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La corte virreinal de Nápoles fue durante los siglos XVI y XVII un espléndido escenario para la representación del poder imperial de los Austrias. Fiestas y ceremonias sirvieron para exaltar la función de los reyes y virreyes españoles, que propulsaron su política cultural a través de la creación de academias y el estímulo de la producción artística, literaria, musical y teatral. Este volumen recoge las actas del simposio internacional dedicado a este tema por el Instituto Cervantes de Nápoles y el Centro de Estudios Europa Hispánica, reuniendo a los mejores especialistas en el estudio de las pautas y el sentido de aquellas celebraciones públicas en la mayor capital del Imperio.

Fiesta y ceremonia en la corte virreinal de nápoles (siglos XVI y XVII)

"En ningún lugar alcanza el ser humano una presencia visual mayor que en su rostro. Por eso llevamos milenios tratando de descifrarlo a través de imágenes que, no obstante, acaban fracasando en su intento de captar el semblante vivo.El presente volumen conforma la primera historia sobre el tema, con un enfoque en el que se dan cita la Historia del arte, la Antropología, la Psicología o la Neurociencia, entre otras disciplinas. Una historia que comienza con las primeras máscaras de la Prehistoria y termina con los rostros que producen los medios digitales. En las máscaras teatrales y en la gestualidad de los actores, en el retrato europeo y en la fotografía, en el cine y en el arte actual, el lector podrá descubrir los múltiples intentos que se han hecho para apoderarse de ese rostro vivo, así como su permanente frustración, pues al final esa vida se resiste a toda norma de representación e interpretación. La propia retratística de la Edad Moderna europea lo único que acabó produciendo fueron máscaras. Incluso el cine, que mostraba el rostro con un grado de intimidad sin parangón, salió mal parado de su pretensión de plasmar por primera vez al ser humano en una imagen «real».Una apasionante exploración que pone de manifiesto cómo las imágenes van continuamente en pos de ese rostro vivo y por qué nunca alcanzan su objetivo. Un rostro que desempeña un papel crucial en la comunicación humana, pero que, sin embargo, desafía cualquier intento de representación visual."

Caras

¿Quiénes somos cuando nos narramos? ¿Quién es ;cómo es; el sujeto espectador de la contemporaneidad cuando se refleja en un sujeto artista?   Estas son algunas de las preguntas que surgen frente a los trabajos autobiográficos de un gran número de artistas de las últimas décadas, quizás porque la autobiografía acaba por estar en cada rincón del relato cultural. Se trata de una cuestión en la cual siempre queda una pregunta: ¿de verdad son así, de verdad soy así? La verdad, la autenticidad y todos los malentendidos que genera su puesta en escena podrían ser una de las claves de esta fascinación. Haciendo un recorrido por obras de artistas como Boltanski, Kabakov, Calle, Anderson o Shonibare, entre otros, este libro plantea algunos de los problemas que se generan en torno al texto autobiográfico, las relaciones que la fotografía tiene con la performance y la imposibilidad de mantenerse a salvo del nuevo espectador, quien en  el acto mismo de contemplar desde el punto de vista del objetivo fotográfico se redefine en su subjetividad.

No soy yo

En 1993, Guy Debord redactó este pequeño volumen ùel último libro que publicó en vidaù para refutar muchas de las opiniones emitidas sobre la I.S., sobre sus libros y sobre su persona entre los años 1988 y 1992.

Esa mala fama

Una deslazada y ondulosa cabellera de mujer ha sido, secularmente, un elemento de enorme admiración y, asimismo, de capacidad turbadora en los mitos eróticos de la sociedad masculina, un agente fetichista incitador de secretas fantasías en su imaginación, que se manifiestan tanto en la literatura como en el arte. Sin embargo, aquella "corona real de la femineidad", como la calificó Paracelso, ha encontrado condenas y restricciones morales y religiosas en muchos periodos de la historia. A pesar de ello, el pelo, su adorno, cuidados y belleza, ha inspirado a multitud de poetas, literatos y pintores, como recogen las páginas de este libro. Desde Ovidio al caballero Brantôme, hasta los modernistas, su glosa ha sido una constante en los campos de la sensibilidad artística.

Cátedra

La cabellera femenina

En 1538, Francisco de Holanda, joven pintor de veinte años y humanista en ciernes, viajó a Italia por orden de Juan III de Portugal para ilustrar «las fortalezas y obras más insignes» de aquella tierra. Esta misión diplomática le permitió visitar varias ciudades italianas y conocer, en Roma, a Miguel Ángel, que entonces tenía sesenta y tres años y se había convertido en el artista más influyente de Europa. Los diálogos recogidos en este volumen recrean literariamente las conversaciones sobre arte que Francisco mantuvo con el maestro en las reuniones que organizaba la poetisa Vittoria Colonna? gran amiga de Miguel Ángel y destacada figura del Renacimiento italiano?, en las que también participaron otros artistas de la época. Esta cuidadosa edición no sólo nos ofrece una original pieza literaria en que las voces y opiniones singulares de un buen número de personajes ilustres suenan plenamente vivas, sino también una obra de un gran interés histórico, pues contribuyó a la difusión de la novedosa idea de creación artística que se impondría en Occidente durante los siglos venideros.

El Acantilado

Diálogos de roma

Uno de los proyectos más osados y geniales de todos los tiempos consistió en transformar la mente humana en un organismo artificial infinito haciendo de él un teatro poblado de palabras, imágenes e ideas posibles, una enciclopedia de todos los saberes, una biblioteca capaz de producir mediante una combinatoria relaciones ordenadas y visibles entre aquellas ideas, aquellas imágenes y aquellas palabras. Así, en los primeros años del Cinquecento, en la civilización de un Américo Vespúcio, Copérnico, Ariosto, Miguel Ángel, Erasmo de Róterdam e Ignacio de Loyola, un humanista italiano, amigo de poetas y de médicos, de pintores y de monarcas, Giulio Camillo, soñaba con mutar la propia mente y la de cualquier ser humano en un edificio interior, en una estupenda máquina de memoria y creatividad, capaz de realizar una metamorfosis de sí mismo y del mundo por medio de la concentración, el ejercicio espiritual y el dominio de la abisal red de la Sabiduría.    A principios del siglo XX, estudiando también las obras de Camillo, Aby Warburg, historiador del arte, formidable erudito y antropólogo, inventó una extraordinaria ;ciencia sin nombre;, que hoy se ha convertido en un método de investigación acerca de las relaciones de imágenes y textos. Warburg buscaba en los textos e imágenes de cualquier época las huellas dinámicas (dinamogramas) del imaginario, según un modelo no muy distante del de Jung, reconociendo en cada gesto cultural un síntoma colectivo, revivido por los individuos.

El teatro de la mente

http://www.ceeh.es/coleccion.cfm?idCatPubli=243&idPublicacion=697

Poder y saber. Bibliotecas y bibliofilia en la época del conde-duque de olivares

Editorial Ariel S.a.

Breve historia de la cultura

Aunque distinto e independiente, este libro es hasta cierto punto complementario de Reflejos y sombras, libro de memorias de Saul Steinberg publicado en esta misma colección. Contiene la correspondencia enviada por Steinberg a Aldo Buzzi, amigo y privileg

Cartas a aldo buzzi, 1945-1999

Booket

La gioconda y leonardo

Aby Warburg y el pensamiento vivo presenta un coro de voces de filósofos, filólogos e historiadores de la cultura, que aparecen juntos por primera vez como elementos de una misma constelación de pensamiento: Giorgio Pasquali, Mario Praz, Gertrud Bing, Arsenio Frugoni, Giorgio Agamben, Guglielmo Bilancioni, Alessandro Dal Lago, Gianni Carchia, Salvatore Settis, Kurt W. Forster y Maurizio Ghelardi, cuyos ensayos fueron publicados originalmente en revistas o en ediciones ahora inaccesibles, y abarcan un arco cronológico que va desde el inicio de la década de 1930 hasta los primeros años del siglo XXI. Once aportaciones, todas surgidas en ámbito italiano (incluidos Gertrud Bing y Kurt Forster, «italianos de elección»), que representan la línea del «pensamiento vivo» de Warburg. Así, vinculados en el nuevo marco interpretativo que propone Monica Centanni, muestran con claridad un trazado que mitiga tantos equívocos y mistificaciones para recuperar y revalorizar la importancia metodológica de Aby Warburg en la historia de la cultura europea. Este libro impulsa el verdadero sentido, inédito hasta el momento, de su método y de su herencia; sobre todo, la organización revolucionaria de su Biblioteca, trasladada en los años treinta de Alemania a Londres, y el Atlas de la Memoria (Atlas Mnemosyne), la pionera machine à penser, instrumento esencial e inagotable que estimula infinitas conexiones entre forma y contenido.

El Árbol Del Paraíso

Aby warburg y el pensamiento vivo

La literatura y arte modernistas de hasta bien mediado el siglo XX nos resultan ahora tan ajenos como la Antigüedad a los renacentistas. Tal es la premisa de esta nueva y cardinal obra de Fredric Jameson, en la que las obras maestras de la modernidad desde Rubens en pintura, hasta Wagner y Mahler en música se contraponen al arte de la modernidad tardía (como la narración cinematográfica) y a numerosos experimentos posmodernos (desde la cienciaficción y The Wire, pasando por Eurotrash en la ópera, hasta Altman y la literatura de la Alemania del Este). Obras y manifestaciones artísticas que comparten, de maneras muy diferentes, la pretensión de desvelar nuevas formas de entender una totalidad social específica. A lo largo de los diferentes periodos históricos analizados, razonaJameson, la cuestión de la narrativa perdura a través de numerosos cambios formales y metamorfosis.

Plataforma Editorial

Cuestiones De Antagonismo

Los antiguos y los posmodernos

En este libro, basado en las conferencias que dictó en Roma en 1976, Iris Murdoch examina la visión de Platón sobre el arte y, en particular, las razones de la manifiesta hostilidad del filósofo hacia él.   Para ello la autora, al tiempo que realiza un sintético recorrido por los elementos que fundamentan las teorías platónicas sobre la Belleza, busca una explicación al hecho de que el pensador griego atribuyera tanta importancia en su obra al papel que desempeña la Belleza, pero, paradójicamente, denigrara a los artistas. Apoyándose en el contraste entre las engañosas sombras del fuego de la Caverna y la luz del sol, iluminadora de la Verdad, Murdoch pone de relieve la labor primordial que desempeñan los creadores en la revelación de lo trascendente.   Su certero examen se ve además enriquecido con las ideas sobre esta inagotable y apasionante cuestión de figuras tan destacadas como Kant, Kierkegaard, Freud, Tolstói o Jane Austen.

Biblioteca De Ensayo - Serie Mayor

El fuego y el sol

Durante más de 30 años, Jameson ha sido uno de los teóricos de la literatura más productivos en el mundo anglosajón. En el momento de su publicación, este libro fue un estudio pionero de la obra de los grandes teóricos marxistas europeos (Adorno, Benjamin, Marcuse, Bloch, Lukács, Sartre), desatendidos durante muchos tiempo (desatención que, en más de un caso, sigue vigente) por el mundo académico. Mediante penetrantes lecturas de cada uno de ellos, Jameson desarrolla un método crítico que ha tenido una gran influencia, al proporcionar un marco para analizar las conexiones entre el arte y las circunstancias históricas de su realización, en particular el modo en que los artefactos culturales deforman, reprimen o transforman sus circunstancias mediante las abstracciones de la forma estética.La presentación del pensamiento crítico de este marxismo hegeliano ha constituido una fuerte y convincente alternativa tanto a las corrientes empiristas y humanistas, en un primer momento, como posteriormente al postestructuralismo y la deconstrucción cuando estas tendencias metodológicas se convirtieron en metodologías dominantes de la crítica estética.

Marxismo y forma

Este volumen reúne algunas de las más luminosas ideas de William Morris contra las nocividades de la civilización moderna.  La arquitectura, la restauración de los monumentos antiguos, la función de las artes aplicadas, la visión utópica de la sociedad futura, la apuesta por que el trabajo sea una fuente de felicidad y no el mal de males o la denuncia sin paliativos de los sucedáneos que nos ofrecen como las formas acabadas de la felicidad, son algunas de las cuestiones sobre las que William Morris, con su habitual tino, argumenta. Lo sorprendente es que, casi ciento cincuenta años después de ser escritos, los textos de Morris siguen dando aliento a la crítica del espantoso mundo que la civilización de la mercancía está dejando tras su paso.   Editado por Olivier Barancy y traducido por Javier Rodríguez, La era del Sucedáneo es un complemento perfecto de nuestro anterior libro de Morris Cómo vivimos y cómo podríamos vivir, y también un inmejorable acercamiento a las aportaciones teóricas de quien sin duda es uno de los más lúcidos críticos -de todos los tiempos- de la sociedad capitalista.

La era del sucedáneo

«Voy a contar como testigo la apasionada vida de Amedeo Modigliani, artista angustiado que combatió la desgracia con toda su innata nobleza; la apasionada vida de Amedeo Modigliani, cuyo destino se cumplió en Francia y que en su miserable lecho de muerte susurró: "Cara Italia! "». Artista genial, Amedeo Modigliani llegó a París desde la lejana y luminosa ciudad toscana de Livorno y vivió con intensidad «les Années folles» de Montparnasse, nuevo centro de la bohemia artística. Fallecido con treinta y cinco años a principios de la década de 1920, consumió su vida entregándose con el mismo frenesí a la creación artística y al amor, como si confiara en desafiar a la muerte haciendo que cada instante valiera el doble. El poeta y crítico de arte André Salmon, amigo y compañero de Modigliani, recuerda al pintor en este libro, en el que, como si de una novela se tratara, pinta un magnífico fresco de la extravagante y tumultuosa vida en París a principios del siglo xx.

La apasionada vida de modigliani

Más allá del arte establecido, son ya varias las generaciones de artistas, en su mayor parte estadounidenses, que han ofrecido una perspectiva pictórica radicalmente distinta del arte moderno. Influidos por la cultura pop, los cómics, la ciencia ficción, el cine fantástico, la serie B, el graffiti, el punk, el rock, los dibujos animados, los videojuegos o lo juguetes, han combinado ese abanico para crear lo que se ha dado en llamar "surrealismo pop".  Joan S. Luna, redactor jefe de la revista musical MondoSonoro, repasa cuáles han sido los antecedentes artísticos o las corrientes previas que han influido a buena parte de los creadores que aparecen en sus páginas, precisando que la influencia de surrealistas como Ernst, Picasso, De Chirico, Dalí o Magritte resulta fundamental para muchos de los artistas que forman parte del movimiento que nos ocupa, mientras que el pop art deviene una influencia más conceptual que estética.  Los colores del underground busca, a través de 22 entrevistas realizadas por el propio Luna a otros tantos autores, ofrecer una muestra representativa del actual panorama del surrealismo pop y dar a conocer a sus artistas más destacados.  Entrevistas e ilustraciones de Gary Baseman, Víctor Castillo, el Gato Chimney, Xiaoqing Ding, Ron English, Alex Gross, Femke Hiemstra, Yoko D'Holbachie, Stephen Kasner, Chris Mars, Sergio Mora, Heiko Müller, Scott Musgrove, Kathie Olivas, Brandt Peters, Gonzalo Rueda, Greg Simkins, Jeff Soto, Nathan Spoor, David Stoupakis, Eric White y Martin Wittfooth.

Astiberri

Sexto Piso Editorial

Los colores del underground

El catálogo homónimo de la exposición Valores del diseño. La utilidad en el diseño subraya la existencia de una relación mutua entre los dos términos del binomio. En pocas palabras, crear objetos prácticos es la razón de ser del diseño. Sin embargo, con frecuencia utilidad y diseño aparecen como valores muy distintos, cuando no opuestos.  Como nos recuerda el comisario de la muestra y coordinador de este volumen, Oriol Pibernat, la confusión se produce porque la forma se percibe como algo que atañe sólo al estilo, algo distinto de la utilidad. Se olvida que en el diseño la forma concierne tanto al estilo como a la estructura técnica, a los procedimientos y materiales, a la comunicación y a todas aquellas decisiones susceptibles de transformarse en el tipo de beneficios prácticos que esperamos obtener de un producto.  En estas páginas se muestran y analizan objetos de tipos, sectores y procedencias muy diversos: menaje de cocina, herramientas de ferretería, mobiliario urbano, productos de limpieza, periódicos, envases, sistemas de transporte, etcétera. Hay innovaciones que han salido al mercado hace pocos meses y otras que llevan en él más de treinta años, artículos minoritarios y productos de gran consumo, diseños de autor y diseños realizados por equipos de la empresaà Esta diversidad ejemplifica el carácter transversal que tiene la búsqueda de mejoras utilitarias en los procesos de diseño y en el desarrollo de nuevos productos.  Esta catálogo acompaña la tercera de las cinco exposiciones que el Círculo de Bellas Artes y la Sociedad estatal para el desarrollo del diseño y la innovación -ddi- han programado para 2007 y 2008. El compromiso, la ilusión y el trabajo conjunto de ambas instituciones quieren convertir al CBA en un espacio de referencia para el diseño, con carácter propio y con una vocación: transmitir los valores del diseño a través de exposiciones prácticas, didácticas y cercanas a los ciudadanos.

Valores del diseño: La utilidad en el diseño

Entre México y Nueva York, Gloria Cortina es una de las más celebres diseñadoras actuales de interiores. Prácticamente todos los muebles, telas, revestimientos para el suelo, y la iluminación que utiliza para decorar esos interiores son piezas únicas diseñadas por ella, y realizados por sus equipos de artesanos colaboradores. Este libro aborda el diseño de una manera peculiar. A Gloria Cortina lo que menos le interesa es mostrar su obra simplemente como una marca; ella piensa que el diseño deber ser una expresión contemporánea de arte y cultura. Por ello, las imágenes y los textos en sus páginas descubren, sutil y exquisitamente, muchas de sus ideas esenciales y el carácter de sus diseños y composiciones excepcionalmente sensuales, donde la estética de la herencia cultural de México se revela bajo la mirada de una creadora del siglo XXI.

Gloria cortina. México

Vicente Rojo (Barcelona 1932), después de estudiar en l'Escola Elemental del Treball, viaja a México para encontrarse con su padre, exiliado político de la Guerra Civil. Será allí donde desarrolle su obra pictórica, hasta el punto que se le considera uno de los artistas más influyentes de la corriente abstraccionista mexicana, así como su faceta como impulsor de numerosas empresas culturales.  Escrito/Pintado ofrece un recorrido por la obra de Vicente Rojo y reúne una destacada selección de obras de diseño gráfico y editorial, libros de artista, series de escultura y pintura, bocetos y grabados, en los que se despliega una multitud de negociaciones entre la letra impresa, el signo como gesto y la pintura como proceso.

Vicente rojo. Escrito/pintado

Juan Caramuel Lobkowitz (1606-1682), el más prolífico y original polígrafo del Barroco hispánico, destacó por sus poco convencionales intereses arquitectónicos. La inusual trayectoria del cisterciense madrileño propició que sus juveniles y castellanas reflexiones sobre la arquitectura adquiriesen en Flandes, en el Imperio y sobre todo en Italia matices nuevos, debidos tanto al cultivo del racionalismo proyectivo como a la delectación retórica. Inquisitivo y probabilista, dio a la estampa los tres volúmenes de la Architectura civil recta y obliqua (Vigevano, Camillo Corrado, 1678), sin duda el más extenso y ambicioso tratado de arquitectura hasta entonces escrito en lengua española.  Consciente, como hombre del siglo XVII, del valor de la certeza tanto para la arquitectura como para la tratadística, se sirvió de la segunda para defender la cientificidad de la primera, lo que le llevaría a convertirse en nexo privilegiado entre la evolución europea y un medio español especialmente complejo, el de la transición de los Austrias a los Borbones. Las cavilaciones del desprejuiciado teórico encierran aspectos de sorprendente modernidad: no en vano aspiraba a un clasicismo «abierto» y «oblicuo» que, en lugar de valerse del canon vitruviano para sobrevolar la contingencia histórica, abriese el camino hacia una nueva y racional plasticidad.   Jorge Fernández-Santos Ortiz-Iribas, licenciado por la Universidad de Cornell, se doctoró en 2005 en la Universidad de Cambridge. Becario predoctoral en la Real Academia de España en Roma y postdoctoral de la Fundación Gerda Henkel de Düsseldorf, su trabajo actual como investigador del subprograma Ramón y Cajal adscrito a la Universitat Jaume I versa sobre los intercambios culturales hispanoitalianos a finales del siglo XVII y principios del siglo XVIII.

Juan caramuel y la probable arquitectura

La noción general que se tiene del arte japonés clásico es que tanto éste como la cultura que lo produjo eran pastoriles, embebidos en el paisaje y la imaginería floral. Si bien esto es en parte cierto, precisamente una de las grandes épocas en el arte japonés aconteció durante el desarrollo de la cultura urbana en el periodo Edo. De hecho, esta etapa tomó el nombre de la espléndida Edo (actual Tokio), sede del poder del sogunato Tokugawa durante aproximadamente dos centurias. Junto con la ciudad imperial de Kioto y las ciudades portuarias de Osaka y Nagasaki, Edo alimentó una magnífica tradición de pintura, caligrafía, grabado, cerámica, arquitectura, trabajo textil y lacado. En un nuevo y refrescante estudio del arte del Japón Edo, Christine Guth hace un recorrido por este arte y sus artistas desde una inusual perspectiva urbana. Del mismo modo que cada ciudad creó su entorno social, político y económico distintivo, su arte adquirió un sabor y una estética únicos, lo cual contribuyó al desarrollo de la identidad independiente de cada centro. Cuando más tarde Japón se enfrentó a la cultura europea en su propio territorio, el arte japonés comenzó a reflejar y a absorber nuevas influencias radicales. momento también en el que las estampas japonesas llegaron a Occidente. En esta obra se recogen los artistas japoneses más populares ?los grandes pintores y xilógrafos Korin, Utamaro y Hiroshige? y otros menos conocidos. Todos se contemplan en el contexto de las ciudades donde trabajaron, y donde cuyas rivalidades y realizaciones produjeron un arte extraordinariamente vital e innovador en uno de los periodos más dinámicos de la historia del Japón.

El arte en el japón edo

En 1924 se publica &quot; Idea &quot; de Erwin Panofsky, para mu¡chos su primer trabajo ambicioso y, desde luego, una propuesta seminal de lo que van a ser sus contribuciones posteriores donde se plantea una pregunta reiterada: ¿qué significados se esconden tras las apariencias de las imágenes? El libro, en diálogo con Cassirer, se aproxima a los asuntos de lo bello y el arte en los diálogos de Platón y llega en un ámomento esencial para la construcción de los cimientos de la Historia del arte que empieza a consolidarse de la mano de Riegl, W"lfflin y Warburg ùeste último decisivo para Panofskyù, quienes entre mediados de los 80 y finales de los 90 del 1800 áelaboran los principios fundacionales de la disciplina tal y como se la conoce. Aunque lo más interesante del autor, cuyo vastísimo conocimiento que despliega frente al apabullado lec¡tor contemporáneo que aspira a empaparse de la cul¡tura prodigiosa de la cual hace gala, es una forma de trabajo desjerarquizada que parece aplicarse de igual manera a todas las obras sin átener en cuenta la "calidad" de las mismas. Esa mirada desjerarquizada plantea una idea muy contemporánea, próxima a los "estudios vi¡suales": a cada época le corresponde un sistema de representación visual que facilita la lectura de cualquier imagen que surge dentro del mismo. Es esa particularidad de su pen¡samiento la que preludia una mirada actual que vuelve a situar a Panofsky en el centro de una indudable dis¡cusión moderna.

Idea

Fiesta y ceremonia en la corte virreinal de nápoles (siglos XVI y XVII) (2013)

Caras (2020)

No soy yo (2011)

Esa mala fama

La cabellera femenina (2021)

Diálogos de roma (2018)

El teatro de la mente (2017)

Poder y saber. Bibliotecas y bibliofilia en la época del conde-duque de olivares

Breve historia de la cultura

Cartas a aldo buzzi, 1945-1999 (2012)

La gioconda y leonardo

Aby warburg y el pensamiento vivo (2023)

Los antiguos y los posmodernos (2019)

El fuego y el sol (2016)

Marxismo y forma (2016)

La era del sucedáneo (2016)

La apasionada vida de modigliani (2017)

Los colores del underground

Valores del diseño: La utilidad en el diseño (2008)

Gloria cortina. México (2015)

Vicente rojo. Escrito/pintado (2015)

Juan caramuel y la probable arquitectura (2014)

El arte en el japón edo (2009)

Idea (2013)