parte de una paradoja pues, en efecto, presupone una toma de distancia de todo lo que parece constituir su objeto específico de estudio: la tragedia. Hay que señalar que una reflexión sobre lo trágico no es lo mismo que una reflexión sobre la tragedia y esta precisión debe orientar también al lector de nuestra obra. La confrontación de estas dos líneas de reflexión se convierte, de esta manera, en una confrontación de dos épocas y de dos culturas: la época y la cultura modernas han elaborado lo trágico como idea filosófica, mientras que a la época y la cultura antiguas (que incluso podríamos denominar de forma más genérica «premodernas») se debe la elaboración de la tragedia como género literario. Esta distinción representa un punto de partida fundamental cuando se quiere afrontar el problema de la sistematización de las ideas sobre lo trágico y sobre la tragedia.

Lo trágico

La Filosofía del arte de Schelling es un clásico dentro de la historia de la filosofía, porque contiene la sistematización más completa de la estética romántico-idealista. Desde su publicación siempre ha estado en el centro de la discusión filosófica sobre el arte, especialmente en el siglo XX. Como paradigma de una concepción que ve en la realidad la expresión de lo absoluto y en la filosofía la representación ideal y subjetiva del mundo estético, esta obra presenta una construcción metafísica del arte en general ùcuya materia es la mitologíaù, así como de los diferentes estilos y formas particulares. De esta manera, la perspectiva del arte abarca todo el universo, permitiendo establecer un paralelismo entre las formas artísticas y los procesos naturales, y ofreciendo una explicación para la evolución histórica de la cultura, cifrada en el contraste entre lo antiguo y lo moderno.

Filosofía del arte

Dos ensayos del que fuera un crítico literario visionario, además de un genial dramaturgo y cuentista.Oscar Wilde fue también un crítico literario visionario. Defendió la crítica como una disciplina independiente de la literatura y enfatizó el rol esencial de ésta en el proceso creativo.En este volumen incluimos dos de sus más importantes ensayos, que se publicaron en el volumen Intenciones en mayo de 1891. En El crítico como artista Gilbert y Ernest conversan sobre la distinción entre el arte y la crítica. Para Wilde, la creación artística sólo puede proceder de un espíritu crítico. La decadencia de la mentira presenta, también en forma de diálogo socrático, a los personajes Vivian y Cyril que, extravagantes y divertidos, debaten sobre el valor del arte, defendiendo el esteticismo y el «arte por el arte».

El critico como artista la decadencia de la mentira

Las obras de madurez de Hans Blumenberg fueron precedidas por diversos trabajos en los que se fue gestando su proyecto de una metaforología, en torno a la legitimidad de las metáforas en el lenguaje filosófico. A esta fase inicial pertenecen las conferencias y ensayos que consagró a la literatura, como los artículos publicados en la revista Hochland durante la década de los años cincuenta. Estos textos, desatendidos por los especialistas, tuvieron sin embargo una importancia decisiva en la formación de algunos de los argumentos más recurrentes de su pensamiento. Son previos a la fundación, en 1963, de Poética y Hermenéutica, y justifican el interés de Blumenberg en participar en este grupo de investigación constituido por destacados filólogosy teóricos de la literatura. Los escritos reunidos por primera vez en este volumen exploran temas como el nihilismo en la literatura, la posibilidad de la novela o la ambigüedad del objeto estético. Pero ofrecen, además, una estimulante y penetrante lectura de algunos de los mayores novelistas y poetas contemporáneos: Franz Kafka, Evelyn Waugh, Ernest Hemingway, Thomas S. Eliot y William Faulkner. Por otra parte, arrojan luz sobre la cultura europea de posguerra y el llamativo silencio de Blumenberg con respecto a su propio tiempo. Precisamente en estos ensayos se hallan algunas de las escasas referenciasy alusiones que hiciera el filósofo a asuntos políticos y de actualidad.

Editorial Trotta

Literatura, estética y nihilismo

Alfabeto pasolini (2023)

Cultura y razon antropologia de la literatura y de la imagen. Antropologia de la literatura y de la imagen

Cómo entender una obra musical (2017)

Sólo quién ama canta (2015)

La estética contemporánea (2016)

Los guiones no filmados (2025)

Arte y poder

Hermeneutica, estética e historia (2013)

Mal gusto (2025)

El renacimiento italiano, 1460-1500

Elogio de las virtudes minúsculas (2025)

Escritos sobre retórica

Romanticismo (2018)

Arte, percepción y realidad (2007)

Estudios visuales (2005)

Eupalinos o el arquitecto, el alma y la danza

O lo uno o lo otro. Un fragmento de vida II

Escritos 6 etapas en el camino de la vida (2023)

Friedrich nietzsche poeta (2022)

Imágenes pese a todo (2004)

Lo trágico (2015)

Filosofía del arte (2006)

El critico como artista la decadencia de la mentira (2025)

Literatura, estética y nihilismo (2016)