«En estas páginas estoy recorriendo, recordando y dialogando, mi visita a la muestra retrospectiva de Francis Bacon que el Museo del Prado realizó con motivo del centenario de su nacimiento. Después de atravesarla más de una vez, muchas veces, e invirtiendo el orden histórico, pasé a otras de las muestras exhibidas en las salas del Prado: Entre dioses y hombres, sugerente y algo pretencioso nombre de la colección de obras del Mueso Albertinum de Dresde». De este choque estético e inesperado Hugo Mújica reflexiona sobre las distintas formas de mirar que ha desarrollado Occidente, sobre «lo uno y lo múltiple, la identidad y la diferencia, la luz y la sombra, la pasión y la razón, la carne y el espíritu".

Tapa blanda

Español

Vaso Roto Ediciones

Vaso Roto

La carne y el mármol

El hiragana es la escritura creada por las mujeres japonesas durante el período Heian para poder expresarse en su propia voz, cuando se les impidió aprender los kanji. Tras un breve repaso a la fascinante historia del antiguo Japón y el arte de la caligrafía, Mª Eugenia Manrique nos sumerge en el origen de esta escritura caligráfica libre y expresiva, entendida como iniciación al shod? o «camino de la escritura»; un arte que se describe como un medio para cultivar el ser interior, a través del cual se alcanza un estado meditativo de quietud mental y armonía.  De manera detallada, el libro muestra las indicaciones necesarias para comenzar el aprendizaje del hiragana incluyendo los modelos de los 46 kana que lo conforman y finalizando con el antiguo poema iroha, reflejo del sentir de la impermanencia, en el cual se contienen sin repetición todas las sílabas del hiragana.

Editorial Kairos Sa

Kairos

Mano de mujer

Pese al título, este libro no ofrecerá ni consejos ni recetas para saborear la pintura, es más, el deseo del autor es sembrar o mejor dicho consolidar una duda, la duda sobre la capacidad de poder " saborear " una obra de arte en ausencia de su comprensión. Es decir, que el placer de una obra aumenta con el conocimiento del contexto de su creación es uno de sus postulados. Las obras que se analizan en este texto fueros realizadas en épocas diferentes y emplean estrategias de seducción diferentes: unas son imágenes hechas para príncipes ( " La Fiesta de Venus " , de Tiziano), otras para la Corte absolutista ( " La Rendición de Breda " , de Velázquez), y también para el público " people " (las serigrafías de Warhol), otras incluso para el propio artista (los autorretratos de Rembrandt). La capacidad de interpelación de la obra de arte es grande y acercarnos a ella significa dejarse llevar por el juego de la interpretación. Interpretar para comprender, para degustar, para gozar. La manzana que el amorcillo de " La Fiesta de Venus " de Tiziano huele, muerde o se dispone a lanzar al espectador es una señal de complicidad. Una señal, tan sensual, tan comestible. Pero hay otras, menos evidentes, más secretas. Este libro pretende ayudar a descubrirlas.

Ediciones Cátedra

Cátedra

Cómo saborear un cuadro

De la misma manera que somos la única especie a la que constantemente le crece el pelo, somos también el único ser que cocina. Tras El mono gastronómico, el lector escuchará la resonancia de dos obras conocidas: El mono desnudo y El mono gramático, de Desmond Morris y Octavio Paz, respectivamente. De este doble eco surge el título de este libro, como un cruce, un híbrido, de preocupaciones de variado pelaje, relacionadas con dos habilidades del ser humano que le han permitido evolucionar, mejorar la especie: el arte y la gastronomía. El hecho de que una herramienta, unos guijarros de filo cortante con los que filetear la carne, haya podido ser más determinante en la evolución humana que el uso del fuego y la cocción en agua, es un asunto discutible que, paralelamente a la recuperación de la artesanía como el dominio de los procedimientos, se aborda aquí. Se intenta entender la gramática oculta de la gastronomía; comprender la inspiración y la creatividad que puedan encerrarse en una receta o en un objeto que sirve para beber, como el porrón o el botijo: «objetos primigenios». De la poesía se ocupa en el capítulo dedicado a «La última cena», que descubre el menú de Jesús y sus discípulos en el cuadro de Leonardo, pero, sobre todo, valora el gesto de las últimas cenas de los condenados a muerte y de los mismos grandes chefs. El mono gastronómico aborda, además, esa tendencia ecuménica de reconciliación entre Oriente y Occidente, que se ha impuesto, a veces con manifiesta superficialidad, en la cocina global o en la cocina de vanguardia. Igualmente, trata la confusión entre arte y gastronomía, al analizar las expresiones «cocina de vanguardia» y «muerte del arte», y al ponerlas en relación con las vanguardias artísticas históricas y su fracaso. Y analiza también el intento de la cocina de vanguardia de encontrar su propio relato legitimador en la alta cultura. Lo que se llama «gastronomía de vanguardia», «cocina de autor», «creatividad», «arte de la gastronomía»..., no son más que auténticos memes (declaraciones formuladas con éxito, que se reproducen y extienden con facilidad entre la población) ocultos bajo las entretenidas máscaras de la esferificación, la deconstrucción o el «japonismo», que El mono gastronómico desenmascara o contextualiza en diversos lugares, entre otros asuntos de indudable interés que el lector encontrará en los ensayos que constituyen este volumen.

Ediciones Trea, S.l.

Ediciones Trea

El mono gastronómico

El Bosco ya era famoso en su tiempo por sus pinturas y creaciones fantásticas. Hoy en día se ha convertido en sinónimo de imágenes fantasmagóricas. Y a la hora de interpretar sus enigmáticas pinturas algunos remiten al simbolismo de la alquimia o sugieren la pertenencia a cultos paganos secretos. Otros tratan de entender sus mundos visuales a través de explicaciones exotéricas mientras que algunos otros intentan decodificarlos a través de métodos de psicología y de psicoanálisis. La vida y el trabajo de El Bosco están excepcionalmente bien documentadas. En este libro, Nils Büttner recorre la trayectoria de un pintor que trabajó para los círculos más altos de nobles y cortesanos y analiza su obra en el contexto de la cultura contemporánea. Este trabajo nuevo y concienzudo se publica en el quinto centenario de la muerte de El Bosco.

Tapa dura

Alianza Editorial

Hieronymus bosch "el bosco"

Historia cronológica de la creación de la Capilla Sixtina, uno de los espacios pictóricos más famosos de la historia del arte. Desde su primera impulso, con el papa Sixto IV, para responder a la puesta en cuestión de su liderazgo planteada por Mohammed II, y posteriormente con Julio II, la Capilla Sixtina muestra cómo la política se aprovecha plenamente del potencial comunicativo y propagandístico del arte.Si la decoración de la parte inferior de la Capilla Sixtina muestra la máxima expresión del dominio de los talleres toscanos durante el siglo XV; desde en 1505, es Miguel Ángel quien señala la evolución hacia la idea de genio creativo moderno, cuando la obra de arte comienza a ser reconocida como producto de puro ingenio. Con un enfoque doble, de historiador y de restaurador, con detalle pero también con la intención de llegar a todos los lectores interesados en el Renacimiento, Antonio Forcellino nos hace revivir el prodigioso proyecto de pintar la Capilla Sixtina, reconstruyendo las voluntades y las intenciones de sus artífices -los papas y los artistas- y la historia material, las técnicas y los estilos que reúne esta extraordinaria obra maestra.

Alianza Forma

La capilla sixtina

La belleza puede ser reconfortante, perturbadora, sagrada o profana; puede resultar estimulante, atrayente, inspiradora, incluso escalofriante. Puede afectarnos de maneras muy distintas, pero nunca nos deja indiferentes. En esta obra, el brillante y ecléctico filósofo Roger Scruton explora el concepto de belleza, indagando en aquellos elementos que confieren a un objeto -artístico, humano o natural- esta cualidad y sugiriendo formas de comparar la variedad de criterios que existen al respecto. ¿Hay una manera precisa de medir y juzgar la belleza? ¿Es siquiera posible definirla? ¿Es justo afirmar que es más bello un templo clásico que un edificio de oficinas hecho de hormigón, que hay más belleza en un Rembrandt que en la obra que ganó el último Premio Turner? Las conclusiones a las que llega el autor en este texto, directo y sugerente, tan accesible como intelectualmente riguroso, sin duda pueden resultar controvertidas. No obstante, todas ellas invitan a reflexionar sobre los objetos bellos que nos rodean y a tratar de hallar un sentido más profundo en el efecto que la belleza tiene sobre nosotros.

Elba

La belleza

A finales del siglo XIX, las victorias militares del Japón colonial demostraron que las potencias europeas habían subestimado al país nipón y la Exposición Universal de Barcelona en 1888 ofreció a España la oportunidad de estrechar lazos comerciales con el país del Sol Naciente. En aquel encuentro entre civilizaciones se forjó una amistad imperecedera entre Antoni García Llansó y el pintor Kume Keiichir&#333;, dando como resultado una serie de artículos recopilados luego en forma de libro.Con Dai Nipon García Llansó descubrió a los lectores españoles la historia, sociedad y cultura de un país fascinante aparentemente muy alejado de España, pero con multitud de semejanzas, a través de un texto que sintetiza el clima de tensión de la política internacional a principios del siglo XX.

Satori Ediciones C.b.

Satori

Dai nipon. El Japón

Con esta provocativa y conmovedora colección de ensayos, un crítico de nuestro tiempo responde a las profundas cuestiones que plantea el mun do visual. Cuando John Berger escribe sobre cubismo, no sólo escribe d e Braque, Léger, Picasso y Gris, sino de ese milagroso momento al inic io del siglo xx cuando el mundo convergía alrededor de un prodigioso s entimiento de esperanza. Cuando analiza el trabajo de Modigliani, ve e l amor infinito que se revela en las alargadas líneas de la figura pin tada.	Recreándose desde el Renacimiento hasta la conflagración de Hiro shima; desde el Bósforo hasta Manhattan; desde los tallistas de un pue blo en Francia hasta Goya, Durero y Van Gogh; y desde experiencias per sonales de amor y pérdida hasta el más importante levantamiento políti co de nuestros días, este libro nos incita a mirar con la misma tolera ncia, coraje y compromiso moral con que mira el autor.

El sentido de la vista

de arte Mario de Micheli ha trazado una crónica viva de los grandes movimientos que configuraron la transformación de las artes plásticas desde el cambio de siglo hasta 1950, buscando su línea de continuidad y su común razón de ser en aquello que propiamente constituye la esencia de la vanguardia: el ánimo de ruptura cultural. Combinando el dato histórico y la crítica, se ofrecen aquí los materiales de una variantes formales; una visión integral, apoyada, de una parte, en el examen de la actividad creadora de los artistas más representativos del período, y, de otra, en los manifiestos y programas que presentaron las posiciones de partida de cada grupo.

Las vanguardias artísticas siglo XX

A lo largo del siglo XX han sido muchas las voces femeninas que han reclamado para las mujeres la ciudadanía del mundo: Wollstonecraft, Beauvoir, Friedan, Millett, Firestone, Cixous e Irigaray serán algunas de las congregadas en estas páginas. El poder evocador de sus discursos fue tal que consiguieron franquear los dominios de la ética para propagarse al ámbito de la estética. Arte feminista y arte femenino serán los frutos de tan arriesgado cruce, y Judy Chicago, Martha Rosler y Ana Mendieta algunos de los nombres propios que materializan este proyecto.

Mujeres de ojos rojos

La experiencia estética, elaborada con la teoría de los «ámbitos», el encuentro, los niveles de realidad y de conducta, presenta un poder formativo sorprendente porque nos permite ver la vida de forma profunda y penetrante, dinámica y relacional. Esta visión nueva nos capacita para comprender la condición relacional de la obra de arte (superando, así, el subjetivismo sin caer en el objetivismo), determinar con precisión el tipo peculiar de realidad que presentan el arte y la literatura.

Universidad De Deusto

La experiencia estética y su poder formativo

Durante siglos, la pintura ha sido nuestra principal herramienta de comunicación visual y, por tanto, de creación de todos aquellos imaginarios culturales que atraviesannuestra mirada. Sin embargo, hace años que parece haber perdido parte de su fuerza frente a la fotografía y otros medios visuales. Este influente ensayo de Julian Bellparte de la supuesta muerte de la pintura y nos ofrece un estudio agudo y apasionante que nos conducirá de la reflexión en torno a la naturalezadel medio pictórico hacia las profundidades del arte y la representaciónvisual. Nacido bajo la inevitable influencia de Modos de ver de JohnBerger, este libro se ha convertido por derecho propio en un clásico dela teoría de arte y el lenguaje visual.

Editorial Gustavo Gili, S.l.

Gustavo Gili

¿Que es la pintura?

Si bien el término "masacre" tiene, en el lenguaje cotidiano, sentidos diversos, la expresión "masacre histórica" remite a un tipo de fenómeno muy específico: el asesinato masivo de un amplio grupo de personas, que habitualmente están desarmadas y tienen una limitada capacidad para defenderse a sí mismas. Fenómenos de este tipo han tenido lugar desde períodos muy tempranos de la historia humana y, en general, siempre que han ocurrido, quienes intentaron explicarlos y contarlos, sea a través de textos, imágenes u otros medios, enfrentaron problemas enormes. '"Cómo sucedieron estas cosas"' es una investigación sobre las causas de esos problemas, pero también un estudio de los intentos realizados a pesar de esas dificultades para encontrar en ellos similitudes y regularidades, recursos compartidos e innovadores que sirvieron para contar y explicar aquello que, a priori, no podría ser contado ni explicado. Pero los alcances de esta obra, de una sutileza y una ambición extraordinarias, no se agotan allí. Tal como señalan los autores, "un estudio como este puede hacer que hallemos algunas claves sobre la verdad de lo acontecido en el pasado y las relaciones de dominación que, exacerbadas al máximo, llevaron a una disparidad tal que hizo pensable el exterminio de un grupo como algo necesario e incluso deseable". En el análisis de las representaciones recientes y remotas de la masacre los autores van detectando, así, algunas condiciones de posibilidad sociales y culturales para los intentos de aniquilación de grupos humanos, e identificando algunos dispositivos que, de las escenas de caza a los martirologios, y de los 'infernos' al 'Doppelgänger', permiten observar lo que surge de la imagen cuando la representación alcanza sus límites.

Otro

Katz Editores

Katz

"Cómo sucedieron estas cosas". Representar masacres y genocidios

Este libro es una herramienta indispensable que proporciona consejos esenciales y útiles a los estudiantes, diseñadores y a cualquiera interesado en el vasto mundo de la moda. Las ilustraciones emplean el humor, la estadística o ejemplos sacados directamente de la vida real para enfatizar y arrojar luz sobre cada tema. Un libro para detenerse en cada una de sus páginas, para dejar que surjan las lecciones ocultas tras cada lección. ¡Una licenciatura en moda en 202 páginas!

Abada Editores

Abada

101 Cosas que aprendí en la escuela de moda

La escultura ha desempeñado un papel crucial en las prácticas religiosas de la humanidad a lo largo de la historia, sirviendo como un poderoso medio de expresión de creencias espirituales y conexión con lo divino. En el budismo japonés, las imágenes religiosas poseen un significado espiritual y sirven como puntos focales para la adoración, la meditación y la enseñanza.

Aprendiendo a ver las estatuas budistas japonesas

La arquitectura es más que una ?poética casual? y este libro busca ahondar en sus rimas. Para ello, mediante un recorrido por las principales corrientes arquitectónicas con espíritu inconformista, Lorenzo Rocha busca darle el peso funcional y teórico que merece. A través de la obra de Le Corbusier, Giancarlo de Carlo, Lacaton , Vassal, Alejandro Aravena y los principales ejemplos de la Costa este de Estados Unidos, este libro recorre las principales tendencias de los últimos años para encontrar los cimientos que comparten los espíritus más libres.

Turner

Turner Publicaciones S.l.

Arquitectura crítica

El presente volumen es el primero de los cuatro que conforman la obra Arte e Historia en la Edad Media, cuyo propósito es explorar el amplio terreno en el que se encuentran las experiencias de la historia y el arte medievales. Los protagonistas de esta primera entrega son el tie mpo, el espacio y las instituciones. No obstante, habría que referirse a tiempos, en plural: los tiempos del Oriente bizantino y del Occiden te, que no son sólo los típicos de la Iglesia y de los mercaderes, sin o también los de las canterías, los del orfebre y los del escultor, ha sta llegar a los de los historiadores del arte, que, a su vez, intenta n imponer la medida y los límites constrictivos del estilo. Junto a l os tiempos, los espacios, los itinerarios, los paisajes, los de la ciu dad y los del campo y sus representaciones. Y por último, las grandes instituciones religiosas y laicas, la Iglesia, el Papado, el Imperio y , dentro de éstas, los artistas que se mueven, los modelos que circula n y las clases domin

Ediciones Akal

Akal

Siruela

Editorial Akal

Akal / Arte y Estética

Arte e historia en la edad media I

Como su propio nombre indica, "Del construir" se centra en el mundo de la arquitectura, de la producción de las obras, de quienes las concibieron y realizaron, de las técnicas usadas, de los materiales empleados. Ahora bien, en el Medievo todo esto se entendía de una manera bastante diferente a la nuestra. El edificio no sólo se consideraba un referente en el tejido urbano, o el definidor de un espacio interior de fuerte carga simbólica, sino un todo coherente en el que a la obra propiamente constructiva se unían el resto de elementos que la ornaban: pinturas murales, esculturas, vidrieras, telas, piezas de orfebreríaà Ciertos materiales podían llevar implícitos unos significados que hoy ya no somos capaces de percibir; los productos de las llamadas «artes mayores», una división jerárquica ajena por completo al hombre medieval, no eran necesariamente los más apreciados -una rica tela podía despertar impresiones y emociones más intensas de cuanto pudiese hacerlo una portada esculpida, hacia la que, sin embargo, hoy dirigiríamos principalmente nuestra atención-¬, y el comitente, en fin, podía ser -y durante mucho tiempo lo fue- considerado mucho más importante que el artista o, por lo menos, estar implicado en la creación de la obra tanto como éste. El presente volumen constituirá, sin duda, un importante paso para corregir la visión tópica, distorsionada y simplificada que, fruto de muchos siglos de propaganda contraria, se sigue teniendo de la Edad Media y que ha ayudado a ocultar una realidad mucho más rica y compleja de lo que se piensa.

Ediciones Akal, S.a.

Arte e historia en la edad media II

La producción artística de las naciones y los pueblos islámicos, pese a su importancia, es una gran desconocida en el mundo del arte. Robert Irwin, experto en arte islámico y excelente escritor, conduce al lect or a las profundidades de las culturas que pr

Arte islámico

Arte y multitudo no constituye un ensayo de estética. Su sintaxis, la polifonía de sus nombres, lo impiden vigorosamente. Lo abstracto, la posmodernidad, lo sublime, el trabajo colectivo, lo bello, la construcción, el acontecimiento, el cuerpo y, en fin, la biopolítica son piedras de toque del relato de la subsunción real del trabajo en el capital, de la abstracción completa del mundo. Las prácticas artísticas no han escapado a este proceso. No podían hacerlo si, con Negri, se ve el arte como una continua excedencia de ser construida por el trabajo liberado, por la esencia lingüística abstracta y colectiva de esa excedencia de ser.  La resistencia ética en la posmodernidad ha permitido descubrir las asimetrías en la general indiferencia del valor de cambio, la irreductibilidad poética de la cooperación social productiva. La multitudo, esa bestia feroz inaferrable de todas las filosofías políticas de la trascendencia normativa del Estado, es el personaje conceptual que encarna este acontecimiento. Así pues, escribe Negri, «está en nuestras manos, plena, la posibilidad de construir el mundo. De construirlo tal y como nos ha sido posible deconstruirlo. En esta radical operación, el arte se anticipa al movimiento global de lo humano. Es un poder constituyente, una potencia ontológicamente constitutiva. A través del arte el poder colectivo de la liberación humana prefigura su destino. Y es difícil imaginar el comunismo al margen de la acción prefiguradora de esta vanguardia de masas, que es la multitudo de los productores de belleza».  La presente edición añade una novena carta fechada en diciembre de 2001, además de un texto de presentaciónen que el autor reflexiona sobre las cartas de 1988 y de la conferencia «Metamorfosis: arte y trabajo inmaterial», de 2008.

Editorial Trotta, S.a.

Trotta

Minima Trotta

Arte y multitudo

Desde la explosión de las vanguardias, las prácticas performativas han acompañado el desarrollo del arte como una suerte de «laboratorio experimental para algunas de las más originales y radicales formas artísticas», en palabras de RoseLee Goldberg. La performance no surge de una manera inopinada, bajo unas condiciones irrepetibles que le imprimieran el sello de un tiempo concreto. En tanto elemento transversal a los distintos contextos de producción que han jalonado la historia del arte de los últimos 110 años, la performance se puede considerar como ese «exceso» que ha desbordado los márgenes de inteligibilidad de cada uno de ellos. Este libro ofrece una perspectiva lo más generosa posible sobre el camino transitado por la performance desde las vanguardias hasta hoy, pero, al mismo tiempo, dejar abierta la posibilidad de un número indefinido de estrategias alternativas de narración.

Akal / Arte Contemporáneo

Arte y performance

Cuando apareció en 1997, Artistas sin obra se reveló como un ensayo deslumbrante. En él, Jouannais nos presenta trayectorias desconocidas, virtuales, inacabadas o abandonadas (algunas de ellas, como la de Félicien Marboeuf, creaciones a su vez de Jouannais), cuyas sombras se hacen presentes en los márgenes de la literatura. Este libro nos dibuja un panorama que pone en entredicho, insidiosamente, nuestras más arraigadas certidumbres estéticas.

Acantilado

El Acantilado

Artistas sin obra

Felipe de Guevara (ca. 1500-1563), anticuario y cortesano de Carlos V y Felipe II, recurre a distintas fuentes clásicas, Plinio y Vitruvio principalmente, con el fin de ofrecernos en su tratado de arte una historia de la pintura de la Antigüedad en castellano. Para ello, describe con detalle las distintas técnicas y géneros pictóricos usados entonces, indicando su utilidad en los tiempos modernos, junto a un listado de pintores antiguos, señalando sus obras más importantes y características sobresalientes. Pero además va intercalando comentarios acerca del arte de su tiempo, entre los cuales han trascendido sobre todo los referidos a la obra de El Bosco, por considerarse una de las primeras interpretaciones sobre la obra de este pintor en España en el siglo xvi. Se dirige en todo momento a los artistas españoles y, lo que es más novedoso, a los aficionados a este arte.  Escrita hacia 1560, la primera edición que se conoce es la de Antonio Ponz de 1788, a la que siguió la moderna de Rafael Benet en 1948, si bien sin que incluyese en su realización mayores estudios. Así pues, hasta el momento no se había realizado un análisis pormenorizado ni de su autor ni de la obra, por lo que la presente edición, la primera crítica, viene a suplir esta carencia en el estudio de la teoría del arte español del siglo XVI, sobre todo teniendo en cuenta que se trata de uno de sus textos fundamentales. En ella se sigue por primera vez la redacción de un manuscrito hasta hace poco desconocido y que se conserva en el fondo antiguo de la Biblioteca del Museo Nacional del Prado, procedente de la colección Daza-Madrazo (probablemente, la copia manuscrita que regalara el deán de la catedral de Plasencia a Antonio Ponz en 1787). El resultado es, además, un completo estudio de la vida y obra de Felipe de Guevara, que no sólo fue cortesano, sino que también destacó como coleccionista de pinturas y monedas antiguas, anticuario, numismático y tratadista de arte.

La carne y el mármol (2018)

Mano de mujer (2024)

Cómo saborear un cuadro (2019)

El mono gastronómico (2014)

Hieronymus bosch "el bosco" (2016)

La capilla sixtina (2021)

La belleza (2017)

Dai nipon. El Japón (2020)

El sentido de la vista

Las vanguardias artísticas siglo XX

Mujeres de ojos rojos (2010)

La experiencia estética y su poder formativo (2004)

¿Que es la pintura? (2020)

"Cómo sucedieron estas cosas". Representar masacres y genocidios (2015)

101 Cosas que aprendí en la escuela de moda (2014)

Aprendiendo a ver las estatuas budistas japonesas (2024)

Arquitectura crítica (2018)

Arte e historia en la edad media I (2008)

Arte e historia en la edad media II (2013)

Arte islámico (2008)

Arte y multitudo (2016)

Arte y performance (2022)

Artistas sin obra (2014)

Comentario de la pintura y pintores antiguos (2016)