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La creación de la ruta del Kisokaido fue una orden del entonces sogún de Japón, Tokugawa Ieyasu, que a principios del siglo XVII decretó la construcción de estaciones de descanso en el penoso tramo que iba desde Edo (actual Tokio) hasta Kyoto. Se abrieron posadas, tiendas y restaurantes que proporcionaban alimento y alojamiento a los agotados viajeros. En 1835, el famoso xilógrafo Keisai Eisen recibió el encargo de realizar una serie de estampas que representaran la ruta del Kisokaido. Después de hacerse cargo de 24 de estas estampas, Eisen fue sustituido por Utagawa Hiroshige, que completó la serie de 70 imágenes en 1838.Tanto Eisen como Hiroshige eran reconocidos maestros del grabado. Las sesenta y nueve estaciones del Kisokaido pone de manifiesto los distintos estilos de ambos y su habilidad común. Desde el ajetreado punto de partida de Nihonbashi hasta el castillo de Iwamurata, Eisen opta por una paleta más apagada, pero sobresale en la figuración, sobre todo en la representación de mujeres glamurosas, y se recrea en las imágenes de toda la actividad que se realiza a lo largo del camino, desde el herrado de un caballo hasta campesinos aventando arroz. Hiroshige demuestra su dominio del grabado paisajista con escenas grandiosas y evocadoras, desde las tranquilas orillas del río Ota hasta el imponente paso de Wada o una ascensión a la luz de la luna entre Yawata y Mochizuki.Tomadas en conjunto, las estampas de Las sesenta y nueve estaciones del Kisokaido suponen no sólo un animado ejemplo del arte de la xilografía, con composiciones audaces y un uso experimental del color, sino también un encantador tapiz del Japón del siglo XIX, mucho antes de que apareciera el fantasma de la industrialización. Esta nueva edición de TASCHEN presenta la serie con la excelencia que merece. Las imágenes reproducidas provienen de la única primera edición de la serie completa que se conoce, lo que asegura la mejor calidad para esta legendaria obra.

Hiroshige - eisen. Las sesenta y nueve estaciones del kisoka

La técnica de la joyería es un completo manual de gran utilidad para principiantes, estudiantes y entusiastas de la joyería y la bisutería que estén buscando una visión global de las distintas técnicas (tanto básicas, como actuales y de diseño digital), así como una panorámica de las opciones laborales disponibles en este ámbito.

La tecnica de la joyeria

En el principio era el Verbo y en la Edad Media fueron los reyes, los príncipes y los personajes religiosos de alto rango quienes produjeron biblias ilustradas con un extraordinario trabajo artesanal mediante su riqueza e influencia.Esta edición recopila 50 de los mejores manuscritos medievales de la Biblia depositados en la Biblioteca Nacional Austriaca. Con ejemplos de todas las épocas de la Edad Media, esta colección estudia representaciones de la Biblia en diversos contextos teológicos e históricos. Con una calidad de reproducción impecable, estas increíbles imágenes destacan por ser tanto tesoros artísticos históricos como importantes objetos religiosos.Los textos de Andreas Fingernagel, Stephan Füssel, Christian Gastgeber y un equipo de 15 autores científicos describen al detalle cada manuscrito: estudian tanto la evolución de la Biblia como la interpretación medieval de la historia. Además, se incluye un glosario de términos fundamentales para que los lectores no versados en la historia bíblica puedan disfrutar también de los textos.

El libro de las biblias. 40th ed.

Una relectura de la intimidad en la Edad Media a través del arte románico.Vulvas, partos, penes erectos y parejas en pleno coito pueblan las iglesias románicas de nuestra geografía repartidos por portadas, capiteles y canecillos. Estas imágenes sexuales, algunas de ellas muy explícitas, han generado estupor, sorpresa e incluso rechazo en nuestra contemporaneidad, dando lugar a todo tipo de explicaciones sobre sus intenciones y significado. Sin embargo, su proliferación y espontaneidad indican que, lejos de tratarse de una representación del pecado, como a menudo se han interpretado, mostraban una sexualidad mucho más abierta y acorde con la mentalidad de quienes promovieron la construcción de estos templos.El libro demuestra cómo, entre los siglos XI y XIII, tuvo lugar una intensa lucha por el poder político en la que el sexo (o su ausencia) se convirtió en uno de los principales argumentos legitimadores de las élites sociales. Una batalla ideológica que dejó su huella en las imágenes sexuales románicas que desafían nuestra lógica actual.

Editorial Critica

Crítica

Tiempo De Historia

El sexo en tiempos del romanico

De todos los misterios del universo, ninguno más profundo. que el de la creación.

Sequitur

El misterio de la creación artística

Este libro explica el papel que ha desempeñado la luz en las obras de arte a lo largo de la historia con infinidad de ilustraciones. La luz en el arte muestra cómo los artistas han usado la luz en las pinturas y cómo han empleado la sombra ante la escasez de luz con obras de Giotto, Botticelli, Caravaggio, Vermeer, Courbet, Turner, Klimt, entre muchos otros para lograr la atmosfera deseada, expresar ideas y producir emociones en el espectador. También aborda teorías de Plato y Aristóteles, Descartes, Newton, Goethe y Chevreul.

Promopress

La luz en el arte

El prestigioso crítico y Premio Pulitzer Sebastian Smee compone en este libro una historia del arte contada a través de las vidas paralelas de ocho artistas. Matisse - PicassoManet - DegasPollock - de KooningFreud - Bacon Manet rasga un retrato de él y su mujer pintado por Degas. De Kooning pelea con Pollock y al poco de la muerte de este se junta con su amante, Ruth Kligman. Freud rompe con su mentor y amigo íntimo Bacon tras haberse inmiscuido sin querer en su relación con un amante violento... La rivalidad es uno de los grandes motores de la innovación artística, pero es también uno de sus misterios más profundos. Casi todo artista que se precie ha sido arrastrado a algún tipo de enfrentamiento con sus contemporáneos, y Smee explora el modo en que la amistad y la traición estimulan la creatividad e incluso la búsqueda de la voz propia. Reseñas:«Apasionante. Smee es seductor y brillante, y sus virtudes como crítico son evidentes en cada línea.»The New York Times «Cada uno de los retratos que hace Smee de estos artistas es una auténtica joya.»The Boston Globe «Una combinación perfecta de gusto artístico y entendimiento humano, y una prosa cristalina.»The New Yorker «Hermosamente escrito. Ambicioso, impactante y del todo absorbente.»Publishers Weekly

El arte de la rivalidad

En cada apartado se brindan una sucinta explicación, obras características y una lista relevante de artistas destacados, rasgos, disciplinas y colecciones. En la sección de referencia figura un glosario indispensable de términos relacionados con el mundo del arte, un cronograma accesible y un índice de artistas. Los que disfrutan del arte y quieren profundizar en él encontrarán en Esenciales del arte un acompañamiento perfecto que les proporcionará toda la información contextual necesaria para disfrutarlo y comprenderlo, tanto si se trata de un ávido galerista, un aficionado a leer cómodamente en el sillón o un curioso observador. Con textos atractivos, accesibles, acreditados, con un marcado componente visual y redactados y concebidos por expertos.

Blume

Arte moderno y contemporáneo

España

Bibliotecaonline

Arte y fe

Un retrato poderoso, moderno, íntimo y profundamente humano de una era de destrucción extrema y creatividad excepcional, el renacimiento italiano, un periodo que moldeó la cultura occidental y que fue mucho más extraño, oscuro y fascinante de lo que nos han enseñado. Conocemos a la Mona Lisa por su sonrisa enigmática, pero casi nadie sabe que estuvo casada con un traficante de esclavos. Veneramos a Leonardo da Vinci por su arte, pero pocos hoy somos conscientes de la importancia de sus ingeniosos diseños de armamento. Rara vez oímos hablar, asimismo, de las mujeres escritoras, los mercaderes judíos, los ingenieros, las prostitutas y los granjeros que vivieron el día a día de este periodo. Muchos de los artistas y pensadores más célebres del Renacimiento (como Miguel Ángel, Rafael o Maquiavelo) no surgieron durante el famoso renacer del siglo XV, sino en el XVI, una época dominada por una serie de luchas de poder y guerras salvajes por toda Europa. Estas propiciaron el surgimiento de grandes fortunas y la creación de algunas de las mejores obras de arte jamás vistas, pero también devastaron al pueblo. Al mismo tiempo, el nacimiento del protestantismo, la colonización española de América y la expansión del Imperio otomano plantearon graves amenazas al poder italiano, y suscitaron debates sobre la ética política, la esclavitud, las creencias religiosas y la moral sexual que resuenan con muchos debates actuales. En este extraordinario libro, historia narrativa y de alta calidad y rebosante de vida, Catherine Fletcher nos descubre el lado oscuro del Renacimiento, cuyas conexiones con el presente son mucho más interesantes que las que ofrece la simple visión, dominada por bellas imágenes, que nos ha contado la historia convencional. La crítica ha dicho...«Brillante y apasionante. He aquí el verdadero Renacimiento en una historia de una originalidad y una frescura cautivadoras.»Simon Sebag Montefiore «Una historia de alianzas, traiciones, saqueos, asedios, hambrunas, asesinatos y torturas terriblemente ingeniosas. Fletcher crea atmósfera y drama sin renunciar a la claridad. Poderoso.»The Guardian «Aterrador y fascinante, desmantela los tópicos sobre el Renacimiento con la precisión de un arcabuz. Ambicioso y plural, arroja luz sobre figuras a menudo olvidadas por la historia convencional.»The Sunday Times «Impresionante y lúcido, el relato brilla con sus coloridos detalles. Una historia sólida pero vívida y convincente sobre cómo Italia fue derribada aún cuando su cultura volaba alto.»The Times «Basado en una investigación impecable y admirablemente bien escrito, aporta datos de gran interés en cada página.»The Sunday Telegraph «La sabiduría de Fletcher es envidiable. Sabe mejor que nadie lo traicioneros que fueron ese momento y ese lugar.»The Daily Telegraph «Magnífico. Fletcher muestra cómo excavar bajo los tesoros artísticos y comerciales del Renacimiento en Italia puede revelar fuertes conexiones entre cultura, negocios, religión y violencia.»Finan cial Times

La belleza y el terror

Argentina

* presentación (por Hernán Borisonik)* *prólogo (por Renato Rezende)01 BLANCO ENCIMA, BLANCO ABAJO (mayo de 1960)02 INTERRELACIÓN DE LAS ARTES (1960)03 EL FIN DEL CUADRO (16 de febrero de 1961)04 SOBRE EL PROYECTO pERROS DE CAZA (28 de agosto de 1961)05 NÚCLEO IMPROVISADO (27 de diciembre de1961)06 SOPORTE (6 de febrero de 1962)07 EL PROBLEMA DE LOS OPUESTOS (8 de febrero de 1962)08 COLOR TONAL Y DESARROLLO NUCLEAR DEL COLOR (17 de marzo de 1962)09 EN EL PENETRABLE (3 de junio de 1962)10 LA TRANSICIÓN DEL COLOR DEL CUADRO HACIA EL ESPACIO Y EL SENTIDO DE CONSTRUCTIVIDAD (1962)11 BÓLIDES(29 de octubre de 1963)12 BASES FUNDAMENTALES PARA UNA DEFINICIÓN DEL PARANGOLÉ (noviembre de 1964)13 LA DANZA EN MI EXPERIENCIA (12 de noviembre de 1965)14 LA DANZA EN MI EXPERIENCIA (continuación) (10 de abril de 1966)15 POSICIÓN Y PROGRAMA (julio de 1966)16 ESQUEMA GENERAL DE LA NUEVA OBJETIVIDAD(1966)17 BALANCE DE LA CULTURA BRASILEÑA(1968)18 CRELAZER (1969)19 LA OBRA, SU CARÁCTER OBJETUAL, EL COMPORTAMIENTO (1969)*** Epílogo. Apuntes sobre mi experiencia con el parangolé (por Dany Umpi)

Miño y Dávila Editores - Esp

El museo es el mundo (textos 1960-1969)

* Introducción: en modo etc (por Juliana Gontijo)** Presentación al Manual del artista01 Haciendo visible el arte contemporáneo (con la colaboración de Eduardo Coimbra)02 Cerebro cremoso al caer la tarde03 La crítica de arte como campo privilegiado de la ficción contemporánea04 agora (con la colaboración de Eduardo Coimbra y Raul Mourão)05 Post-galerías06 ¿Debatir o debatirse?07 Gestos locales, efectos globales08 El artista como curador09 Mezcla + Confrontación10 El rol del artista como agente de eventos y fomentador de la producción frente a la dinámica del circuito del arte11 ¿Y ahora?12 Viva Vaia Zumbi13 Circuito de arte en desplazamiento14 Amo a los artistas-etc15 regiones de sombra de los 80 (& diamantes)16 Perspectivas para el museo en el siglo XXI17 El artista como investigador18 conversaciones (con la colaboración de Bojana Piskur)19 4br20 Desplazamientos rítmicos: el artista como agente, como curador y como crítico21 Sur, Sur, Sur, Sur como diagrama: mapa + marca22 desplazamiento-entre-autonomías-sonido*** Fuentes de los textos

Manual del artista-etc

PRÓLOGO. Antizoo, antivivo: la otra vida en la vidapor Gabriel Giorgi INTRODUCCIÓNEl cambio de sigloExperiencias políticasUmbrales, retornos, desbordesLo viviente afuera de marcoDespués del hombre y el animalCuerpo, materia, escrituraEngranajes de lectura1. UMBRALESI. Nuno Ramos: el fósil como umbral Inscripción fósil: aparecer mediante huellas y huecosPlacas de fósiles: la nueva vidaEl fósil: ¿un viviente muerto?El hacer del ahí sin serMaterias y suelos actuantesDel viviente muerto al fósil parlanteII. João Gilberto Noll: cuerpos a la intemperieA cielo abiertoCuerpos-umbralHacia el umbral del sueloUmbrales de visibilidadUmbrales de lenguajeAfuera de marco, superficies2. RETORNOSI. Vacío, materia y memoria: formas de dar sepultura en 111VacíoDel documento vacío al documento hápticoResistencia y sepulturaUn decir de tulII. Del lixo al junco: un pathos material Una coreografía de gestos (vegetales) Agencias mineralesFlujos y restosIII. El zombi en BerazachussettsQué monstruo es el zombiEl terror de la zombi: el mundo al que llegaDel ya muerto al muerto-vivo: retornos subjetivantesRevolución zombi3. DESBORDES I

¿Qué está vivo?

Persistencia de la pregunta por el arte

El gesto criptográfico

Disfruten con la fantasía de los creadores latinoamericanos y observenlas nefastas consecuencias del ensueño de los políticos. Y cómo a vecesambos delirios han ido de la mano.

Delirio americano

Hauser La obra capital de Hauser es Historia social de la literatura y el arte (1957), en la que, influido por el marxismo, vincula la produ cción artística a las diversas situaciones sociales.Arnold Hauser (B udapest 1892-1978), es historiador de arte húngaro. En 1924 fundó en V iena, junto a von Max Dvorak, la Escuela de Viena para estudios histór ico-artísticos. En 1938 emigró al Reino Unido, huyendo de los nazis. S u obra capital es Historia social de la literatura y el arte (1957), e n la que, influido por el marxismo, vincula la producción artística a las diversas situaciones sociales. Es también autor de El manierismo ( 1965) y Sociología del arte (1975).Historia social de la literatura y el arte, el libro más conocido y emblemático de Arnold Hauser, se re edita cuarenta y cinco años después de su aparición. En la introducci ón a esta edición, que respeta la forma en que el libro se publicó ori ginalmente, sin acompañamiento de ilustraciones, Valeriano Bozal nos p ropone fijar la atención en el magnífico intento de Hauser por compren der el presente a través de la investigación histórica. En pro de seme jante comprensión, algunas de las hipótesis propuestas pueden prender en el lector, al punto de imponerse a su juicio por la lógica y la bri llantez, por la convicción, por la capacidad de sugerir y evocar más q ue por la verificación, por su forma de vincular grandes acontecimient os, obras y autores muy concretos en el marco socioeconómico de su tie mpo, por su capacidad de generalización y por su compromiso con la exi gencia de mantener la relación entre la literatura y las artes plástic as. Quizá Hauser esté adscrito a la tópica economicista y

Historia social de la literatura y el arte I

Roma, tal como la conocemos ?la espléndida ciudad de palacios y plazas dominados por la cúpula de San Pedro?, fue una creación del papado, remodelada y erigida de nuevo a finales de la Edad Media tras un largo periodo de abandono. Encarnaba una nueva estética: los ideales clásicos de simetría, axialidad, centro, jerarquía y unidad concretados y aprovechados para los requerimientos del poder eclesiástico y la responsabilidad cívica. Roma era simultáneamente producto y cuna del Alto Renacimiento. En manos de Bramante, Antonio da Sangallo, Vignola y della Porta, los palacios, desarrollados a partir de la austera tradición romana y florentina del Quattrocento, se convirtieron en edificios de imponente nobleza. Se erigieron iglesias a docenas. diseñadas tras la fachada del templo a partir de los principios de armonía espacial y cósmica, desplegaron una interminable versatilidad estilística en cuanto a la solución de problemas formales y teológicos. El San Pedro de Bramante y Miguel Ángel, y El Gesú de Vignola y della Porta, que se comentan aquí en detalle, representan quizá la apoteosis de la arquitectura eclesiástica del Renacimiento, al igual que el Palacio Farnese de Sangallo y Miguel Ángel destaca como la culminación de la arquitectura civil. Partridge analiza también la decoración escultórica y pictórica de Roma en los altares, las capillas y las salas de estado, incluyendo las obras maestras de la Capilla Sixtina y las Estancias del Vaticano. Masolino y Fra Angelico, Perugino y Pinturicchio, Miguel Ángel y Rafael se contaron entre los llamados a glorificar a la Iglesia y legitimar su autoridad, y sus logros perviven para el disfrute y la formación de las siguientes generaciones.

Akal

El renacimiento en roma

El arte es considerado habitualmente como una actividad solitaria. Pero los artistas visuales, escritores y músicos a menudo encuentran su energía a través de un entorno colectivo. Compartir ideas alrededor de una mesa siempre ha dado lugar a intercambios fructíferos entre artistas de todo tipo. En este libro, Mary Ann Caws explora una rica variedad de lugares de reunión, pasados y presentes, que han sido propicios para la liberación y el sustento necesario de las energías creativas. "Encuentros creativos" habla de estos lugares en Europa y Estados Unidos, desde paisajes urbanos hasta refugios en islas, desde casas privadas hasta cafés públicos y colonias de artistas. Los ejemplos incluyen la casa de Florence Griswold en Old Lyme, Connecticut, lugar de reunión de la antigua colonia de arte de Lyme; el Café Louvre de Praga, lugar de reunión de Kafka y Einstein; el café modernista de Picasso en Barcelona, Els Quatre Gats; Charleston Farmehouse, lugar de reunión de Virginia Woolf y Vanessa y Duncan Bell, y los cafés de Saint-Germain¡-des-Prés y Montparnasse: los lugares de reunión de Apollinaire, Sartre y Patti Smith.

Catedra

Grandes Temas - Cátedra

Encuentros creativos

En 1919, Walter Gropius fundó en Weimar (Alemania) la Staatliche Bauhaus: un lugar para la construcción. El proyecto nació como una escuela utópica en la que formar, integrando diversas disciplinas artísticas a través del objeto y la arquitectura, a los nuevos artesanos que se demandarían para un principio de siglo arrollador. Una idea que evolucionaría hacía el diseño a partir de su sede en Dessau con el célebre "arte y teconología: una nueva unidad". Con todo, el reconocimiento intelectual de la Bauhaus es un hecho que se centró históricamente en sus protagonistas masculinos, olvidando a una serie de mujeres artistas, diseñadoras, escenógrafas, pintoras o arquitectas allí formadas que contribuyeron de forma decisiva a esta ôrevoluciónö, y cuya labor en el imaginario sobre la Bauhaus ha permanecido invisible, a pesar de desarrollar sus respectivas trayectorias profesionales con un impacto internacional incuestionable. Con esta obra, Marisa Vadillo cubre ese vacío completando la realidad de la escuela al contar el papel destacado de estas autoras fundamentales en un episodio irrepetible del arte del siglo XX.

Cantico

Las diseñadoras de la bauhaus

Mujeres artistas. Ensayos de Linda Nochlin reúne treinta ensayos esenciales de la historiadora contemporánea más sagaz y provocadora publicados a lo largo de su carrera, entre los que se cuentan dos realizados específicamente para esta colección y una entrevista en la que repasa su trayectoria académica y reflexiona acerca del papel de la mujeres en el arte actual. Se trata pues de la antología definitiva de Linda Nochlin sobre teoría feminista y arte creado por mujeres.Entre los escritos seleccionados por Maura Reilly destacan un hito de la teoría feminista: «¿Por qué no hahabido grandes mujeres artistas?», de 1971, junto a otros ensayos seminales: «Mujeres artistas después de la Revolución francesa» o «Partiendo de cero. Los comienzos de la historia del arte feminista». Para completar el enfoque teórico, el volumen contiene diversos estudios consagrados a importantes artistas modernas, como Artemisia Gentileschi, Berthe Morisot o Mary Cassatt, y contemporáneas, como Jenny Saville, Kiki Smith o Sophie Calle, entre muchas otras.

Alianza

Mujeres artistas

Ensayo dirigido a todos aquellos que disfrutan con la creación artística en cualquiera de sus formas. ¿Por qué los creadores que se consideran modernos tienden a elegir formas expresivas más simples? ¿Qué lleva a las vanguardias a creer que siguiendo ese camino llegarán a la esencia del arte? Para entender esa búsqueda del mítico punto cero, de la elocuencia desnuda, µlvaro Delgado-Gal pone diferentes obras de arte y de la literatura vanguardistas en conexión con sus predecesoras para intentar comprender qué piezas se mueven en el engranaje de la expresión cuando se pasa de un estilo a otro. Compara a Rubens con Matisse, a Galdós con Valle-Inclán, o a Mark Twain con Hemingway y desentraña la mecánica que subyace a los cambios de estilo que se producen en el arte y la literatura.

Buscando el cero. La revolución moderna en la literatura y en el arte

Cátedra

Pintura en italia, 1500-1600

HISTORIA DEL ARTE consta de cuatro volúmenes elaborados por treinta y dos reputados especialistas procedentes de diversas universidades españolas. En la segunda edición, actualiada y revisada, del CUARTO VOLUMEN de la serie se explica la evolución de las formas artísticas, la arquitectura y la cultura de masas desde el siglo XIX a los inicios del XXI.   Tres módulos independientes dedicados al siglo XIX abordan la arquitectura y el urbanismo, la pintura y la escultura de esa época; un capítulo complementario analiza los autores, de Manet a Van Gogh, que anticiparon las estéticas vanguardistas, y el inicio de los cambios operados en las artes plásticas desde el impresionismo al fauvismo. En el siguiente capítulo se expone una profunda revisión de las vanguardias históricas (del cubismo al surrealismo), con especial hincapié en dos figuras clave de este período: Picasso y Duchamp.   A diferencia de otros libros de historia general del arte, en el presente manual la creación contemporánea es tratada con especial atención y cuidado. Así, se dedican dos extensos capítulos a la arquitectura y el urbanismo de todo el siglo XX y de los inicios del XXI, y a las artes plásticas desde 1945 hasta la actualidad más inmediata. Por último, el capítulo final analiza las transformaciones acontecidas en el seno del arte contemporáneo como consecuencia de la irrupción de los medios de masas.

Historia del arte. 4. El mundo contemporáneo

Hiroshige - eisen. Las sesenta y nueve estaciones del kisoka (2023)

La tecnica de la joyeria (2023)

El libro de las biblias. 40th ed. (2023)

El sexo en tiempos del romanico (2024)

El misterio de la creación artística (2015)

La luz en el arte (2022)

El arte de la rivalidad (2017)

Arte moderno y contemporáneo (2018)

Arte y fe (2016)

La belleza y el terror (2021)

El museo es el mundo (textos 1960-1969) (2022)

Manual del artista-etc (2023)

¿Qué está vivo? (2023)

Persistencia de la pregunta por el arte (2022)

El gesto criptográfico (2022)

Delirio americano (2022)

Historia social de la literatura y el arte I (2004)

El renacimiento en roma (2007)

Encuentros creativos (2021)

Las diseñadoras de la bauhaus (2022)

Mujeres artistas (2022)

Buscando el cero. La revolución moderna en la literatura y en el arte

Pintura en italia, 1500-1600

Historia del arte. 4. El mundo contemporáneo (2018)