¿Desde cuándo existe la filosofía de la música? La respuesta habitual -desde los griegos- es engañosa. Lo que hoy llamamos «filosofía de la música» no es una disciplina intemporal, sino una construcción histórica que se fragua en las primeras décadas del siglo XIX, al calor de la institucionalización universitaria de la estética y la consolidación del sistema moderno de las bellas artes.Los ensayos reunidos en este volumen reconstruyen los saberes musicales que existían antes de esa constitución -la "musica theorica", la "musica practica" y la "musica poetica"- y muestran cómo se formaban los músicos del Antiguo Régimen, qué tipo de textos se escribían para ellos y para los aficionados, y qué funciones cumplió la estética al ser introducida en la universidad española. A partir de esta reconstrucción, el autor propone una filosofía de la música que renuncia a las abstracciones decimonónicas -belleza, genio, experiencia estética- y adopta una mirada atenta a las morfologías institucionales del campo musical.El resultado es un mapa orientador que permite situarse en un territorio complejo y evitar algunos de los callejones sin salida en los que esta disciplina se ha internado con frecuencia.

Asociacion Ars Hispana

Ensayos Filosoficos Vol. 2

¿Qué estás escuchando ahora mismo? ¿Por qué lo elegiste? ¿Es realmente tu elección, o es el eco de una maquinaria que decide por ti? Este libro no es una oda complaciente a la música ni un manual defi nitivo para entenderla. Es una sacudida. Una provocación. Una invitación a cuestionarte cada acorde, cada letra, y cada clic que haces en tu plataforma favorita.A lo largo de estas páginas, vamos a recorrer los rincones incómodos de la industria musical: desde la fabricación de ídolos masivos hasta la triste decadencia de la calidad sonora en nombre de la viralidad. No hay respuestas claras aquí, porque yo mismo estoy lejos de tenerlas. En cambio, encontrarás preguntas incisivas, datos reveladores y un contexto que tal vez te haga replantearte lo que consideras ?buena música?.Este libro es, en muchos sentidos, un mosaico. Algunas ideas se sostienen por sí solas, mientras que otras son simples pinceladas que sirven para contextualizar temas más profundos. Vamos a hablar del auge del entretenimiento vacío sobre el arte verdadero, de cómo dejamos de pagar por la música y del ascenso de una perfección artifi cial que aplasta la autenticidad. Pero también exploraremos las emociones crudas que la música despierta, el arquetipo del músico y la lucha diaria por el reconocimiento en un mundo donde los algoritmos deciden qué vale la pena escuchar.No te prometo certezas. Al contrario, cuanto más avances, más dudas te surgirán. Mi objetivo no es darte respuestas, sino equiparte con las herramientas y las ideas necesarias para que formes tus propias preguntas. En un mundo donde la música se consume como cualquier otro producto desechable, creo que es hora de recuperar el pensamiento crítico.¿Estás dispuesto a romper los esquemas que te han impuesto sobre lo que deberías escuchar y cómo deberías hacerlo? Si es así, sigue leyendo. Este viaje no será cómodo, pero quizás sea necesario.En un mundo donde la música está en constante evolución, Del ídolo al algoritmo explora cómo llegamos al fascinante presente musical y qué depara el futuro. Desde el surgimiento de los ídolos masivos hasta el impacto de la inteligencia artificial, esta obra plantea las preguntas esenciales que todos los amantes de la música se han hecho alguna vez: ¿cómo influye la tecnología en la creatividad? ¿Qué define la calidad musical en un mercado gobernado por la viralidad? ¿Cómo moldean nuestras elecciones el futuro de la músicaCon una perspectiva crítica y reflexiva, el libro analiza temas actuales como el auge de los músicos independientes, la democratización (y dilemas) del autotune, y la lucha de los creadores por mantener su esencia en un mercado hipercompetitivo. Además, invita a repensar la relación entre popularidad y autenticidad, y nos desafía a imaginar nuevas posibilidades para el arte sonoro en un mundo digitalizado.Del ídolo al algoritmo no busca respuestas definitivas, sino inspirar nuevas conversaciones, investigaciones y exploraciones. Ideal para apasionados de la música y curiosos del arte contemporáneo, es un mapa para quienes desean comprender no solo el presente, sino el impacto de nuestras elecciones en el sonido del futuro.

Español

Digit 1

Del Idolo Al Algoritmo

Este volumen presenta el estudio y primera edición de cuarenta y tres arias en castellano para soprano solista, dos violines y acompañamiento, compuestas por Francisco de la Huerta Romanos (Borja, Zaragoza, 1733 - Pamplona, 1814) para el monasterio cisterciense femenino de Santa Ana de Ávila, en cuyo archivo se conservan actualmente las partichelas manuscritas originales. Son piezas compuestas entre 1767 y 1778, cuando Huerta, entonces instrumentista en la catedral de Ávila, fue también maestro de capilla del monasterio de Santa Ana. Todas las arias, salvo una, constan de recitado (recitativo) y aria propiamente dicha, mayoritariamente de estructura da capo. Estas composiciones eran interpretadas por las monjas músicas del monasterio y casi todas fueron dedicadas a tres solistas vocales: María Alfonsa de Liébana y las hermanas María Gertrudis y María Teresa Lasegue. Es un repertorio de estética galante, que incluye abundantes pasajes de coloratura, virtuosismo vocal de influencia operística y diseños idiomáticos para violín.

Tapa dura

Consejo Superior De Investigaciones Cientificas

Musica Para Mujeres En La España Del Siglo Xviii

Durante la transición española, la música se convirtió en un poderoso espejo de las transformaciones políticas, sociales y culturales que vivía el país. Este libro propone una nueva mirada sobre aquel periodo a través de un protagonista inesperado: la pre

Tapa blanda

Editorial Comares

Mediando El Mundo. Musica, Prensa Y Consenso En La Transicion

Musika industria ulertu, ikasi eta eraldatzeko ezinbesteko lana, orain euskaraz.Bi liburukitan egituratutako proiektu honek musikaren industriaren bihotzera eramaten gaitu. Lehenengo liburukiak artistaren irudian sakontzen du, haren sorkuntzatik eratorritako eskubideak eta proiektuak garatzeko finantzaketa-bide nagusiak azalduz. Bigarrenak, balio-katearen ikuspegi zabala eskaintzen digu (grabazioa, edizioa eta zuzeneko musika), sektoreko eragileak definituz eta haien funtzioak, arau-esparruak, praktika profesionalak eta merkatu-dinamikak aztertuz. pegi analitiko eta diziplinarteko baten bidez, egungo eztabaidak nagusiak mahaigaineratzen ditu ere: musikaren eta garunaren arteko harremana, ongizatea, osasuna, teknologia edota berrikuntza, besteak beste.Euskal eragileen ezagutza zein profesionalizazioa sustatzeko ezinbesteko tresna dugu, musikaren eszena globalean lehiatu eta hazteko beharrezkoak diren lanabesak eskaintzen dituena.Jon Icazuriagak bateratuta, izugarrizko lan hau sektoreko hogei kolaboratzaile baino gehiagok egina da, ekoizle, irakasle, artista, abokatu edota sustatzaile artean, besteak beste.

Liburuak

Lanbide bihurtutako grina

Mucho más que un manual de composición: es una bitácora íntima, una guía creativa y un homenaje a la música como forma de vida.En sus páginas, el músico, productor y docente Miguel Marcos Fernández, recorre de manera personal y colectiva el arte de escribir canciones, combinando anécdotas, referencias culturales, análisis musicales e incontables ejemplos que abarcan diferentes épocas, estilos y culturas, convirtiendo este libro en el único ensayo-manual de referencia en castellano sobre composición de canciones.Con más de veinte años de experiencia en la enseñanza musical, Miguel desmonta mitos sobre la inspiración y reivindica la rutina, la constancia y la experimentación como claves del proceso creativo. Su propuesta integra conocimientos técnicos con una mirada poética, reveladora y tremendamente inspiradora para enseñarnos a componer escuchando, imaginando y habitando el lenguaje musical con todos nuestros sentidos. El libro lo completa un epílogo con 500 ejercicios prácticos que servirán de mapa creativo para aquellos que se atrevan a emprender el camino hacia la canción perfecta.Sin requerir de conocimientos previos, este libro es un viaje iniciático para quienes empiezan a componer, pero también es una brújula valiosa para escritores de canciones experimentados, para músicos, docentes u oyentes curiosos que desean saber de dónde vienen las canciones. En definitiva, una carta de amor incondicional a la música.

Viaje hacia la cancion perfecta

Kama muta y lullaby es un cuento musical con un profundo carácter didáctico que se inspira en algunas de las teorías científicas más célebres acerca del gran misterio del origen y función de la música en la evolución humana. Mucho más atrás en el tiempo que civilizaciones antiguas, como Egipto, Mesopotamia, La India, o Grecia..., con este cuento nos trasladamos hasta la prehistoria musical. Texto, música e ilustraciones, se unen en este relato para dar visibilidad a tres aspectos excluidos habitualmente de la literatura y de la investigación: el papel de la mujer, la función de las artes y la del lenguaje no verbal en la formación de los primeros lazos sociales y culturales. El cuento representa el vínculo social de mayor apoyo: la conexión emocional, psicológica y física profunda, que se establece entre la mamá y su bebé a través del comportamiento universal de cuidado materno, donde la música toma un papel esencial. La inclusión de una nana, Nana kama muta, como pieza central de la narrativa, refuerza la idea de que la música ha sido una herramienta poderosa de vinculación afectiva desde los albores de la humanidad.En el cuento se exploran las emociones básicas, mientras música y danza emergen como un lenguaje universal con capacidad de unir a la humanidad mucho antes del desarrollo del habla o de la invención de la palabra escrita.Ilustrado por pequeños artistas, la autora invita al lector avanzado a concebir la manifestación artística como un comportamiento que favorece la expresión y comunicación de emociones y experiencias, tanto individuales como socio relacionales. A centrar el foco en la función social del arte. Además, permite poner en valor otras modalidades de comunicación, como la lengua de signos, transmitiendo a niños y jóvenes valores esenciales para su desarrollo social y afectivo. Este cuento se ha diseñado para público infantil, a partir de 5 o 6 años en adelante, hasta la adultez, sin límite de edad. La edición presenta un código QR con acceso a la narración y a la banda sonora original. Puedes practicar ejercicios divertidos de musicoterapia, diseñados para mamás y bebés, en familia. ¡Y también puedes disfrutar del cuento en concierto, en directo, o interpretado en lengua de signos!

Autoedición

Kama muta y lullaby

Continta Me Tienes (Errementari S.l.)

Tocar de oído

Este es el libro de un viaje al interior de la mente de un creador. Un viaje con anécdotas y, como no podía ser de otra manera, sentido del humor, que nos permite descubrir cómo tener curiosidad por las cosas de la vida, y que, unidas a inquietudes profundas, organiza las conexiones sinápticas del cerebro, creando una manera particular, única, de entender la naturaleza de la creatividad y cómo ponerla en práctica.Un viaje que va desde los griegos, Pitágoras, Platón o Aristóteles, hasta los fractales de Mandelbrot, pasando por otras muchas mentes que entendían las matemáticas, la física, la música y la profunda esencia que las unen. Un viaje de valores representativos que, de manera indirecta, nos permite adentrarnos en la personalidad de un genio y comprender y aprender cómo encontrar la inspiración en el conocimiento, porque es posible que aquello del saber no ocupa lugar sea cierto, pero te llena las estanterías de la mente con un sinfín de cosas que intentar y que hacer.Creo que los dos coincidimos en que con una sola vida no nos va a dar tiempo a hacer todo lo que quisiéramos, así que habrá que ir pensando en las siguientes reencarnaciones.Tal y como dijo el no solo gran matemático Gottfried Leibniz: «La música es el placer que experimenta la mente humana al contar sin darse cuenta de que está contando». De la misma manera que placentero es hacer el recorrido por la mente de Eduardo, que él mismo nos propone.

Edictoralia

Las matematicas, la musica y el musico (yo)

El hamburgués Johann Mattheson (1681-1739), además de teórico musical, estuvo activo como cantante, organista, compositor, maestro de música, diplomático al servicio de la embajada inglesa en Hamburgo, traductor, biógrafo, autor teatral e introductor en Alemania de la crítica musical basada en modelos periodísticos franceses e ingleses. Entre su vastísima producción literaria, Der vollkommene Capellmeister (1739) es, sin duda, el texto más prolijo, conocido e influyente. No solo eso: por la amplitud de su espectro temático y, en particular, por la precisión con que en él se desarrollan aspectos de retórica musical, este tratado, cuyo título traducimos como El Perfecto Maestro de Capilla, está considerado como uno de los tratados sobre música más relevantes de todos los tiempos. En esta obra de madurez, Mattheson, autor inusitadamente prolífico, hombre de vasta cultura y apasionado polemista, no restringe su voz a la enunciación puramente teórica (valiosa en sí misma), sino que retoma querellas iniciadas varias décadas atrás y somete a rigurosa crítica las músicas, acciones y opiniones de sus contemporáneos. Por otra parte, El Perfecto Maestro de Capilla posee cualidades literarias que lo singularizan: su lenguaje está menos determinado por la búsqueda de una expresión clara y concisa que por el ingenio, la brillantez argumentativa y aun el humor, prendas intelectuales que su autor exhibe con gusto, como efectos visibles de una erudición que eleva a cualidad necesaria en un buen capellmeister. Esta edición aspira también a hacer perceptibles estas virtudes para el lector hispanohablante y a ser, de ese modo, puerta de entrada de la inabarcable producción matthesoniana en nuestro ámbito lingu&#776;ístico, en el que todavía se encuentra inédita. El primero de los dos volúmenes contiene un estudio sobre el tratado, donde se examinan cuestiones relativas a la biografía del autor, a su producción en los ámbitos musical y literario, al proceso de gestación de la obra y a sus temas más importantes. El segundo volumen contiene la traducción crítica del tratado propiamente dicho; su paginación sigue fielmente la de la edición alemana de 1739, a fin de que su manejo resulte más fácil y sea posible, eventualmente, cotejar ambos textos en paralelo.

Johann mattheson: El perfecto maestro de capilla (hamburgo,

Estas 13 cartas de J. Mattheson dirigadas en 1717 a ilustres músicos del Barroco alemán constituyen una fuente valiosa para el estudio de la teoría de los tonos modernos.Este pequeño volumen reúne una serie de cartas, fechadas entre 1717 y 1720, del puño y letra de unos cuantos músicos ilustres del Barroco alemán: Telemann, Händel, Keiser, Fux, Kuhnau, Heinichen, Theile, los dos Krieger y algunos autores más. En ellas se dirime una polémica suscitada por Johann Mattheson (1681-1739) en 1717 relativa a la solmisación hexasilábica y los modos eclesiásticos. Su condena de ambos, previamente rechazada con encono por el organista Buttstett, necesita ser refrendada por jueces competentes en la materia. Ni corto ni perezoso, Mattheson escoge trece insignes maestros de capilla y, so pretexto de dedicarles su segundo tratado, solicita sus juicios al respecto de estas dos cuestiones que, en definitiva, son una sola: la eterna disyuntiva entre tradición y modernidad.La sensacional iniciativa de Johann Mattheson (1681-1739) nos permite asistir hoy a un intercambio de opiniones y saberes conducido tres siglos atrás por vía enteramente privada: un caso singular en la teoría de la música y, más aún, un hito para el incipiente periodismo musical.Las cartas recogidas en este volumen, originalmente editadas por Johann Mattheson en su Critica Musica de 1725 y nunca antes traducidas íntegramente a ningún idioma distinto del alemán, constituyen una fuente valiosa para el estudio de la teoría de los tonos modernos. La presente traducción crítica es secuela de la de Der vollkommene Capellmeister, llevada a cabo algunos años antes y publicada en 2021, también en la colección EdictOràlia Música. Con esta nueva publicación se pretende complementar la anterior, ilustrar mejor algunos aspectos del estudio preliminar que la acompañaba, perseverar en la divulgación del arborescente corpus teórico matthesoniano y poner de relieve su efecto renovador.Fernando Pascual León (Valencia, 1988) compagina su actividad profesional de violinista y docente con su curiosidad por la investigación musical y la literatura, prestando especial atención a la musicografía alemana del siglo XVIII. Es Licenciado en Filología Alemana por la Universitat de València, Titulado Superior en Violín y Composición por el Conservatori Superior de Música de València «Joaquín Rodrigo» y Máster en Música por la Universitat Politècnica de València. Como solista y miembro de diversos grupos de cámara, ha sido galardonado en numerosos concursos nacionales e internacionales. En 2017 y 2018, accede por oposición, respectivamente, a los cuerpos de Profesores y de Catedráticos de Música y Artes Escénicas de la Junta de Andalucía. En 2020, obtiene mención cum laude por su tesis doctoral, realizada en la Universidad de Castilla-La Mancha. Desde 2021, ejerce la docencia en el Conservatorio Superior de Música «Salvador Seguí», de Castellón.

Edictoràlia Llibres I Publicacions

Trece cartas sobre la solmisacion

Es una aportación pedagógica de incalculable valor para poder adentrarse en el estudio del contrapunto riguroso desde dos hasta ocho voces y la escritura a doble coro.Modelos para el estudio del Contrapunto I no es solo una obra teórica e ilustrativa sobre ôel arte de la combinación melódicaö, cuyos lejanos orígenes se remontan al siglo IX, sino una aportación pedagógica de incalculable valor para poder adentrarse en el estudio del contrapunto riguroso desde dos hasta ocho voces y la escritura a doble coro, así como en el complejo manejo de los movimientos armónicos. Fruto de años de docencia y de contrastada trayectoria como investigador, Vicente José Hervás Vila aborda el contrapunto con absoluta autoridad, a partir de numerosos ejemplos propios y detallados y concisos comentarios a pie de página, siempre desde una rigurosa justificación teórica e histórica. Incorporando criterios y metodologías de los maestros de la escuela valenciana de composición Francisco Tamarit, Amando Blanquer y Luis Blanes, así como otras opiniones de teóricos de referencia, el libro que tiene en sus manos es un manual eminentemente práctico y de guía, indispensable para los estudiantes de contrapunto, excelentemente razonado, contrastado teóricamente y contextualizado históricamente a través de grandes figuras de la polifonía universal.

Modelos para el estudio del contrapunto I

Texto fundamental para entender la génesis y práctica de la música de creación actual, escrito por un artista único en el actual panorama musical español.Topologías sonoras es un intento por descifrar el complejo pero apasionante mundo de la música de creación. El autor, amparado en su amplia experiencia en todos los campos musicales (composición, improvisación, interpretación -piano y dirección-, programación y edición, pedagogía, ensayo), propone un desentrañamiento del hecho musical contemporáneo en base a una docena de temas escogidos. A modo de topología en estrella, aquella que muestra una red en torno a un nodo central, cada capítulo se centra en una matriz común, que se disecciona para estudiar sus múltiples manifestaciones y formas sonoras.Algunos temas son de naturaleza tan inasible y poética como la primera entrega (las veinticinco formas del silencio), mientras que otros destacan por su mera fisicidad (las trece cualidades del sonido o los seis sonidos orquestales). Hay estudios tímbricos y canoros (las 22 voces de la voz) o de ámbito estrictamente técnico (acordes para el flamenco). Hay también lugar para perderse en los dédalos de la historia (cuatro claves para fechar el nacimiento del flamenco), en la desconcertante historiografía moderna (singularidades de las aportaciones cósmicas) o en la exploración de las cuestiones colindantes con la también laberíntica sociología musical (las cualidades del intérprete de música contemporánea) o de los terrenos de la estética (los sambenitos con que ha cargado el lenguaje musical de vanguardia). Los tres apéndices, de indudable carácter autobiográfico, hacen un balance retrospectivo de la música matérica del autor (motivo ya de media docena de tesis y trabajos fin de máster, así como de innumerables artículos sobre su música), de sus rupturistas aportaciones escénicas y de su respuesta artística como crítica a la sociedad.Así como es de versátil y caleidoscópico el lenguaje musical, así de disímiles y contrastadas resultarán las propuestas de cada capítulo, pudiendo perderse el melómano, musicólogo, profesional o aficionado a la lectura sin más, en discursos que navegan por la abstracción, la reflexión, el análisis, el ensayo estético, la exactitud de la técnica creativa, la ambigüedad de la metáfora o la subjetividad de lo autobiográfico. Sin renunciar a sondear el lenguaje de la pasión y del intelecto, el texto discurre con naturalidad por la disección más fría, rigurosa y analítica, junto a la ironía y el humor más comedido, la crítica más corrosiva con la sensibilidad y la poesía, la escucha del mensaje más sutil e intelectualizado con la voz popular. Siempre por la sorpresa y fascinación del lenguaje sonoro.

Topologias sonoras

Una declaración explícita, abierta y colectiva para repensar las artes como una herramienta de transformación.Escuelas creativas: escuelas del cambio nos muestra una declaración explícita, abierta y colectiva para repensar las artes como una herramienta de transformación. Una hibridación en donde las artes se entremezclan para generar nuevas formas enriquecidas en el abordaje de lo artístico en nuestras escuelas. En sus capítulos, encontraremos ideas, anhelos, realidades, experiencias desde lo formal, visiones desde lo informal, nuevos recursos y formas de pensamiento artístico, pero en la suma de todos estos planteamientos existe un posicionamiento claro de todas las personas que los han escrito. Una visión compartida que implica la necesidad imperiosa de dar el salto y provocar un cambio que permita la transformación de las artes en la escuela.Bajo la dirección de los profesores Jesús Tejada &amp; Adolf Murillo, ARTSLAB: Educación artística contemporánea&nbsp;es una nueva colección surgida&nbsp;en el seno del Institut Universitari&nbsp;de Creativitat i Innovacions Educatives (IUCIE), de la Universitat de València, en colaboración con la editorial valenciana EdictOràlia Llibres&nbsp;i Publicacions, y que tiene como objetivo&nbsp;principal generar una amplia reflexión y debate en torno a la creatividad&nbsp;artística y su desarrollo en el contexto educativo contemporáneo.Pretende erigirse en un foro que&nbsp;represente y amplifique la diversidad&nbsp;de voces, enfoques y contextos que,&nbsp;bajo el denominador común de una idea compartida alrededor de la creación artística multidisciplinar&nbsp;co mo herramienta de transformación, refuerce ese concepto de aprendizaje desde la emoción&nbsp;y la consciencia corporal.El primer volumen de la colección, Escuelas creadoras: escuelas del cambio, que ha contado con la coordinación de los profesores Adolf Murillo, Jesús Tejada, Mª Elena Riaño, Noemy Berbel y Remigi Morant, recoge los hallazgos, investigaciones, experiencias artísticas y procesos&nbsp;creativos de artistas y docentes situados&nbsp;a la vanguardia de la educación y&nbsp;la creación artística contemporánea.

Escuelas creadoras: Escuelas del cambio

Cuatro estudios en torno a la imbricación entre la represión política y la propaganda musical en los regímenes nazi y franquista.Los escenarios por los que transitan los cuatro estudios contenidos en el presente volumen muestran la estrecha relación existente entre diferentes modelos propagandísticos, de naturaleza musical, implementados en la Alemania nazi del III Reich de Adolf Hitler, y los llevados a cabo en España durante la dictadura del general Francisco Franco. Dichos estudios se ven completados con la aportación artística de obra gráfica reciente (2020).Ambos regímenes otorgaron un papel relevante a la música como expresión artística que debía contribuir a moldear una determinada sensibilidad política de signo autoritario, así como a impulsar una concepción patriótica basada en la exclusión del discrepante y en la eliminación del adversario. Los límites que separaban ambas categorías siempre fueron extremadamente difusos y, por tanto, su concreción solo respondía a interpretaciones arbitrarias, generalmente ajenas a toda norma legal.La creación de un nuevo corpus musical durante el período que es objeto de estudio, tanto en Alemania como en España, favoreció la edición urgente de cancioneros, poemarios, hojas volantes y discos, principalmente, como soportes en los que fijar los mensajes contenidos en canciones e himnos de guerra, contestados desde el campo opuesto con obras de lucha y resistencia.En las décadas de los años 30 y 40 del siglo xx, distintas fronteras europeas colapsaron, violentadas por fuerzas militares de ocupación que las atravesaron entonando alegres canciones populares, como si de una excursión juvenil se tratara; canciones cuyas melodías recordaban a los soldados sus orígenes pero no su destino, unido este, indefectiblemente, al del continente europeo.

Musica y represion política

La música de nueva creación (aquélla que aún no hemos creado y, por tanto, sólo está si acaso en nuestras mentes) se halla ante una bonita encrucijada, fruto de una situación más patente que latente: ya hemos escuchado todos los sonidos. Y no solamente los hemos escuchado, sino que, hoy en día, si bien quizá es un poco arriesgado afirmar que hemos escuchado todas las combinaciones posibles de sonidos, no lo es tanto decir que rara vez encontramos alguna combinación que nos sorprenda.Y aquí surge la primera pregunta ante la encrucijada: ¿es importante la sorpresa? Quizá no, y podemos simplemente colgar el cartel de "Fin de la Historia" y seguir componiendo sin más, utilizando todas esas técnicas ya históricas que hoy en día tenemos tan bien estudiadas y enseñadas. Pero quizá sí. O quizá echamos de menos aquello que, entre otras cosas, también nos aportan la sorpresa y lo nuevo: el no saber (lo que es, lo que viene, lo que suena), el cuestionarse, el que nos saquen de nuestro tonoàQuizá hemos perdido la fascinación por lo meramente sonoro, es decir, por el medio tradicional de la música como tal. Quizá el medi

Fuera de tono

La libre improvisación musical puede acabar despertando las consciencias de quienes la practican y la escuchan; hace reflexionar y provoca al pensamiento. El público que participa se ve impelido a renovar su escucha. Una escucha que piensa y siente, que se emociona e interacciona con los improvisadores, porque la improvisación libre posee esa taumaturgia que te eleva sobre el suelo, te enajena, te distancia de ti mismo y te pone en manos de los demás, mientras que el tiempo se congela y se adentra en el terreno de la ilusión, en el que solo se vive del ùy para elù instante.Todos los conceptos abordados a lo largo del libro constituyen, sin lugar a dudas, los cimientos y los ejes principales sobre los que se sostiene y gira la práctica de la libre improvisación musical, una actividad generadora de inteligencia emocional.

La libre improvisacion musical

T&B Editores

Los años ye-yé

Beatles 62

¿Qué es la música andalusí? ¿Es una música árabe? ¿Música ibérica? ¿Por qué hay fragmentos de melodía andalusí que son sospechosamente parecidos a otros del canto litúrgico medieval occidental? ¿Acaso los musulmanes llegados a al-Ándalus se encontraron con un desierto árido, un pueblo primitivo y ningún rastro de herencia cultural? ¿Dejaron los mozárabes de cantar sus canciones de bodas o cantos litúrgicos durante toda la época andalusí? ¿Acaso los andalusíes «árabes» nunca oyeron el canto autóctono de los hispano-romanos hasta que lo revelara Avempace a principios del siglo XII? ¿Olvidaron los musulmanes de origen hispánico sus canciones y sus inclinaciones musicales ancestrales? Y por otra parte ¿por qué no existe una definición del modo musical andalusí? ¿Es cierto que la música andalusí vive una grave degeneración en la época actual? A todas esas preguntas contestará Amin Chaachoo en este libro, que divide en tres capítulos: «Historia de la música andalusí», la primera historia de la música andalusí que contempla las componentes no árabes antes y durante la época andalusí; «Conceptos», definiciones, explicaciones y crítica de la situación actual de la música andalusí y «Teoría de la Música Andalusí», donde por primera vez se propone una teoría musical andalusí completa y coherente con la realidad cultural de al-Ándalus.

Almuzara Editorial

Musica andalusi, la (n.e.)

La música andalusí, como género emanado de una civilización avanzada, y creado primordialmente, por un filósofo racionalista como lo era Avempace, goza de una coherencia inteligible en todos sus aspectos estructurales. Por dicha razón, el análisis filosófico del mismo se revela posible, y capaz de aportar no solo una visión racional de sus melodías y aspectos culturales, sino también el cómo tratarlos y a fín de gozar del mismo sin alterar su esencia.En Filosofía de la música andalusí, el célebre músico y musicólogo tetuaní Amin Chachoo realiza un recorrido histórico por la música andalusí, desde sus orígenes más remotos en el mundo árabe oriental y el mundo grecolatino occidental, hasta la era contemporánea.Un análisis de las melodías andalusíes en base a la filosofía de su autor, quién no solo define los estados de los seres y su devenir, sino también una cierta jerarquía de los intelectos que se revela estar en armonía con las diferentes dimensiones de la música andalusí, en sus vertientes estática y dinámica.

Almuzara

Filosofía de la musica andalusi

Para los amantes de la ópera en nuestro país, el nombre de José Luis Téllez y su enciclopédico cono¡cimiento del tema no suponen ninguna novedad. Pero sus reflexio¡nes, aunque más abundantes en ese terreno, no se han ceñido a lo largo de años a este tema, sino que se han centrado en territorios más am¡plios, de contenido estrictamente teórico, en torno al discurso musical &quot; tout court &quot; y, sobre todo, en el análisis de la función narratológica de esa tipología específica que conocemos como &quot; música de cine &quot; . El presente volumen recoge tra¡bajos elaborados en casi un cuarto de siglo. No se trata del trabajo intelectual de alguien interesado en muchas cosas diferentes, sino de quien se plantea problemas epis¡temológicos de fondo, aunando co¡nocimientos de teoría del discurso, de historia de la música, de teoría e historia del cine y de teoría política. Porque sus textos siempre han sido de intervención simultánea en todos esos terrenos, aunque nada de eso haya ayudado precisamente al conocimiento masivo de un pensamiento crítico que lo me¡rece, por méritos propios, como pocos en nuestro contexto.

Ediciones Cátedra

Paisajes imaginarios

Un libro para aprender a escuchar de forma activa y atenta, reconocer los elementos rítmicos, melódicos y armónicos de cada música, e iluminar la experiencia auditivaBajo lo que se conoce como «música clásica» se esconden siglos de historias sobre búsquedas, hallazgos y revoluciones sonoras fascinantes. Acercarse a ellas desde una escucha despreocupada ofrece la posibilidad de pasear sin rumbo, dejarse llevar y disfrutar de caminos que conducen a lugares desconocidos y maravillosos. Sin embargo, desarrollar un tipo de escucha más concreta que busque responder a la pregunta de cómo funciona la música puede abrir una enorme puerta que permita disfrutarla de una manera completamente nueva.

Temporal Casa Editora

Musica

Anotaciones y reflexiones acerca de la composición desde la música, la literatura y la arquitecturaDicen que si estamos perdidos en un desierto e intentamos avanzar en línea recta, vamos a tender a caminar en círculos en el sentido opuesto al de las agujas del reloj porque nuestra pierna derecha está más desarrollada. Algo similar podría pasar con la escucha en la vida cotidiana. En el desierto, podríamos ampliar nuestra percepción y buscar algunas señales. Si no hay nada, podemos intentar percibir de dónde viene el viento, qué pasa con el sol, dejar algunas marcas sobre el camino recorrido, como pasa en tantos cuentos populares. Para evitar girar sobre nosotros, en el desierto de la escucha, también podemos seguir algunas huellas, que podrían ser nuevas obras, sujetos que generan un territorio imaginario. Pistas que no sirven para marcar un único sentido sino para desarmarlo.

Ensayos Filosoficos Vol. 2 (2026)

Del Idolo Al Algoritmo (2025)

Musica Para Mujeres En La España Del Siglo Xviii (2025)

Mediando El Mundo. Musica, Prensa Y Consenso En La Transicion (2026)

Lanbide bihurtutako grina (2025)

Viaje hacia la cancion perfecta (2025)

Kama muta y lullaby (2025)

Tocar de oído (2020)

Las matematicas, la musica y el musico (yo) (2023)

Johann mattheson: El perfecto maestro de capilla (hamburgo, (2022)

Trece cartas sobre la solmisacion (2022)

Modelos para el estudio del contrapunto I (2019)

Topologias sonoras (2022)

Escuelas creadoras: Escuelas del cambio (2020)

Musica y represion política (2021)

Fuera de tono (2024)

La libre improvisacion musical (2024)

Los años ye-yé (2011)

Beatles 62 (2011)

Musica andalusi, la (n.e.) (2025)

Filosofía de la musica andalusi (2025)

Paisajes imaginarios

Musica (2023)

El libro de las fuerzas (2023)