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Joaquín Sorolla (1863-1923) es uno de los grandes maestros de la pintura, célebre por su dominio de la luz y el color. Su producción alcanza las cuatro mil doscientas obras en óleo, acuarela y gouache. Durante más de tres décadas, Blanca Pons-Sorolla, bisnieta del artista y máxima autoridad de su legado, ha registrado y estudiado sistemáticamente este conjunto para ordenarlo en un catálogo razonado cronológico. Esta primera entrega supone el primer volumen de este proyecto y está dedicada a los primeros años de la trayectoria de Sorolla, representada en las más de mil cincuenta obras que aquí se recogen, muchas de ellas estudiadas y reproducidas por primera vez.

Sorolla. Catalogo razonado de pinturas. 1876-1894

Diez horas con rafael moneo.

Presentamos un fascinante catálogo de exposición del Espacio Fundación Telefónica en Madrid.La selección profundiza en los temas recurrentes del universo artístico de Jaume Plensa, como la identidad, la fragilidad de la condición humana, lo efímero, la espiritualidad, el silencio, la comunicación y el lenguaje.Jaume Plensa es conocido por sus esculturas monumentales en espacios públicos y por su uso innovador de materiales. Es reconocido como una de las voces más importantes del panorama artístico actual.La exposición abarca más de 30 años de la carrera de Plensa, desde principios de los años noventa hasta la actualidad, explorando desde diferentes perspectivas la profunda reflexión sobre la condición humana que atraviesa toda su obra. Desde expresiones abstractas y conceptuales en sus primeras creaciones, hasta representaciones más recientes de carácter figurativo y sensual.Plensa elige materiales distintivos e innovadores como el hierro, el vidrio, el acero inoxidable, el alabastro y la resina. Su obra forma parte de prestigiosas colecciones internacionales y se expone en museos y espacios públicos de todo el mundo, incluyendo el Nasher Sculpture Center en Dallas, el Rockefeller Center en Nueva York, el University of Michigan Museum of Art, el Yorkshire Sculpture Park en Reino Unido, la Crown Fountain en el Millennium Park de Chicago y Water's Soul en Newport, EE. UU., entre otros. Ha recibido numerosos galardones, entre ellos la Medalla de Caballero de las Artes y las Letras y el prestigioso Premio Velázquez de las Artes.

Materia interior/ interior matter

El libro combina fotografía, poesía, testimonios y ensayos. En sus páginas resuenan las voces de mujeres que, a pesar de la desposesión, nutren la vida, sanan, cantan y recuerdan. Maya Goded Colichio es una reconocida fotógrafa mexicana que explora las complejidades y los retos a los que se enfrentan las mujeres en la sociedad mexicana.

El rastro de la serpiente / the serpent's trail

Acercamiento a la figura de Martín Chirino, a la faceta escultórica y a los demás aspectos que le hicieron destacar como uno de los intelectuales más importantes y comprometidos con las artes de la segunda mitad del sigo XX y comienzos del XXI.

Martin Chirino ¡Sin Pasion No Hay Vida!

Un somni a través de dotze emocions que ens porta fins a la taula on se celebrà un sopar on la cuina i la videocreació es transformen en una experiència artística nova: una obra cabdal de l?art i la gastronomia que trenca les pròpies fronteres de la creació per a oferir-nos una percepció total de la bellesa.  Concebut com una obra global, El Somni tintrà una versió en tots els formats de transmissió cultural. Per això, editem una libre que té la missió d?explicar aquest projecte artístic multimèdia, que plasma gràficament tot el procés creatiu i recull les reflexions dels col·laboradors, endinsant-nos en els dotze episodis del somni de l?ondina Àstrid, protagonista d?aquesta òpera gastronòmica.

El somni

Una de las sugerencias que la teoría de la evolución de las especies ha hecho es que la evolución humana corrió a la par del desarrollo del arte. Las pinturas rupestres manifiestan un despertar que ningún otro animal tuvo en la historia. Esta relación entre el arte y el ser humano, tan íntima y perpetua, se convierte en fundamento de lo que somos. Probablemente por eso, Platón apreció el papel formativo que el arte podía tener en los ciudadanos, idea que se conservó en el tiempo con pensadores como Aristóteles, Leibniz, Hegel, Schelling y Schiller, por mencionar algunos. El presente libro recoge ocho excepcionales trabajos donde se ahonda en el papel que el arte guarda en la formación integral de la persona. Las propuestas, tan variadas y sugerentes, van desde la apuesta pedagógica hallada en los poemas épicos homéricos; la relación entre la música y el desarrollo virtuoso en Platón; la concepción helénica sobre el ideal humano en la máxima bello-bueno, hasta las relaciones que el barroco tuvo en la configuración de una identidad nacional o la comprensión sobre cómo el arte sirve como catalizador para la solidaridad, entre más. El libro editado por Roberto Rivadeneyra nos invita a sumergirnos en la intimidad de nuestro ser para descubrir los vínculos entre el arte y la educación que nos permiten llegar a contemplarnos como seres que, de una u otra manera, desde siempre hemos sido formados por el arte.

Arte y educación

Este libro no pretende otra cosa que mostrar la compleja historia del arte y de las teorías que lo han intentado explicar. Más que proponer soluciones el libro siembra dudas al intentar explicar que no siempre el arte estuvo ligado a la belleza. Durante siglos, desde el inicio del cristianismo hasta finales del siglo xv, la función del arte fue sobre todo realizar imágenes para alimentar la piedad de los fieles. Sin embargo, poco a poco, prevaleció la tendencia a apreciar las obras de los artistas por su belleza. De este modo las artes se convirtieron en artes bellas y, desde Kant, la disciplina filosófica que se ocupó de su estudio se llamó Estética. Superada la metafísica y descartada la posibilidad de acceder con la razón a la realidad trascendente, tocó al arte mostrar lo que racionalmente no podía conocerse. Este fue el motivo por el que la estética ocupó una función de gran relieve en la reflexión filosófica. Y, sin embargo, la sucesiva historia de la filosofía y su rechazo del proyecto moderno llevaron al abandono de las esperanzas puestas en la Estética, a la vez que el arte dejaba de nuevo de comprenderse como bello. Más que belleza el arte contemporáneo manifiesta la inquietud de nuestra época, la desazón de no haber sido capaces de desvelar el misterio de nuestro mundo ni de comprender nuestra presunta grandeza.Y todo esto merece ser estudiado para reconocer en el arte nuestra propia historia y darnos una respuesta a la necesidad que los hombres seguimos sintiendo por hacer y contemplar obras de arte.

Estetica para principiantes

La Isla de Esculturas del río Lérez no es un parque de esculturas, ni un jardín, ni un museo al aire libre. Es una isla, es un paisaje contemporáneo. Lo que se ha hecho es crear un paisaje como el que crea un poema, buscando las palabras adecuadas y situándolas en el lugar correcto.En este proyecto se unen de una manera mágica, como casi todo en Galicia, el pasado y el presente, en una construcción que se podría llamar futuro. Se une la memoria de un pasado remoto, del que sólo queda un ensueño, con la transformación del presente. El tiempo marca, a diferentes ritmos, cada una de estas intervenciones. La idea del paseo como una metáfora de la vida, metáfora que encuentra el apoyo del río Lérez, un continuo fluir que nos observa desde la impermanencia y desde la obvia presencia de lo fugaz. Todo pasa pero todo queda, y cada artista usa un lenguaje propio y personal para marcar con su presencia un espacio físico en el tiempo y en el espacio.

Isla de esculturas

el certamen generaciones es en nuestro país uno de los proyectos de referencia en el apoyo a la creación contemporánea, que viene siendo premiada y exhibida desde el año 2000 en el marco de esta iniciativa. la fundación montemadrid, en su labor de impuls

Generacion 2019

ahogarse en una mar de datos, es un proyecto comisariado por joão laia que profundiza en las nuevas formas en que se está reescribiendo la realidad, o nuestra interpretación de la misma, debido a la aceleración de los flujos de información que el desarro

Ahogarse en un mar de datos/drowing in a sea of data

Generación 2020

Este libro aborda el arte de la escultura en América del Sur entre la llegada de los españoles y los movimientos de independencia, analizando un buen número de piezas que responden a propósitos, temas y sensibilidades estéticas muy concretos, dentro de lo que se ha venido a llamar la ?escultura virreinal? ?también llamada por algunos ?escultura colonial??. A esto, se añade un análisis de cómo en Ecuador se mantuvo dicha estética más allá de la dominación española, ejemplificando su longevidad en las nacientes repúblicas americanas. A través de 23 textos ejecutados por 25 autores de reconocido prestigio, se combinan estudios panorámicos regionales con otros más específicos sobre ciertos géneros o autores. Se incorpora, además, una visión integral que no descarta los focos escultóricos menos importantes ?como pueden ser Colombia, Paraguay, Chile o Argentina? o la realidad de los territorios portugueses ?que normalmente suelen separarse de los hispánicos a pesar de compartir con ellos muchas de sus dinámicas culturales. En definitiva, por su extensión y envergadura, este libro supone una importante aportación para la historiografía del arte americano.

Silex Ediciones, S.l.

El arte de la escultura en america del sur

El libro recorre todas las etapas de la trayectoria de uno de los artstas más importantes del siglo XX y que conmemora el 50 aniversario de la muerte de Georges Braque( Argenteuil-sur-Seine, 1882-Paris, 1963)

Georges braque

En Fazer horas el público encontrará una serie de elementos cotidianos, que se integran y que dialogan con el espacio, buscando generar estados de sorpresa en el espectador. Y es que al artista le interesa poner de relevancia situaciones cotidianas que podrían parecer insignificantes.

Fazer horas. Daniel jordán

A principios del siglo XVII surgieron en Europa las cartillas de dibujo, unos materiales pedagógicos que revolucionaron la metodología tradicional de la enseñanza de esta disciplina, permitiendo a artistas, aficionados y particulares progresar sin la presencia de un maestro, sobre todo en la representación del cuerpo humano. Su principal novedad radicaba en el empleo del grabado: a partir de esquematizaciones, proporciones o líneas de contornos y sombreados, y mediante la copia directa y repetitiva, el alumno asimilaba un método, una manera y un estilo determinados, memorizando sus gestos y mejorando su destreza.La exposición a la que acompaña este catálogo destaca los ejemplos españoles de los siglos XVII-XIX y los sitúa en el contexto europeo. Aunque su número fue reducido, su interés resulta excepcional, pues desde el principio destacaron por su carácter autóctono y, en ocasiones, novedoso. Junto a artistas como Villafranca, García Hidalgo y López Enguídanos descuella Ribera, que ya en 1622 había comenzado a estampar lo que parecía iba a ser su propia cartilla y que no se publicó hasta décadas después.

El maestro del papel. Cartillas para aprender a dibujar de los siglos XVII al XIX

El que no está dibuixat that which is not drawn

Tarsila do amaral

Joana Vasconcelos, reconocida internacionalmente por sus esculturas e instalaciones monumentales, intervendrá los salones y jardines del Palacio de Liria. De esta forma se une con una de las colecciones histórico-artísticas privadas más importantes del mundo, que reúne piezas de artistas como Velázquez, Goya, Rubens, Tiziano o Murillo.Esta supone la primera vez que la artista lisboeta lleva sus obras a un gran palacio habitado, a diferencia de otras intervenciones realizadas en espacio históricos como el palacio de Versalles. Esto dota a la exposición de un diálogo especial no solo entre sus obras y el palacio; sino también entre la propia artista y el duque de Alba.

"Flamboyant" joana vasconcelos en el palacio de liria / joana vasconcelos at the

Loving the Alien es una invitación a reconsiderar los límites de nuestros cuerpos e identidades, a reflexionar sobre la alteridad, y a imaginar posibles metamorfosis a través de las posiciones de cuatro artistas: Sandra Mujinga, Anne Duk Hee Jordan, Mari Katayama y Ovartaci. La palabra alien en inglés engloba significados como extraterrestre, forastero, desconocido y marginal, todos ellos aludiendo diversas facetas de lo ajeno o distinto. Inspirándose en la polisemia del término, esta exposición examina varias formas de alteridad para cuestionar los marcos que definen el límite entre uno mismo y el otro, entre lo propio y lo foráneo. Siguiendo diferentes estrategias, estas cuatro artistas crean cosmologías alternativas que integran, ensalzan, y celebran la otredad. Sus posiciones están en consonancia con la exhortación de la filósofa Donna Haraway a contar historias nuevas que expliquen el mundo para abrirnos a posibilidades extrañas e híbridas que nos ayuden a enfrentar las crisis sociales, psicológicas, y ecológicas en las que estamos inmersos.

Loving The Alien

Ineditos 2020- la cosa del pantano/cosas que nunca sucedieron aunque existen

Ediciones La Bahia

Jordi socias - retratos

Catálogo de la exposición del artitsta catalán en Espacio Uno, que ha transformado en una sala de cine donde los visitantes pueden asistir a dos proyecciones cinematográficas mediante una instalación que trata de reproducir la experiencia del visionado de películas en salas de cine.

Museo Nacional Centro De Arte Reina Sofía

Carles congost

Catálogo de la exposición celebrada en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, (noviembre 2014-marzo 2015).República es una exposición de Juan Luis Moraza (Vitoria, 1960) que reúne una amplia selección de sus obras, estructurada en áreas que examinan el museo como sistema de convenciones y posibilidades de ciudadanía. Si uno de los problemas de la democracia contemporánea es el dilema que afronta cada ciudadano entre la pasividad y sus posibilidades de participación en la vida social, Moraza encuentra en el museo un espacio de convergencia entre el ciudadano-artista y el espectador-ciudadano. No obstante, para Moraza, la cuestión pública no es un asunto meramente político, sino antropológico, que atañe a la constitución de la propia subjetividad.Moraza siempre ha construido, en mutua interacción con su obra artística, un discurso conceptual donde el lenguaje y las ideas constituyen también un lugar habitado por el artista, junto con las formas y características de los objetos y situaciones que propone en cada proyecto. De este modo, el Museo de Moraza será su república, un espacio de interpretación y transformación entendido como sistema de participación. Su obra y la presente exposición tratan sobre la crisis de la representación, ya sea en el individuo o en la sociedad, cuestionada de este modo como representatividad y como represencialidad. El artista nos propone un lugar que se transforma en un sistema de "implejidades", término con el que designa la encrucijada entre la complejidad y la implicación, entre los derechos y las responsabilidades del juego social asumido por el museo.

Juan luis moraza. República

Sorolla. Catalogo razonado de pinturas. 1876-1894 (2025)

Diez horas con rafael moneo. (2025)

Materia interior/ interior matter (2025)

El rastro de la serpiente / the serpent's trail (2025)

Martin Chirino ¡Sin Pasion No Hay Vida! (2025)

El somni (2014)

Arte y educación (2024)

Estetica para principiantes (2024)

Isla de esculturas (2023)

Generacion 2019 (2019)

Ahogarse en un mar de datos/drowing in a sea of data (2019)

Generación 2020 (2020)

El arte de la escultura en america del sur (2024)

Georges braque (2014)

Fazer horas. Daniel jordán (2022)

El maestro del papel. Cartillas para aprender a dibujar de los siglos XVII al XIX (2019)

El que no está dibuixat that which is not drawn

Tarsila do amaral (2025)

"Flamboyant" joana vasconcelos en el palacio de liria / joana vasconcelos at the (2025)

Loving The Alien (2024)

Ineditos 2020- la cosa del pantano/cosas que nunca sucedieron aunque existen (2020)

Jordi socias - retratos (2020)

Carles congost (2001)

Juan luis moraza. República (2015)