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El libro más conocido y emblemático de Arnold Hauser, se reedita cuare nta y cinco años después de su aparición.Arnold Hauser (Budapest 189 2-1978), historiador de arte húngaro. En 1924 fundó en Viena, junto a von Max Dvorak, la Escuela de Viena para estudios histórico-artísticos . En 1938 emigró al Reino Unido, huyendo de los nazis. Su obra capital es Historia social de la literatura y el arte (1957), en la que, infl uido por el marxismo, vincula la producción artística a las diversas s ituaciones sociales. Es también autor de El manierismo (1965) y Sociol ogía del arte (1975).Historia social de la literatura y el arte, el libro más conocido y emblemático de Arnold Hauser, se reedita cuarenta y cinco años después de su aparición. En la introducción a esta edic ión, que respeta la forma en que el libro se publicó originalmente, si n acompañamiento de ilustraciones, Valeriano Bozal nos propone fijar l a atención en el magnífico intento de Hauser por comprender el present e a través de la investigación histórica. En pro de semejante comprens ión, algunas de las hipótesis propuestas pueden prender en el lector, al punto de imponerse a su juicio por la lógica y la brillantez, por l a convicción, por la capacidad de sugerir y evocar más que por la veri ficación, por su forma de vincular grandes acontecimientos, obras y au tores muy concretos en el marco socioeconómico de su tiempo, por su ca pacidad de generalización y por su compromiso con la exigencia de mant ener la relación entre la literatura y las artes plásticas

Ensayo (Debolsillo)

Historia social de la literatura y el arte II

En este libro concebido para el público general aficionado al arte y al estudiante que da sus primeros pasos en la materia, Dana Arnold proporciona un conocimiento básico sobre los aspectos fundamentales de la cultura visual. La obra aporta asimismo un análisis claro y conciso sobre los debates que existen dentro de la disciplina y permite al lector equiparse con las herramientas básicas necesarias para su estudio, cubriendo cronológica y temáticamente una gran variedad de cuestiones relacionadas con ella. Con todo, el principal objetivo de estas páginas es expresar lo mucho que podemos aprender del arte, así como sugerir diversas vías para disfrutarlo cuando lo miramos o pensamos acerca de él, y también cuando comprendemos su relación con nosotros mismos.

El Libro De Bolsillo

Historia del arte: Una introducción

La pintura no surge en un mundo aislado. Está siempre en consonancia con los movimientos sociales e intelectuales de su época y forma parte de su pensamiento. Se trata de una relación de doble sentido: los artistas se impregnan del espíritu de su tiempo, que sin embargo transforman y enriquecen. En el siglo xviii, el movimiento de la Ilustración cambiará radicalmente el orden social. El resultado es la modernidad. La pintura de la Ilustración coloca al ser humano en el centro de la representación. Se niega a representar a superhombres (dioses, personajes mitológicos y héroes legendarios) y se centra en personajes corrientes dedicándose a sus actividades cotidianas. La pintura de género excluye la pintura histórica. Pone en escena la humanidad en toda su variedad, hombres y mujeres, niños y ancianos, ricos y pobres, personas de todas las profesiones, incluidas las que se encuentran en los márgenes de la sociedad, como los locos, los delincuentes y las prostitutas. Representa todas las facetas de la vida humana, las múltiples formas del amor, pero también la violencia, la alegría y la desesperación, las actividades religiosas y políticas. Personas, objetos y acciones se muestran ahora por lo que son, no por lo que significan. Esta pintura no representa ni lo puramente real, ni la belleza ideal. Aspira a captar la verdad del mundo. La presente obra, ilustrada con un centenar de cuadros en color, dibujos y grabados, analiza la pintura de la Ilustración en dos series de capítulos. Parte de ellos están dedicados a cuatro grandes pintores europeos: Antoine Watteau, Alessandro Magnasco, William Hogarth y Francisco Goya. Los demás abordan diversos temas sugerentes: personajes situados en los márgenes de la vida social (niños, mendigos y extranjeros), actividades que ilustran los márgenes de la mente (fantasmagorías, erotismo y disfraces) y también determinados géneros menores de la pintura, como el retrato,el paisaje y la naturaleza muerta.

Galaxia Gutenberg

Círculo De Lectores

La pintura de la ilustración

La museología y la museografía son dos disciplinas que han calado hondo en la cultura de finales del siglo XX y principios del XXI. Sin embargo, los postulados teóricos están constreñidos por la compleja estructura de las instituciones museísticas, en las que todavía existe una gran confusión sobre cuáles son las funciones y el código deontológico de sus profesionales. Este problema afecta directamente a nuestro patrimonio artístico, en especial al contemporáneo, ya que este carece aún de la suficiente reflexión teórica que otorga el paso del tiempo, y en particular a aquellos materiales complejos que el museo aún no ha asimilado, como el vídeo y el cine. Las necesidades actuales de las instituciones museísticas exigen acortar los calendarios, aumentar el número de obras, atraer a más visitantes, optimizar los depósitos y un largo etcétera que obliga a cuestionarse si su coste económico y material es el adecuado. Por otra parte, ¿pueden los recursos humanos disponibles asumir ese volumen de trabajo? ¿Puede nuestro patrimonio clásico y contemporáneo soportar el estrés de una gestión tan ambiciosa? Estas son algunas de las preguntas que el presente ensayo pretende responder de la forma más honesta y realista posible, y que requieren del lector una reflexión previa sobre el statu quo del escenario profesional, sus dogmas y clanes para así poder abordar el límite del ejercicio profesional, aquel en el que se produce el conflicto y en el que el patrimonio contemporáneo corre peligro de daño.

Trea Ediciones

Museología y conservación de arte contemporáneo: Un conflicto de intereses

En nuestro siglo, las formas creativas y expresivas del dibujo se han multiplicado significativamente. La ilustración, el diseño, la gráfica descriptiva, el sketching, etc. parecen haber redescu¬bierto el dibujo, no solo como modo de representación, sino también como modo de acción, de acceso y relación con nuevas realidades. Los nuevos contextos de la ilustración gráfica, que vienen a ampliar aquellos en los que esta cumplía funciones editoriales, ornamentales, testimoniales, educativas, etcétera, se han vuelto especialmente noto¬rios dentro de las artes visuales; el diseño gráfico, el diseño industrial, de espacios, moda y arquitectura han rehabilitado el dibujo conce¬diéndole valor de relato, y volviendo así a proclamarse como arti del disegno; por su parte, dentro de los discursos del arte contemporáneo, el arte gráfico ha encontrado un espacio mucho más amplio, dejando atrás su tradicional estatuto de inconclusión o incompletitud. Todos estos desarrollos suponen modos de imbricación entre lo que podemos llamar dibujo-trayecto y dibujo-proyecto en tanto que ponen en rela¬ción las ideas que solo toman forma en la línea y desde la línea, y las ideas que se formalizan mediante la línea, el punto o el plano. En toda esta expansión de las formas y medios del dibujo las crea¬doras juegan un papel determinante. Existe cierta sincronía, cierta conexión lógica y efectiva entre esta emancipación del dibujo y la socialización de una nueva conciencia feminista, auténtico huma¬nismo de nuestro siglo. La autarquía del dibujo está necesariamente motivada por una liberación y transvaloración del acto mismo de dibujar, del gesto, de la acción y del cuerpo, y no solo por modifica¬ciones en las condiciones del medio (editorial, artístico, etcétera).

Visor Distribuciones

El trazo abierto. Mujeres creadoras y dibujo expandido

Nadie que haya visto la impresionante tumba del nadador en Paestum, cerca de Nápoles, ha podido escapar a su influjo.Descubierta en 1968, sus frescos son el único ejemplo que se conserva de la gran pintura de los inicios del arte griego clásico. La imagen del efebo en una elegante cabecera ha planteado grandes rompecabezas a los investigadores: ¿cuál es el significado del motivo de la vida que brota en una tumba?á Tonio Hölscher descifra el significado múltiple de esta obra de arte singular y, con una amplia visión histórica, presenta aspectos centrales de la antigüedad griega: la cultura de la juventud y su papel para la sociedad, el erotismo como fuerza aglutinante de las comunidades humanas, la importancia del cuerpo atlético y la bella apariencia en la vida social, los conceptos de los espacios vitales del mar y la naturaleza libre como contramundo de la alta cultura de la vida urbana.

Editorial Critica

Critica

El nadador de paestum

Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610) se movió siempre entre polos opuestos. El chico malo del barroco italiano fue una figura al mismo tiempo admirada y controvertida, un artista revolucionario de temperamento violento y técnica precisa, un maestro, un prófugo.Aunque célebre por su vibrante uso del color, de la luz y de las sombras, Caravaggio pasará a los anales de la historia del arte por el rompedor naturalismo que imprimía a sus obras y sus radicales innovaciones pictóricas. De las sucias plantas de los pies a la languidez sensual de la carne desnuda, el artista infundió una asombrosa, a menudo visceral, humanidad incluso a escenas bíblicas y sagradas. A este expresivo universo creativo hay que sumarle una biografía personal intensa, dominada por la adicción al juego, las deudas, las trifulcas de borrachos e incluso un cargo de asesinato.Este libro reúne las obras más famosas y revolucionarias de Caravaggio, que explican por qué este artista es actualmente considerado uno de los más importantes del barroco temprano y cuál ha sido su relevancia en la historia del arte. Sin su trabajo otros autores como Ribera, Vermeer, Rembrandt, Delacroix, Courbet y Manet nunca hubieran pintado como lo hicieron.

Caravaggio

Las fotografías tienen una forma extraña y potente de modelar el modo en que vemos el mundo. Las imágenes con más éxito se han incorporado a nuestra conciencia colectiva, definiendo épocas, haciendo historia o simplemente captando un detalle tan humano y universal que se han convertido en iconos planetarios. Para estudiar esta influencia única, Photo Icons analiza los hitos más importantes de la historia de la fotografía.Desde las primeras imágenes, como la fotografía con una exposición de ocho horas desde un tejado tomada por Nicéphore Niépce en 1827 o la famosa escena callejera de Louis Daguerre de 1838, hasta la obra de Martin Parr, este volumen es una historia de la disciplina y, a su vez, un análisis del impacto social, histórico y artístico de cada obra en particular. Incluimos las instantáneas surrealistas experimentales de la década de 1920 y el crudo fotorrealismo de la década de 1930, entre ellas, la Madre emigrante, de Dorothea Lange.Contemplamos a figuras poderosas (Che Guevara) y otras que rompen corazones (Marilyn Monroe), así como un amplio espectro de emociones y experiencias humanas de las que la fotografía es testimonio vívido: desde la eufórica imagen de El beso del Hôtel de Ville, de Robert Doisneau (1950), al horror de Napalm contra civiles, de Nick Ut, que muestra a una niña de nueve años, Phan Thi Kim Phúc, corriendo desnuda hacia la cámara en su huida de un bombardeo con napalm.

Bibliotheca Universalis

Fotografías míticas

Disfrute página tras página de la brillantez gráfica de Miguel Ángel. De estructuras arquitectónicas a figuras anatómicamente perfectas, esta nueva edición combina algunos de los mejores dibujos del artista con sus propias notas y comentarios y ofrece un emocionante acercamiento al proceso creativo del genio.

Miguel ángel. Obra gráfica

Exposiciones taquilleras, subastas astronómicas, museos abarrotados... El impresionismo sigue siendo firme candidato al título de período pictórico favorito en todo el mundo. Este libro cubre las innovaciones clave del movimiento y sus artistas pioneros, incluidos algunos profesionales injustamente olvidados como Berthe Morisot, Lucien Pissarro y Gustave Caillebotte.

Impresionismo

Los dibujos de uno de los mayores genios de la historia del arte, desde estudios anatómicos y retratos de niños rollizos a complejos proyectos de ingeniería y planos arquitectónicos. Esta edición de Bibliotheca Universalis presenta más de 600 de los magistrales dibujos de Leonardo da Vinci.

Editorial Taschen

Leonardo. Todos los dibujos

En este viaje a través del diseño de iluminación del siglo XX encontrará 1000 ideas brillantes. Presentado cronológicamente década a década, descubrirá las luces eléctricas más interesantes, desde los hermosos tonos de vidrio emplomado de Tiffany hasta los extravagantes diseños de la década de 1960 y las últimas lámparas LED de alta tecnología.??una esclarecedora enciclopedia de la iluminación?.? Metropolitan Home

1000 Lights

Podría resultar paradójico que quien en 1996 se pronunció "contra el arte latinoamericano" agrupe ahora en este libro algunos de sus escritos sobre el arte en la región. No es así: la obra de Gerardo Mosquera ha contribuido a superar una noción totalizadora y reductora no solo del arte creado en América Latina, sino del continente mismo. Lo prueban los ensayos reunidos en este volumen, buena parte de los cuales no habían aparecido en castellano, que muestran a un pensador que no se resigna al arte con apellidos y trabaja inmerso en los procesos y eventos de la cultura contemporánea. El libro sobrepasa el ámbito latinoamericano para discutir problemas globales. Nikos Papastergiadis ha señalado que una de las lecciones que nos ofrece es la de "modificar el papel del artista en la periferia: pasar del que imita lo dominante para acceder a lo universal, al que produce contenido universal a nivel local. Por tanto, ofrece una metodología distintiva". Es el nuevo paradigma del "desde aquí", defendido por el autor: los contextos son ahora actuados más que mostrados.

Catedra

Arte desde américa latina

El patrimonio cultural constituye uno de los ámbitos científicos más complejos de abordar, ya que, además de la diversidad de bienes que lo conforman, confluyen en torno a él numerosos intereses y efectos de tipo social, político, ideológico, económico, urbanístico, etc. Esta multidimensionalidad del patrimonio cultural ha propiciado que toda clase de agentes, disciplinas y colectivos se acerquen a él para extraer del mismo aquellos objetivos o beneficios que consideran legítimos a sus particulares intereses. Este hecho está dando lugar en la actualidad al desarrollo de una serie de tendencias que pueden ser muy peligrosas para el patrimonio cultural, para el mantenimiento y la sostenibilidad de un adecuado sistema de reconocimiento y tutela del mismo. Tendencias como las relacionadas con la utilización de la memoria y la identidad como referentes para la patrimonialización de un bien, la expansión incontrolada del patrimonio cultural inmaterial, la suplantación de la tutela por la gestión, la simplista apelación a la participación ciudadana, la desconsideración de los procesos formales de declaración de bienes, y las implicaciones jurídicas que ellos implican, especialmente en los de carácter paisajístico.Para poder transitar correctamente por este desconcierto patrimonial el autor nos induce a acudir a la seguridad de los límites de la ciencia (y la de sus profesionales), que otorga, en este caso, los principios y fundamentos de la disciplina de la tutela del patrimonio cultural, haciendo valer así el armazón científico construido a lo largo de siglos con el objetivo de disponer de un instrumento poderoso, universal, democrático, legítimo, justo, solidario, inclusivo... para defender uno de los más preciados (y apreciados) tesoros de la humanidad, su propia historia, su propia existencia. Evitar dilapidar este excepcional y universal logro es el objetivo de esta publicación.

Cátedra

Los limites del patrimonio cultural

El diseño se ha convertido en una herramienta indispensable para la sociedad industrial. Es una de las fuentes creadoras de la cultura contemporánea que, hoy en día, requiere con más insistencia una argumentación teórica que facilite la comprensión de su actividad y de sus productos. &quot; Breviario de diseño industrial: función, estética y gusto &quot; arranca con una reflexión sobre la noción de diseño y la permeabilidad de sus fronteras con otros territorios de creación colindantes, para continuar con el estudio de las dimensiones funcional, simbólica, emocional y formal de los productos industriales. El libro se detiene especialmente en el uso que el diseño hace, o puede hacer, de las categorías estéticas: la belleza y la gracia, la fealdad y sus aledaños, o las variedades del humor; y en los tipos de gusto que el ser humano manifiesta ante los objetos que le rodean. La elegancia, su antítesis del kitsch y los estratos intermedios del gusto aparecen contemplados siempre en relación con el mundo objetual en un texto que, en su último capítulo, no elude abordar las encrucijadas y los desafíos a los que se enfrenta el diseño en la actualidad.

Ediciones Catedra S.a.

Breviario de diseño industrial

Un repaso exhaustivo, hito a hito, de un movimiento artístico rompedor  Según muchos historiadores del arte, la aventura del arte moderno surgió en la década de 1870 en París, cuando un grupo de artistas, los impresionistas, empezaron a pintar con pinceladas rápidas e imprecisas. En vez de ampulosas escenas heroicas, retrataban la vida cotidiana y huían de la influencia del círculo tradicional de galeristas organizando sus propias exposiciones.   Una vez superados los principios academicistas, nada les podía detener. En un constante deseo de desafiar, innovar e inspirar, los nuevos estilos artísticos se fueron sucediendo: simbolismo, expresionismo, futurismo, dadaísmo, arte abstracto, realismo renovado, surrealismo, expresionismo abstracto, pop art, arte minimalista y arte conceptual.   Este compendio imprescindible ilustra la energía incontenible del arte moderno (desde 1870 a 2000) a través del análisis introductorio y la enumeración, año a año, de las más revolucionarias obras de arte, aquellas que, rompiendo barreras, pusieron en jaque a los cánones establecidos. Con descripciones detalladas de las obras y sus artistas y reseñas sobre los movimientos más relevantes e influyentes.

Arte moderno

Diego Rivera (1886-1957) es una figura de peso en el escenario histórico del arte. Con firmes principios políticos y una turbulenta historia de amor, fue al mismo tiempo esposo y paladín de Frida Kahlo, defensor y enemigo de la Unión Soviética de Stalin, y libertador y traidor de León Trotsky.Las pinturas de Rivera, de vivos colores, gráficas y a menudo monumentales, tienen la misma carga apasionada y política que la biografía personal del autor. Fusionando influencias europeas, como el cubismo, con una ideología socialista y una exaltación del legado popular e indígena de México, creó una nueva iconografía para la historia del arte y para su país. Se convirtió en una de las figuras más importantes del movimiento mural mexicano y se ganó el reconocimiento internacional por sus pinturas murales en edificios públicos en las que presentaba una visión utópica, aunque accesible, de un México posrevolucionario. En 1931, Rivera fue el protagonista de la segunda exposición monográfica de la historia del MoMA.Este libro estudia la combinación única de influencias e ideologías que convierte a Rivera en un pintor único y universal, ligado a la historia especialmente turbulenta del México de principios del siglo XX, y preocupado, a su vez, por temas como la revolución y la desigualdad de clases, que siguen siendo candentes en la actualidad.

Rivera

Marcos Martín Blanco y Elena Rueda empiezan a adquirir arte en 1979 de la mano de Gerardo Rueda. En la actualidad, su colección reúne más de 800 obras e incluye piezas importantes de los mejores artistas contemporáneos. A partir de 1990, amplían su acción en el mercado internacional y la colección se especializa en la nueva figuración europea y americana. Comienzan a introducir piezas de artistas capitales del arte contemporáneo: Eric Fischl, Francesco Clemente, David Salle, Cindy Sherman, Thomas Ruff?  La colección reúne más de 180 autores, como Miquel Barceló, José María Sicilia, Antoni Tàpies, Manuel Hernández Mompó, Pablo Palazuelo, Luis Gordillo, Andrés Zóbel o Soledad Sevilla, entre los autores españoles, y Andy Warhol, Sol LeWitt, Albert Oehlen, Jean-Michel Basquiat, David Salle o Julian Schnabel, entre los internacionales.  La colección fue galardonada en 2004 con el Premio al Coleccionismo de la feria de arte ARCO.

Colección mer

Las miradas cruzadas de seis de los mejores autores europeos de cómic sobre la obra metafísica y surrealista de Magritte instruyen al lector mientras le ofrecen puntos de vista innovadores sobre esta pintura única.Una lectura compleja y lúdica de quien dijo de su trabajo: "Mi pintura no tiene ningún interés real, excepto para aquellos que viven en el presente. En el futuro, solo tendrá un valor histórico". Este libro es una forma de reactivar el poder de reflexión de este artista inclasificable.

René magritte

?Jazzamoart la soledad del pintor? es una monografía del artista que a lo largo de las páginas presenta una extensa y detallada selección de su obra.   El libro, que abarca la totalidad de su carrera, reúne un cuerpo de obra numeroso y una serie de textos críticos escritos por: Julio Patán, Kim Levin, Graciela Kartofel, Evodio Escalante, Manuel Marín, Jorge F. Hernández y Rafael Pérez y Pérez.  Se completa la monografía con una biografía, cronología o línea de tiempo y una lista de obras. El libro también incluye fotografías de Jazzamoart en acción tanto en el ejercicio de la pintura como personales.   Con un diseño exclusivo del destacado diseñador mexicano Alejandro Magallanes.   Edición bilingüe de español-inglés en paralelo.

Jazzamoart

John Singer Sargent es considerado el mejor retratista de su época debido a su elegancia, su habilidad técnica para dibujar con el pincel y su talento para captar los detalles distintivos de sus modelos. Este libro ofrece al público un conocimiento estrecho de la obra del pintor a través de una selección de un centenar de sus pinturas más representativas.

Sargent. Obras maestras

En este diccionario, Juan Manuel Bonet, escritor y crítico de arte,  reúne el fruto de muchos años de investigaciones en torno al fascinante  mundo de las vanguardias españolas. Las artes plásticas, la  arquitectura, la fotografía, la poesía, la novela, el teatro, el  ensayo, el diseño gráfico, la música, la danza y el cine. Ningún campo  queda fuera de esta obra en la que se subrayan las conexiones más  inesperadas, y en la que junto a las figuras mayores (Picasso, Juan  Gris, Julio González, Torres García, Miró, Dalí, Ramón Gómez de la  Serna, Lorca, Buñuel, Josep Lluis Sert, Mompou...) desfila una multitud  de personajes menos conocidos, algunos de ellos extremadamente  atractivos. Quien quiera conocer el pulso moderno de los años diez,  veinte y treinta españoles debe acudir a estas páginas, en las que se  encontrará lo mismo con los pintores del realismo mágico madrileño que  con los arquitectos del GATEPAC, los poetas ultraístas sevillanos o los  humoristas de Hollywood; lo mismo con los surrealistas canarios o los  compositores influenciados por Sch"nberg o por Satie que con los  fotógrafos de las Misiones Pedagógicas o los decoradores de La Barraca;  con La Gaceta Literaria lo mismo que con Nós, los comunistas de  Octubre, los falangistas donostiarras de GU o los liberales  orteguianos, los socialistas o los anarquistas. Tampoco falta una  amplia representación de los extranjeros que aquí trabajaron: rusos de  los ballets, cubistas y dadaístas franceses, formistas polacos, poetas  argentinos o peruanos, pintores uruguayos, fotógrafos alemanes, espías  en Mallorca, veraneantes en Ibiza... Un libro, en definitiva, de indispensable consulta y el primer  diccionario completo y riguroso de esos años, que muchos leerán como un  relato apasionante y novelesco.

Diccionario de las vanguardias en España, 1907-1936

La producción artística de las naciones y los pueblos islámicos, pese a su importancia, es una gran desconocida en el mundo del arte. Robert Irwin, experto en arte islámico y excelente escritor, conduce al lect or a las profundidades de las culturas que pr

Akal

Arte islámico

Posiciones críticas: ensayos sobre las políticas de arte y la identidad ofrece un amplio recorrido por el trabajo de Douglas Crimp, uno de los protagonistas de la redefinición de la función de la crítica en la cultura norteamericana y en la defensa de la dimensión pública del arte. Esta antología organiza los escritos de Douglas Crimp en cuatro secciones temáticas que dan cuenta también de la evolución cronológica de su pensamiento crítico. Se toma como punto de partida el temprano análisis que hace Crimp de las políticas de la representación, sobre todo en el ámbito de la fotografía, definiéndolas como campo de acción prioritario del trabajo del artista en la posmodernidad. En esa misma dirección se incluyen a continuación sus famosos ensayos sobre la insularidad de la institución artística y sobre los conflictos que surgen cuando se transgreden los límites del cubo blanco de la galería. Las dos últimas secciones del libro dan cuenta del giro que da el trabajo crítico de Douglas Crimp a partir de 1987, coincidiendo con los momentos más crudos de la crisis del sida en Estados Unidos. Rompiendo con el establishment crítico del que hasta entonces había formado parte, Douglas Crimp iba a poner su pensamiento al servicio del análisis y denuncia de las campañas representacionales orquestadas por el poder contra la comunidad gay, así como de la reflexión sobre los modos en que ésta asumía o rechazaba tales imágenes hegemónicas. Los textos que cierran el libro forman parte de un proyecto aún inconcluso de genealogía de la subjetividad queer contemporánea a partir del análisis del cine de Andy Warhol desde la perspectiva de los estudios culturales.

Akal / Arte Contemporáneo

Posiciones críticas

Historia social de la literatura y el arte II (2004)

Historia del arte: Una introducción (2021)

La pintura de la ilustración (2014)

Museología y conservación de arte contemporáneo: Un conflicto de intereses (2016)

El trazo abierto. Mujeres creadoras y dibujo expandido (2024)

El nadador de paestum (2022)

Caravaggio (2016)

Fotografías míticas (2019)

Miguel ángel. Obra gráfica (2016)

Impresionismo (2016)

Leonardo. Todos los dibujos (2014)

1000 Lights (2015)

Arte desde américa latina (2020)

Los limites del patrimonio cultural (2022)

Breviario de diseño industrial (2016)

Arte moderno (2015)

Rivera (2015)

Colección mer (2017)

René magritte (2017)

Jazzamoart (2018)

Sargent. Obras maestras (2018)

Diccionario de las vanguardias en España, 1907-1936 (2007)

Arte islámico (2008)

Posiciones críticas (2005)