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«La magia es vista como una capacidad innata de la humanidad que siempre vuelve a emerger, especialmente tras largos períodos de racionalismo, y que ni la religión, ni la ciencia ni la política consiguen erradicar jamás.» Nadia Choucha, Surrealism and the Occult Durante años, El arte mágico de André Breton fue un auténtico libro de culto, objeto de deseo de los bibliófilos parisinos. Publicado en 1957 por el Club FranÇais du Livre en una tirada limitada, a ojos de su autor representaba el anhelo de toda una vida: nada menos que una historia universal del arte, desde sus orígenes prehistóricos hasta nuestro tiempo, acompañada de una iconografía irreprochable, de la que estaba convencido que sería uno de sus mensajes más duraderos. La particularidad de esta historia, cuyas notas y documentos visuales había ido acumulando a lo largo de los años, es la de estar contada con las premisas del surrealismo. Por sus páginas desfilan: el Bosco, Brueghel, Uccello, Durero, Grünewald, Altdorfer, Holbein, Arcimboldo, Caron, Desiderio, Blake, Füssli, Goya, Friedrich, B"cklin, Gauguin, Gustave Moreau, Rousseau, De Chirico..., sin olvidar el arte religioso de las más diversas épocas y culturas del mundo. Toda esta fabulosa corriente visual, compuesta por más de doscientas reproducciones de gran calidad, constituye el último sueño de Breton. El volumen se cierra con una interesante e insólita sección de ciento cincuenta páginas sobre el valor y la significación de lo mágico en nuestra época, en forma de encuesta realizada a personajes de la talla de Martin Heidegger, Octavio Paz, René Magritte, Georges Bataille, Claude Lévi-Strauss, Julien Gracq, Benjamin Péret, Pierre Klossowski, Roger Caillois, Juan Eduardo Cirlot, Leonora Carrington, Julius Evola, Maurice Blanchot, René Nelli... Una de las figuras más representativas de las grandes pulsiones artísticas y literarias del primer tercio del siglo xx es sin duda André Breton (1896-1966). Breton creía que el ser humano es como un animal encerrado en una jaula, dando vueltas y vueltas sobre sí mismo, y asumió una suerte de pasión amorosa por la pureza salvaje, por la desnudez original, donde la vida vuelve a ser lo que era, realidad viviente, no una mera exterioridad cuantificable sin sustancia ni contenido. Y pensó que esto sólo puede cumplirse si la potencia del deseo nos conduce a las raíces más profundas y auténticas de la Imaginación. De ahí que terminara proclamando que «solamente es bello lo maravilloso», como da buena muestra el río de imágenes que seleccionó tan cuidadosamente para este libro.

Imaginato Vera

El arte mágico

El orden alfabético con que presentamos las citas en este volumen produce yuxtaposiciones espaciotemporales, dando como resultado un interesante compendio aleatoriamente ordenado de reflexiones de los más grandes y admirables artistas y pensadores.

INTERZONA

La Marca

¿Qué es el arte?

Contemplar un cuadro o un paisaje, escuchar una obra musical, sumergirse en un universo sonoro, leer un poema, ver una película: esa es la experiencia estética. En el marco de la cultura humana, entre todas las experiencias vividas, es al mismo tiempo la más banal y la más singular. Es singular porque tiene como condición que uno se dedique a ella sin otro fin inmediato más que esa misma actividad; es banal porque no deja de ser una de las modalidades básicas de la experiencia común del mundo. Por lo tanto, se trata de comprender, como lo demuestra Jean-Marie Schaeffer, no la experiencia de las obras de arte en su especificidad, sino la experiencia estética en su carácter genérico, es decir, independientemente de su objeto.

La experiencia estetica

Objetos inauditos, gestos excéntricos, pero también fotografías, videos y pinturas de factura tradicional: todo eso conforma el arte contemporáneo. Para quien se aventure en el mundo artístico, este libro es entonces un vademécum, una fuente de referencias. Y para el lector curioso, la autora ofrece una serie de observaciones críticas y sugiere temas de reflexión.+Desde cuándo el arte "moderno" es "contemporáneo"? +Cómo explicar que recorra caminos tan contradictorios? +Por qué los artistas han querido transformar el vínculo entre los espectadores y las obras? Y cuando las fronteras que lo separan de la moda, la arquitectura, el documental o incluso los objetos rituales se vuelven borrosas, +todavía es posible formular una definición que abarque cabalmente este tipo de arte?

El arte contemporáneo

Desde principios de los años ochenta hemos disfrutado con la escritura de Mireia Sentís, su crítica de arte, sus libros sobre la vanguardia neoyorquina de los setenta y la cultura afroamericana; sus comisariados de exposiciones y, por supuesto, sus fotografÆas. Este catálogo, al igual que la exposición de la que es fruto y testimonio, pretende mostrar cómo la fotografía es en ella una constante necesaria para buscar esa dimensión escondida que sólo se da en las obras de arte.  Mireia Sentís se ha considerado siempre desmarcada generacionalmente, pero sus trabajos fotográficos, que ha ido mostrando en exposiciones dispersas, guardan un tono de época que va más allá de lo formal puesto que, como ella suele decir, siempre persigue una idea, algo que no sólo rebasa las modas sino que hace aún más inquietante la presencia del tiempo en la imagen. Su obra responde a inquietudes vitales más que a impulsos formales. Mireia Sentís fotografía porque quiere reflexionar: sobre el cuerpo y el sexo, los paisajes del entorno que visita o habita, las costumbres, la sociedad y el poder. Todo ello desde una mirada irónica y poética, único estilo en el que se reconoce.

Mireia sentís. Fotografía 1983-2008

La perspectiva fue una de las invenciones más importantes del Renacimiento. Con ella, el arte occidental experimentó el mayor viraje de toda su historia. La imagen en perspectiva es hoy omnipresente y ha sido exportada al mundo entero. Pero su dominio nos hace olvidar que en modo alguno reproduce nuestra visión natural. El mundo islámico conoce una mirada completamente distinta, que se expresa claramente en su arte. A diferencia de la imagen occidental, el arte islámico no está ligado a ninguna posición personal en el mundo y trata de aproximarse a algo que es en sí irrepresentable. La invención occidental de la imagen en perspectiva se debe, sin embargo, a un descubrimiento hecho en el mundo árabe ya en el siglo XI. Inmerso en una cultura sin imágenes, el matemático Alhacén concibió una teoría de la percepción que creó las condiciones que hicieron posible la perspectiva pictórica occidental. Belting explica en qué se distinguen Occidente y Oriente en su relación con las imágenes, aunque una vez partieran ambos de la misma teoría. Pues en vez de reproducir el mundo, el arte árabe tuvo por tema la luz y su geometría.

Florencia y bagdad

Picasso fue a visitar a Braque en su estudio. El pintor trabajaba un bodegón. De pronto el malagueño exclamó: «¡Pobre amigo! Veo una ardilla en tu lienzo». Braque respondió sorprendido: «No es posible». Picasso insistió: «Quizá sea una visión paranoica, pero veo una ardilla. El lienzo está destinado a ser un cuadro y no una ilusión óptica; la gente necesita ver algo en él. Tú representas un paquete de tabaco junto a una pipa, pero aparta de ahí esa ardilla». Braque llegó a ver la ardilla y luchó encarnizadamente con ella, hasta que, al fin, el tabaco, la pipa y los naipes se transformaron en un cuadro cubista.á Esta anécdota, apenas conocida, sirve a J. F. Yvars para dar título a esta nueva selección de textos. Insiste en el análisis de la obra de arte desde diferentes perspectivas y ayuda a descifrar el trabajo y la personalidad de figuras cardinales: Julio González, David Smith, Aby Warburg, entre otros.

La ardilla de braque

El esfuerzo secular en la disolución de las fronteras entre culturas ha generado condiciones nuevas para el arte que afectan a la propia definición de su naturaleza y de sus funciones sociales. En la actualidad, instancias como el mestizaje y la globalización determinan de forma masiva la comunicación visual.  Un efecto sintomático de esa nueva realidad cultural, marcada por una activa substracción de las diferencias, es el desarraigo. Por otro lado, territorios de los cinco continentes que antes eran considerados marginales para la producción artística moderna han entrado en sintonía en los últimos tiempos con los centros dominantes, donde son valorados como lugares culturalmente emergentes. La modernidad globalizada ha generado un nuevo mapa en el que la identidad es una noción a redefinir y se aboga por un arte que no hunde ya sus raíces en un territorio concreto.  El arte en su destierro global. Cultura contemporánea y desarraigo, que recoge ensayos de reconocidos artistas, comisarios y críticos de arte contemporáneos, se ocupa de diversos aspectos característicos de este nuevo episodio de la realidad artística y de algunos de los términos que frecuenta el lenguaje de la creación visual en ese territorio globalizado.  Incluye ensayos de Javier Arnaldo, Eva Fernández del Campo, Uwe Fleckner, Ticio Escobar, Joan Fontcuberta, Jean-Hubert Martin, Partha Mitter, Mireia Sentís y Sami Naïr.  Javier Arnaldo es titular de Historia del Arte en la Universidad Complutense de Madrid. Fue Conservador del Museo Thyssen-Bornemisza entre 2001 y 2011. Entre sus publicaciones están los libros Estilo y naturaleza (1990), Las vanguardias históricas (1993), Yves Klein (2000), Analogías musicales (2003) y ¡1914! La vanguardia y la Gran Guerra (2008), estos últimos textos del mismo título de dos de las exposiciones que ha comisariado.

El arte en su destierro global

Enrique Lafuente Ferrari (1898-1985) perteneció a la segunda generación de historiadores del arte españoles y siempre se consideró discípulo de Elías Tormo y Manuel Gómez-Moreno, aunque probablemente fue el filósofo José Ortega y Gasset quien más duradera influencia ejerció sobre su trabajo. Entre los múltiples intereses a los que consagró su atención durante su prolífica carrera sobresalen dos con especial intensidad: Diego Velázquez y Francisco de Goya. Al pintor sevillano dedicó algunas de las páginas más brillantes que se han escrito sobre su vida y su quehacer en cinco monografías y numerosos artículos publicados en revistas especializadas y en prensa periódica, junto con otros textos incluidos en reflexiones globales sobre la pintura española del siglo XVII. Este libro recopila más de veinte ensayos en los que Lafuente Ferrari desgrana su concepción de la pintura de Velázquez con un estilo diáfano y vivaz que traslada con una claridad inusitada sus ideas y que lo convierte, junto con la sagacidad de sus propuestas, en uno de los más destacados historiadores del arte; no por casualidad Fred Licht lo consideró «el decano» de la Historia del Arte en España.

Velázquez o la salvación de la circunstancia y otros escritos sobre el autor

A menudo, el tópico de la espectacularización de la sociedad contemporánea por medio de la proliferación de tecnologías de la comunicación lleva a olvidar la densidad del rarefacto éter ideológico que nos rodea. Simétricamente, en ocasiones, las críticas economicistas de la desigualdad en la era de la globalización bordean el espiritismo sociológico, en la medida en que carecen de la interlocución de un sujeto político que pueda recibir y asumir como propia la alternativa que proponen. Los ensayos de Slavoj Zizek, Jorge Alemán y César Rendueles que componen este libro se mueven a caballo entre ambos extremos. Indagan en la textura simbólica de nuestro tiempo rastreando la vivencia imaginaria de las grandes ordenaciones políticas y económicas a través de los medios de comunicación de masas. Frente a la mera queja por la estetización de la vida pública, plantean el análisis de los mecanismos de construcción ideológica que vertebran la relación de los sujetos políticos con su realidad histórica.  "El tema propuesto no puede ser más interesante y (...) su lectura no deja de merecer la pena" (Antonio García Vila, El Viejo Topo)

Arte, ideología y capitalismo

La conservación y restauración del arte contemporáneo es una disciplina compleja, en constante evolución, y que plantea la necesidad de actualización de los paradigmas sobre los que tradicionalmente se ha venido asentado la conservación de los bienes culturales. Tras varios años de investigación en el área, esta publicación recoge la visión particular de aquellos aspectos que, bajo un acercamiento propio, más sobresalen de una disciplina en continuo desarrollo. En este sentido, se ha descrito la naturaleza material de los objetos que forman el patrimonio reciente, estudiando la doble polaridad de la materia constitutiva del arte contemporáneo, pues es útil para concretar la idea de la obra, y a la vez lleva implícitos una serie de valores semánticos y culturales que la sustancian y dotan de importancia. Por otro lado, se ha realizado un acercamiento teórico y práctico a la disciplina de la conservación y restauración del arte contemporáneo, actualizando el marco deontológico y analizando los distintos sectores de actuación que podemos encontrar en la actualidad, o lo que es lo mismo, abordando las distintas categorías de problemas con las que el restaurador puede tener que enfrentarse: pintura contemporánea, instalaciones, videoarte, arte cinético, eat-art, obsolescencia tecnológica, necesidades específicas de documentación y conservación preventiva para el arte no convencional?

Editorial Tecnos

Arte contemporáneo y restauración. O cómo investigar entre lo material, lo esencial y lo simbólico

Además de mover cantidades ingentes de dinero, la industria cosmética se ha convertido en una gigantesca fábrica de deseos y frustraciones estrechamente relacionados con la imagen que hombres y mujeres tienen de sí mismos. La cara oculta de la belleza narra la historia un gran negocio a través de las vidas de Helena Rubinstein y Eugène Schueller, fundadores, respectivamente, de los dos grandes imperios de la cosmética del siglo xx: Rubinstein y L?Oréal. Sus empresas idearon centenares de productos y generaron la necesidad de consumirlos. También sortearon las convulsiones históricas del siglo xx: la gran depresión económica del 29 o la ocupación nazi de Francia, cuya sombra se proyectó más adelante sobre los negocios de Schueller.

Tusquets

Tiempo De Memoria

La cara oculta de la belleza

El presente ensayo emprende un viaje por la cultura del paisaje de uno de los más fascinantes períodos de la historia de China: la dinastía Song (960-1279), conocido como el Renacimiento chino debido al gran esplendor cultural, científico y artístico que tuvo lugar durante esos siglos. La cultura del paisaje de esta época ha ejercido una influencia tan grande en el desarrollo histórico sínico que aún hoy sigue siendo un referente fundamental en la China contemporánea.

La experiencia del paisaje en china

Visual art

Sonido y acontecimiento

En los años 30Æs, México representó para los surrealistas europeos el sitio ideal para desarrollar su invención artística, motivados en primer lugar por las visitas a nuestro país de Antonin Artaud y André Breton, padre del surrealismo, quien en 1938 bautiza a nuestro país como "el lugar del surrealismo por excelencia", haciendo referencia con esta frase alsitio donde la idea de transformar el mundo y cambiar la vida, era factible a través de la creación artística y la revolución. A su regreso a Europa, Breton organiza en la Galería Renou & Colle de París (1939), una exposición dedicada a México, donde incluye obras de Manuel Alvarez Bravo, Frida Kahlo y José Guadalupe Posada, así como una serie de objetos de arte popular que en su conjunto, mostraron la decisión surrealista de abolir toda jerarquía entre los productos de la creatividad humana, siempre que se pudiera descubrir en ellos la presencia de la imaginación en libertad.70 años después de la tentativa de Bretón, el Centro Georges Pompidou en conjuntocon el Museo Amparo proponen un diálogo abierto entre imágenes, que más que con-centrarse en intentar definir una identidad o una naturaleza de la fotografía surrealista,pretende esbozar algunos lazos internacionales, proponer algunos nuevos encuentros, convocar a algunas figuras menos conocidas e insistir en un "espíritu surrealista", que va desde los años veinte hasta los cuarenta en Europa y en México hasta los años 60's.

El sabotaje de lo real

En 1985 se desenterró en Brasil el cuerpo de uno de los últimos criminales de guerra nazi que quedaban sin juzgar, Josef Mengele. El complejo proceso de identificación de los huesos abrió una "tercera narrativa" en las investigaciones de crímenes de guerra -tras la del documento o la del testigo- incorporando una aproximación forense para la comprensión de los crímenes de guerra y los crímenes contra la humanidad. La introducción de estos objetos en los juicios trajo consigo complicaciones estéticas, políticas y éticas que evidenciaban las dificultades para lograr una alternativa fija y estable a las incertidumbres, ambigüedades y ansiedades del testimonio humano. ¿De qué manera, se preguntan Keenan y Weizman, se les puede hacer hablar a los restos físicos de un muerto?

Sans Soleil

La calavera de mengele

Con una precisión casi arqueológica, la escritora y pensadora feminista Donna Haraway da voz a todos aquellos que fueron silenciados y desprestigiados en el proceso de consagración del Museo Americano de Historia Natural de Nueva York. Revela de este modo una historia interesada de la naturaleza en la que la masculinidad blanca y capitalista trata de afirmar su hegemonía sobre los discursos disidentes de feministas, socialistas e inmigrantes que ponían en peligro, allá por los inicios del siglo XX, la frágil constitución de la virilidad occidental.

El patriarcado del osito teddy

?Sueño de Polífilo? (Venecia, 1499) es uno de los libros más curiosos y enigmáticos salidos de unas prensas. Quienes lo conocen bien saben que oculta una rara hermosura y un apasionado anhelo de perfección, sabiduría y belleza absolutas, bajo el signo del Amor. Desde el mismo siglo XVI, el ?Sueño de Polífilo? se ha visto rodeado de un aura de esoterismo enfermizo. Por otra parte, pese a que se trata de uno de los libros más atractivos del Renacimiento, salido de una imprenta ilustre y hermoseado con abundantes y preciosas xilografías, está, todavía hoy, envuelto en misterios. En realidad, es un injerto de poema alegórico de estirpe medieval y enciclopedia humanística de vocación totalizadora, ya que contiene una ingente amalgama de conocimientos arqueológicos, epigráficos, arquitectónicos, litúrgicos, gemológicos y hasta culinarios.

El Acantilado

Sueño de polífilo

Pero es a principios del nuevo siglo cuando parece haberse incrementado. Así lo demuestra la presencia en las carteleras de un número considerable de películas en las que la teatralidad se muestra en sus más diversas manifestaciones. Entre estas hay cintas que retoman como base textos teatrales previos, no solo limitándose a una traslación más o menos literal de los mismos, sino tomándolos como base para un ejercicio de reescritura personal; pero también están las que el tratamiento teatral de un texto no destinado a la escena se utiliza como procedimiento para una lectura irónica del mismo; o aquellas que asumen deliberadamente las limitaciones espaciotemporales del teatro para conferir una importancia protagonística al diálogo y a la interpretación de los actores.

Catarata

Libros De La Catarata

La teatralidad en la pantalla

El presente volumen es el primero de los cuatro que conforman la obra Arte e Historia en la Edad Media, cuyo propósito es explorar el amplio terreno en el que se encuentran las experiencias de la historia y el arte medievales. Los protagonistas de esta primera entrega son el tie mpo, el espacio y las instituciones. No obstante, habría que referirse a tiempos, en plural: los tiempos del Oriente bizantino y del Occiden te, que no son sólo los típicos de la Iglesia y de los mercaderes, sin o también los de las canterías, los del orfebre y los del escultor, ha sta llegar a los de los historiadores del arte, que, a su vez, intenta n imponer la medida y los límites constrictivos del estilo. Junto a l os tiempos, los espacios, los itinerarios, los paisajes, los de la ciu dad y los del campo y sus representaciones. Y por último, las grandes instituciones religiosas y laicas, la Iglesia, el Papado, el Imperio y , dentro de éstas, los artistas que se mueven, los modelos que circula n y las clases domin

Editorial Akal

Akal / Arte y Estética

Arte e historia en la edad media I

El último retrato de Goya está inspirado en diversos episodios de la vida del artista, en una época de agitación política y guerras patrióticas. Durante el largo periodo de caos que marcó en España el salto de siglos entre el XVIII y el XIX, en una época de agitación política y guerras patrióticas, Francisco de Goya tuvo que ganarse la vida como pintor de Corte, haciendo retratos de familia real y de la aristocracia. Pero su retrato más importante quizá no sea ninguno de ellos, sino el fenomenal retablo que integran sus dibujos y grabados, hasta pintar el rostro monstruoso y revuelto de su tiempo. El último retrato de Goya está inspirado en diversos episodios de la vida del artista. Es, por así decirlo, una serie de diálogos de alto contenido iconográfico, la antítesis de una «comedia de época». Los autores, dando réplica al genio inventivo y a la tremenda expresividad de Goya, trazan una semblanza del pintor que nos lo sitúa en su tiempo sin dejar de presentárnoslo como un hombre que nos habla desde el presente, como si hubiera conocido nuestros problemas actuales, como si hubiera pintado el futuro.

El último retrato de goya

Tradiciones inventadas. Pintores que no existen. Libros que debieran haber existido. Identidades tomadas en préstamo. La rica cultura de lo falso se ha tejido a la sombra de diferentes regulaciones de la verdad destinadas a delimitar qué es ficción y qué realidad. Hoy sabemos que son la misma cosa, y que la ficción funda realidades, que tiene voluntad pública, cuestionando la común interpretación de lo verdadero. La gestión de la verdad y de sus formatos es la base de toda autoridad. El " fake " surge precisamente para cortocircuitarla, explorando sus quimeras lingüísticas.

Cátedra

La competencia de lo falso

Esta monografía es una edición facsímil del primer libro dedicado al gran ilustrador y grabador mexicano José Guadalupe Posada (1852-1913), publicado en 1930.  En este volumen se reproducen unos 400 grabados de la vasta producción de Posada recopilados por Paul O'Higgins, los que entonces se pudieron localizar y reunir.  Las imágenes de las alegres -y a veces macabras- hojas volantes del artista son parte de las miles que integran su obra, entre ellas las "calaveras", los corridos o las ilustraciones de canciones y oraciones religiosas, que con su gran calidad plástica engrandecieron la tradición del grabado popular mexicano.  Además de las imágenes, el libro incluye una introducción de Frances Toor, legendaria editora de la revista Mexican Folkways, y un ensayo de Diego Rivera sobre el grabador.  Según Diego Rivera, la importancia de esta publicación consistía en no dejar que Posada cayera en el olvido. Es entonces una "primera piedra de este monumento, porque es el primer documento permanente de la obra de José Guadalupe Posada". Sus ilustraciones, a pesar de apreciadas y todavía en uso en la época, circulaban desunidas de su nombre y faltaba un merecido reconocimiento.

Posada monografía

El arte mágico (2019)

¿Qué es el arte? (2018)

La experiencia estetica (2019)

El arte contemporáneo (2019)

Mireia sentís. Fotografía 1983-2008 (2008)

Florencia y bagdad (2012)

La ardilla de braque (2013)

El arte en su destierro global (2012)

Velázquez o la salvación de la circunstancia y otros escritos sobre el autor (2013)

Arte, ideología y capitalismo (2008)

Arte contemporáneo y restauración. O cómo investigar entre lo material, lo esencial y lo simbólico (2014)

La cara oculta de la belleza (2013)

La experiencia del paisaje en china (2014)

Visual art (2011)

Sonido y acontecimiento (2016)

El sabotaje de lo real (2009)

La calavera de mengele (2015)

El patriarcado del osito teddy (2019)

Sueño de polífilo

La teatralidad en la pantalla (2018)

Arte e historia en la edad media I (2008)

El último retrato de goya (2017)

La competencia de lo falso (2018)

Posada monografía (2014)