Este libro inaugura una aventura intelectual con la que se pretende suplir la escasez de referencias teóricas sobre las imágenes en la Edad Media recurriendo a los principios estéticos que proporciona la teoría literaria, ya que los propios tratados de retórica se valían a menudo de comparaciones entre el discurso visual y el escrito. La obra acomete dos cuestiones diferenciadas: las relaciones entre las artes predicatorias y los programas figurativos de las catedrales góticas, que operan en los dos sentidos, y la comparación entre fórmulas tipificadas en las gramáticas y las poéticas latinas y vernáculas con la traducción visual de un tipo de texto literario, el discurso en verso, con la intención de definir un género visual específico, el de las imágenes en verso. Sin embargo, esta aproximación a la utilización de tropos y figuras textuales y visuales no sólo se presenta como mero ejercicio comparativo, sino también como una útil herramienta interpretativa.  Adecuando la estructura al propio contenido, la materia se dispone siguiendo un esquema circular, de modo que la catedral de León o los Códices de las Historias de las Cantigas de Santa Maria constituyen los puntos de partida y de llegada de un viaje en el que se hará escala en catedrales góticas francesas, manuscritos iluminados -desde el Salterio de Utrecht al de Blanca de Castilla- o manufacturas en marfil -desde cubiertas de libros carolingios hasta cajitas y valvas de espejo parisinos del siglo xivû.

Tapa blanda

Otro

Español

Ediciones Akal, S.a.

Akal

Akal / Arte y Estética

Los rostros de las palabras

Como su propio nombre indica, "Del construir" se centra en el mundo de la arquitectura, de la producción de las obras, de quienes las concibieron y realizaron, de las técnicas usadas, de los materiales empleados. Ahora bien, en el Medievo todo esto se entendía de una manera bastante diferente a la nuestra. El edificio no sólo se consideraba un referente en el tejido urbano, o el definidor de un espacio interior de fuerte carga simbólica, sino un todo coherente en el que a la obra propiamente constructiva se unían el resto de elementos que la ornaban: pinturas murales, esculturas, vidrieras, telas, piezas de orfebreríaà Ciertos materiales podían llevar implícitos unos significados que hoy ya no somos capaces de percibir; los productos de las llamadas «artes mayores», una división jerárquica ajena por completo al hombre medieval, no eran necesariamente los más apreciados -una rica tela podía despertar impresiones y emociones más intensas de cuanto pudiese hacerlo una portada esculpida, hacia la que, sin embargo, hoy dirigiríamos principalmente nuestra atención-¬, y el comitente, en fin, podía ser -y durante mucho tiempo lo fue- considerado mucho más importante que el artista o, por lo menos, estar implicado en la creación de la obra tanto como éste. El presente volumen constituirá, sin duda, un importante paso para corregir la visión tópica, distorsionada y simplificada que, fruto de muchos siglos de propaganda contraria, se sigue teniendo de la Edad Media y que ha ayudado a ocultar una realidad mucho más rica y compleja de lo que se piensa.

Tapa dura

Siruela

Arte e historia en la edad media II

El presente libro se centra en el trabajo desarrollado por la autora en las cuatro áreas que han vertebrado su investigación en las últimas dos décadas: la crítica de arte y el papel fundamental que ha desempeñado en la renovación de los estudios del arte actual; la revolución de los Estudios visuales con su enfoque interdisciplinar, que ha puesto en primer plano la cultura visual de la imagen; el arte y la globalización, con la ruptura del paradigma artístico occidental y la tensión entre lo global y lo local, la identidad y la diferencia; por último, el archivo como una de las prácticas artísticas fundamentales de nuestro tiempo. Un libro que ofrece una reflexión no tanto sobre el concepto de arte como sobre el de historia del arte, sus límites y la necesidad de plantear nuevos métodos y estrategias de análisis para abordar el futuro.

Ediciones Akal

Derivas

Eloísa está debajo de un almendro es quizá la obra más famosa de su autor. Esta pieza, estrenada en el Teatro de la Comedia de Madrid en 1939, es una hábil mezcla de misterio y comedia de caracteres, en la que se dan cita las más extravagantes creaciones de Jardiel. Se trata de una obra cosmopolita, atemporal y culta como el autor acostumbraba a hacer en la que los resortes teatrales están magníficamente empleados y en la que se muestra una amplia variedad de recursos humorísticos que hacen las delicias del espectador y que también harán las del lector. Eloísa es uno de los grandes e indiscutibles clásicos de nuestro teatro de humor.

Editorial Verbum, S.l.

Editorial Verbum (Pa)

Eloísa está debajo de un almendro

Este ensayo de Bertrand Lemoine penetra en la personalidad de Gustave Eiffel a través del estudio cronológico de sus obras, lo que se convie rte en todo un ejercicio de análisis de la prehistoria a la modernidad que -por detrás de la famosa Torre Eiffel, ese gran árbol que impide ver el bosque, aunque resume y exalta exactamente el elevado sentido d e esa historia- permite conocer las numerosas y a menudo insospechada s realizaciones con las que Eiffel contribuyó a consolidar los rasgos más potentes de la era industrial contemporánea. Esta edición inc luye un epílogo de Antonio Bonet Correa sobre Eiffel en España.

El arte moderno

Centrado en el análisis y caracterización de esta segunda fase del net art y de su desarrollo hasta la actualidad, el texto presenta un pormenorizado estudio de todas las nuevas formas y variantes que han ido apareciendo &#150;blog-art, net-cinema, intervenciones y performances en metaversos como «Second Life», propuestas bas adas en visualizaciones de datos, arte locativo&#133;&#150;, lo que lo convierte en un libro fundamental para saber cómo está evolucionando esta importante faceta del arte de nuestro tiempo.

Akal / Arte Contemporáneo

Prácticas artísticas e internet en la época de las redes sociales

El arte de las primeras vanguardias se suele analizar bajo dos grandes «paradigmas»: el de la obra única, cuyo carácter de singularidad deriva de la ruptura formal y del efecto shock, y el de la multiplicidad, dominado por la discontinuidad del espacio-soporte. Pero hay un «tercer paradigma» generalmente olvidado, el del archivo. A su estudio se ha dedicado este libro, en el que se analizan sus fuentes, sus precedentes, su desarrollo y sus principales ejemplos a lo largo del siglo XX y los del XXI, ocupándose del trabajo de los artistas visuales que registran, coleccionan, almacenan o crean imágenes que, «archivadas», han devenido inventarios, tesauros, atlas o álbumes. Artistas que se valen del archivo como un nexo entre la memoria y la escritura, como un territorio fértil para todo escrutinio teórico e histórico, o como un lugar para reconstruir visiones utópicas.

Arte y archivo, 1920-2010

En El fin del arte Donald Kuspit sostiene que el arte ha llegado a su término porque ha perdido su carga estética. El arte ha sido sustituido por el «postarte», un término inventado por Alan Kaprow como una nueva categoría visual que eleva lo banal por encima de lo enigmático, lo escatológico por encima de lo sagrado, la inteligencia por encima de la creatividad. Remontando la desaparición de la experiencia estética hasta las obras y la teoría de Marcel Duchamp y Barnett Newman, Kuspit sostiene que la devaluación es inseparable del carácter entrópico del arte moderno y que el antiestético arte posmoderno constituye su fase final. A diferencia del primero, que expresaba el inconsciente humano universal, este último ha degenerado en una expresión de estrechos intereses ideológicos. Como reacción a la vacuidad y el estancamiento del postarte, Kuspit señala el futuro estético y humano que traen los Nuevos Viejos Maestros. Amplio e incisivo repaso del desarrollo del arte a lo largo del siglo XX, El fin del arte señala a las artes visuales el camino hacia el futuro.

El fin del arte

Posiciones críticas: ensayos sobre las políticas de arte y la identidad ofrece un amplio recorrido por el trabajo de Douglas Crimp, uno de los protagonistas de la redefinición de la función de la crítica en la cultura norteamericana y en la defensa de la dimensión pública del arte. Esta antología organiza los escritos de Douglas Crimp en cuatro secciones temáticas que dan cuenta también de la evolución cronológica de su pensamiento crítico. Se toma como punto de partida el temprano análisis que hace Crimp de las políticas de la representación, sobre todo en el ámbito de la fotografía, definiéndolas como campo de acción prioritario del trabajo del artista en la posmodernidad. En esa misma dirección se incluyen a continuación sus famosos ensayos sobre la insularidad de la institución artística y sobre los conflictos que surgen cuando se transgreden los límites del cubo blanco de la galería. Las dos últimas secciones del libro dan cuenta del giro que da el trabajo crítico de Douglas Crimp a partir de 1987, coincidiendo con los momentos más crudos de la crisis del sida en Estados Unidos. Rompiendo con el establishment crítico del que hasta entonces había formado parte, Douglas Crimp iba a poner su pensamiento al servicio del análisis y denuncia de las campañas representacionales orquestadas por el poder contra la comunidad gay, así como de la reflexión sobre los modos en que ésta asumía o rechazaba tales imágenes hegemónicas. Los textos que cierran el libro forman parte de un proyecto aún inconcluso de genealogía de la subjetividad queer contemporánea a partir del análisis del cine de Andy Warhol desde la perspectiva de los estudios culturales.

Posiciones críticas

Desde que era niño y perseguía ranas en el río, Francisco Goya tuvo claro que algún día sería pintor del rey. Aunque en la corte encontró tal follón de criados, duques, jardineros, pasteleros y princesas que a veces se preguntaba qué pintaba él allí. Desde luego pintó al rey y a la reina... pero también a gigantes, brujas y duendes. Hasta se hizo un sombrero con velas para poder seguir pintando al llegar la noche, cuando todo estaba oscuro y sólo brillaban sus cuadros.

Ediciones El Rompecabezas

El Rompecabezas

Sabelotod@s

Goya y sus caprichos

Velázquez el pintor del aire

En el presente libro se estudian los principales representantes y tend encias de la estética y la teoría del arte desde la Antigüedad hasta m ediados del siglo XIX, considerado, con especial detenimiento, los pla nteamientos hechos desde la teoría del conoci

Historia de la estética y de la teoría del arte

´La vida de don Diego Velázquez de Silva´, incluida por Antonio Palomi no dentro de su ´Parnaso pintoresco laureado español´ (Madrid, 1724) c omo el punto culminante de la pintura española, es la primera biografí a del pintor que ha llegado hasta nosotros. .

Fuentes De Arte

Vida de Don diego de velázquez de silva

Giovan Pietro Bellori (1615-1696), bibliotecario de Cristina de Suecia y responsable de las antigüedades romanas, fue uno de los personajes cruciales en la vida cultural y artística de la ciudad durante la segunda mitad del siglo XVII y el impulsor de un mito de Roma que se mantendrá vivo durante los dos siglos siguientes. Su obra más importante, las Vite de?Pittori, Scultori ed Architetti moderni, aparecida en 1672, inicia un nuevo tipo de biografías de artistas que se apartan radicalmente del modelo establecido por Vasari en el siglo anterior. A diferencia de las que se habían escrito hasta ese momento, en sus Vidas, basadas en informaciones muy exactas, Bellori selecciona, por razones de gusto, una serie de nombres no sólo italianos sino también franceses y flamencos, reflejando el ambiente cosmopolita de la Academia francesa en Roma y poniendo a prueba, con total éxito, un nuevo método para describir y analizar las obras de arte. Enemigo del naturalismo y del manierismo, escribe su obra con una clara voluntad polémica en defensa de los mismos principios clasicistas que se encuentran en la pintura de su gran amigo Nicolas Poussin. En la presente edición se han seleccionado el discurso sobre La idea de la Pintura, Escultura y Arquitectura, que sirve como prólogo a la obra, y las biografías de los artistas más importantes que aparecen en las Vidas: Annibale Carracci, Michelangelo Caravaggio, Peter Paul Rubens, Anton van Dyck y Nicolas Poussin, que se ofrecen traducidas por primera vez al castellano en versiones íntegras y anotadas.

Vidas de pintores

Una guía esencial para iniciarse en el torno de alfarero, con bellas e inspiradoras fotografías a todo color del paso a paso. Empieza desde un nivel básico y permite llegar a dominar la técnica. Este manual pone énfasis en la práctica y los proyectos. De manera visual, enseña cada paso de los procesos cerámicos: desde los materiales, las herramientas, la preparación, las técnicas esenciales de la creación de piezas de cerámica y el uso del torno; a los acabados y la cocción final de la pieza. Incluyendo, también, una detallada lista de los problemas que pueden surgir a lo largo de todo el proceso y cómo solucionarlos. De la arcilla a la cerámica es un libro que permite aprender desde casa igual que en el taller del profesor. El lector podrá familiarizarse con todo lo necesario para crear sus propias piezas de cerámica, de una manera clara y cercana. Dominará el torno y podrá aplicar sus conocimientos más allá de él. Además, descubrirá cómo hacer todo tipo de piezas: cuencos, platos, jarras, etc. Stuart Carey ûautor, ceramista y profesorû transmite excelentemente sus conocimientos y ayuda a vencer el miedo a

Hoaki

Hoaki Books S.l.

De la arcilla a la ceramica

La Historia del arte ha sido un éxito de ventas mundial que en este 2023 cumple 70 años desde su primera publicación. Es la introducción al arte mejor y más popular jamás escrita, publicada en todo el mundo en más de 30 idiomas. Atraídos por la sencillez y claridad de su escritura, lectores de todas las edades y procedencias han encontrado en el profesor Gombrich a un verdadero maestro, que combina conocimiento y sabiduría con un don único para comunicar su profundo amor por la materia.Actualizado con una nueva portada impresionante y un prefacio escrito especialmente por la nieta del profesor Gombrich, Leonie, este formato de bolsillo permite que la obra clásica de Gombrich continúe su progreso triunfal para otra generación y siga siendo el título de primera elección para todos los recién llegados al arte y su historia.La posición de Sir Ernst Gombrich en el mundo del arte y su popularidad entre los expertos y un gran número de lectores en general no tienen rival. Nacido en Viena, llegó a Londres en 1936 para trabajar en el Instituto Warburg, donde se convirtió en director desde 1959 hasta su jubilación en 1976. Ganó numerosos honores, incluido el título de caballero, la Orden del Mérito y el Goethe, Hegel y Premios Erasmo.

Phaidon Press Limited

Phaidon

La historia del arte

España

A comienzos de la modernidad la esfera del saber se escindió en tres grandes ámbitos autónomos: ciencia, arte y moral. Esta autonomía llegó a "pasarse de rosca" hasta convertirse en auténtica esquizofrenia cultural. En los últimos años las cosas han cambiado. Observamos una queja a propósito de la escisión que ya se considera excesiva. Por otro lado, se desarrollan cada vez más paralelismos, entrecruzamientos y solapamientos entre los mundos del arte y de la ciencia. Se da un claro proceso de convergencia en muchos sentidos. Si tradicionalmente se tomaban ciencia y arte como términos antitéticos, actualmente apreciamos los aspectos racionales del arte, al tiempo que se pone en duda la pureza racional de la ciencia. El libro que el lector tiene entre sus manos busca fomentar el debate acerca de las conexiones entre ciencia y arte, mostrar el estado de la cuestión y exponer líneas de investigación originales. Está dividido en tres partes. En la primera se aporta una visión general del problema, así como un panorama histórico de la cuestión. La segunda se centra en las relaciones que se producen entre determinadas ramas de la ciencia, como la biología y la física, y ciertas formas de expresión artística como la poesía y la música. La tercera aborda el tratamiento de problemas y conceptos concretos: la función de las emociones en ciencia y en arte, el concepto de metáfora, el de racionalidad y el de estilo. El libro comienza con un texto inédito de Joseph Margolis (Temple University) e incluye aportaciones originales de prestigiosos especialistas de España, México, Argentina y Estados Unidos. En resumen, se presenta aquí un recorrido muy amplio por la relaciones arte-ciencia, con una visión histórica y contemporánea de las mismas, que incorpora puntos de vista al tiempo autorizados y plurales.

Plaza Y Valdés Editores

Plaza y Valdés España

Arte y ciencia

Era un joven profesor universitario. Viajé pleno de ilusión hasta el edén de los...

Bohodon Ediciones S.l.

Los ángeles del fango

Reimpresión de los clásicos superventas de la Colour Library con un mejor diseñoPhaidon ha recuperado 5 títulos de los más vendidos de su ya mítica serie Colour Library: Dalí, Klimt, Picasso, Monet, y Van Gogh. Esta serie pretende ser un primer libro de acercamiento a la obra de estos maestros a un precio asequible para cualquiera.

Inglés

Phaidon Ingles

Picasso

Las vidrieras españolas representan uno de los capítulos más ricos y originales de la historia del arte español. Pese a ello, hasta la publicación de este monumental estudio del profesor Víctor Nieto Alcaide, no existía una obra que ofreciera una visión completa, tanto en lo geográfico como en lo cronológico, de este singular y valiosísimo patrimonio artístico. El recorrido se inicia en los primeros ejemplos conocidos, de los siglos XII y XIII, y culmina en nuestros días, pasando por la vidriera gótica y tardomedieval, los nuevos planteamientos surgidos en el Renacimiento y el Manierismo, la decadencia de la vidriera en los siglos XVII y XVIII y la recuperación historicista del siglo XIX. En el transcurso se van analizando las tendencias y desarrollos formales, los programas iconográficos, las influencias de la vidriera en la arquitectura, sus relaciones, trasvases y analogías con otras artes, y, evidentemente, sus problemas plásticos específicos. Un ambicioso estudio cuyo planteamiento general y cronológico se completa con una generosa ilustración y un detallado glosario de términos, en una edición bellamente editada sobre lo que se ha dado en llamar "el gran arte perdido" (y que en el caso español sería más preciso denominar "el gran arte olvidado"). Sin duda, una obra imprescindible para el conocimiento de tan brillante capítulo de la historia de nuestras artes aplicadas. La primera edición de esta obra fue galardonada con el Premio Nacional de Historia 1999, el Premio Nacional de Edición en la Modalidad de Investigación al Libro Mejor Editado en el año 1998 y el Premio José Camón Aznar al libro más importante publicado en 1998.

Editorial Nerea S.a.

La vidriera española. Ocho siglos de luz

Hasta hace no mucho tiempo el llamado arte primitivo no formaba parte de la historia del arte. Unido al colonialismo y al «descubrimiento» del Otro, se estudiaba desde la Antropología, más como un testimonio de una manera de vivir del pasado que como unas formas de valor estético. La mirada vanguardista, desde el primitivismo, incidió sustancialmente en el cambio de su valoración. Sin embargo, mucho del debate original sigue vigente. En cierto sentido, el arte primitivo es incómodo, imposible de encuadrar en las categorías de la historia del arte occidental, pero innegablemente perteneciente al orden de lo estético.

Alianza Editorial

El fetiche en el museo

De la imagen de la cultura contemporánea es responsable, en buena parte, el diseño gráfico. Por ahora, ya participa en la escritura tipográfica y en la simbología de la representación, en la identificación, la señalización y orientación de redes varias y de transportes, en la presentación y uso de productos de consumo, en los cuadros de mando y envases, embalajes, interfaces y softwaresà Así las cosas, la ligereza con que en los años 80 se despachó la progresiva incorporación del diseño a la comunicación visual -desbordando todas las previsiones- con el sambenito: «¿estudias o diseñas?», se ofrece de nuevo a la audiencia, veinte años después y tras la incorporación del ordenador a todas las mesas de trabajo, estudio y entretenimiento de los componentes de la audiencia global, haciéndonos a todos un poco diseñadores y recalificando la vieja difamación en consigna transversal de futuro: «¡estudias y diseñas!».

Alianza Forma

El factor diseño

José F. Durán Velasco (Valladolid, 1967) es doctor en Filología Arabe por la Universidad de Sevilla, donde ha impartido distintos cursos de extensión universitaria. Es autor de El islam frente a las otras religiones y co-autor del Diccionario de las tres religiones, escrito en colaboración con el teólogo cristiano Xabier Pikaza y el &#64257; lósofo musulmán Abdelmumin Aya. Junto a este último también ha publicado Dites del profeta Muhàmmad. Cent quinze hadisos qudsi. Otras obras son Las hijas de Ares (sobre el mito de las amazonas) y El con&#64258; icto árabe-israelí. Una visión no estatolátrica. Entre sus obras no publicadas se encuentran Orígenes de los judíos: diáspora y proselitismo y El ateísmo en el mundo islámico.

Almuzara

Espiritualidad Almuzara

Tratado de demonología

Amedeo Modigliani (Livorno, 1884 ? París, 1920) fue un pintor y escultor italiano, conocido por sus retratos y desnudos caracterizados por el alargamiento de los rostros y las figuras. Pasó su juventud en su país natal, donde estudió el arte de la Antigüedad y el Renacimiento y donde empezó a tomar clases de pintura, primero en Florencia y posteriormente en Venecia. En 1906 se trasladó a París, y allí entró en contacto con prominentes artistas como Pablo Picasso y Constantin Brâncus¸i. En el marco de la pintura moderna, la concepción de su pintura, basada en el diseño lineal, y la pureza arcaica de su escultura convirtieron a Modigliani en una personalidad excepcional, aislada de las corrientes entonces en boga ?cubismo, futurismo, dadaísmo, surrealismo?. Sólo póstumamente su obra se revalorizó y alcanzó el éxito y en la actualidad se le considera uno de los mayores artistas del siglo xx, presente en los principales museos del mundo.«Únicamente la obra que ha llegado a su máximo grado de gestación, encarnada y liberada del lastre que suponen los singulares incidentes que han contribuido a formarla y producirla, merece ser expresada y traducida mediante el estilo.»Amedeo Modigliani

Los rostros de las palabras (2014)

Arte e historia en la edad media II (2013)

Derivas (2021)

Eloísa está debajo de un almendro (2019)

El arte moderno

Prácticas artísticas e internet en la época de las redes sociales (2015)

Arte y archivo, 1920-2010 (2011)

El fin del arte

Posiciones críticas (2005)

Goya y sus caprichos (2016)

Velázquez el pintor del aire (2010)

Historia de la estética y de la teoría del arte

Vida de Don diego de velázquez de silva (2008)

Vidas de pintores (2005)

De la arcilla a la ceramica (2025)

La historia del arte (2023)

Arte y ciencia (2010)

Los ángeles del fango (2024)

Picasso (2011)

La vidriera española. Ocho siglos de luz (2011)

El fetiche en el museo (2011)

El factor diseño (2011)

Tratado de demonología (2013)

Cartas (2020)