Tapa blanda

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Ediciones Akal

Akal

Estudios Visuales

La experiencia del arte medieval

Suspensiones de la percepción analiza la naturaleza paradójica de la atención en la cultura moderna, en tanto ha constituido tanto una condición fundamental de la libertad individual, la creatividad y la experiencia, cuanto un elemento central para el funcionamiento eficiente de las instituciones y de la economía. El autor sostiene que nuestra manera de contemplar y escuchar al otro es el resultado de un cambio crucial que se produjo en la naturaleza de la percepción en la segunda mitad del siglo diecinueve.

Suspensiones de la percepción

Los nueve capítulos de la presente obra ofrecen una completa introducción a la práctica contemporánea del grabado, tal como se recoge en el currículo universitario de las facultades de Bellas Artes. Además del estudio de los soportes y materiales, se analizan y explican, desde un punto de vista tanto teórico como práctico, sus principales técnicas (manuales, mecánicas y las más modernas digitales), de la xilografía a las técnicas mixtas, pasando por la calcografía y la serigrafía. El libro concluye con dos capítulos relacionados con la identificación y conservación de estampas, así como con un glosario que servirá de guía al lector que se inicie en el conocimiento de este ámbito de la creación artística.

Ediciones Akal, S.a.

Akal / Bellas Artes

Grabado: Procesos y técnicas

Giovan Pietro Bellori (1615-1696), bibliotecario de Cristina de Suecia y responsable de las antigüedades romanas, fue uno de los personajes cruciales en la vida cultural y artística de la ciudad durante la segu nda mitad del siglo XVII y el impulsor de un mito de Roma que se mante ndrá vivo durante los dos siglos siguientes.Su obra más importante, la s 'Vite de'Pittori, Scultori ed Architetti moderni', aparecida en 1672 , inicia un nuevo tipo de biografías de artistas que se apartan radica lmente del modelo establecido por Vasari en el siglo anterior. A difer encia de las que se habían escrito hasta ese momento, en sus 'Vidas', basadas en informaciones muy exactas, Bellori selecciona, por razones de gusto, una serie de nombres no sólo italianos sino también francese s y flamencos, reflejando el ambiente cosmopolita de la Academia franc esa en Roma y poniendo a prueba, con total éxito, un nuevo método para describir y analizar las obras de arte. Enemigo del naturalismo y de l manierismo, escribe su obra con una clara voluntad polémica en defen sa de los mismos principios clasicistas que se encuentran en la pintur a de su gran amigo Nicolas Poussin.En la presente edición se han selec cionado el discurso sobre 'La idea de la Pintura, Escultura y Arquitec tura', que sirve como prólogo a la obra, y las biografías de los arti stas más importantes que aparecen en las 'Vidas': Annibale Carracci, M ichelangelo Caravaggio, Peter Paul Rubens, Anton van Dyck y Nicolas Po ussin, que se ofrecen traducidas por primera vez al castellano en vers iones íntegras y anotadas.

Hieroglyphica

Tercer volumen de la historia de la estética de W. Tatarkiewicz. Junto al minucioso estudio del autor sobre las claves de la estética del período, incluye numerosos textos de artistas y tratadistas cuyas versiones originales se ofrecen junto a su correlativa traducción al castellano

Akal / Arte y Estética

Historia de la estética III

Volumen segundo de la Historia de la estética de W. Tatarkiewicz. Las corrientes culturales y artísticas , orientales y occidentales, hasta la época de Dante. Incluye en versión bilingüe una extensa antología de los textos originales en que la obra se basa.

Historia de la estética II

Esta obra presenta una visión del arte del siglo XX, a mitad de camino entre el ensayo y la historia. Constituye una trama, por ser un conjunto de apreciaciones, consideraciones y reflexiones sobre el fenómeno de la modernidad artística. El contenido se divide en dos secciones: la primera presenta una narración continua estructurada en capítulos, y la segunda, a modo de diccionario, constituye un complemento y guía de la anterior. Es un instrumento fundamental para comprender los porqués y los cómos de las manifestaciones artísticas del siglo XX.

La trama de lo moderno

El arte no es sólo europeo o americano. ¿Cuáles son pues, en el siglo XX, los creadores indios o los chinos, los magrebíes o los australianos? ¿Qué relaciones pueden encontrarse entre los japoneses del grupo Gutai y el paso de John Cage por el Black Mountain College? ¿Cómo accedieron a la notoriedad y la fama las distintas vanguardias de este siglo? ¿Quiénes fueron sus críticos, sus marchantes, sus coleccionistas? Para responder a preguntas como éstas se ha creado el presente diccionario. En él se encontrarán entradas ?acompañadas de bibliografías? de todos los grandes pintores y escultores, así como de movimientos y tendencias que han modificado nuestra sensibilidad, pero también informaciones precisas sobre su entorno (revistas, teóricos, críticos, exposiciones internacionales), y sobre los conceptos que permiten describir sus innovaciones. Una cincuentena de autores, bajo la dirección de Gérard Durozoi, ha trabajado durante cuatro años para lograr esta síntesis única: 2.200 entradas cubren el arte de los cinco continentes. Un juego de remisiones entre las noticias y una ilustración abundante y variada, obras, pero también documentos y fotos de archivos, nos invitan a múltiples recorridos susceptibles de satisfacer la curiosidad de la inteligencia y la mirada.

Otro

Diccionario akal de arte del siglo XX

Aunque el Tratado de Pintura de Leonardo da Vinci no fue impreso hasta el siglo XVIII, los fragmentarios manuscritos que para componerlo reunieron sus primeros editores habían circulado profusamente por Europa y suscitado la admirada curiosidad de artistas y eruditos. Se trata de otra de las empresas imposibles de Leonardo, un fracaso más de los que, por muy dispares caminos, se cebaron en su empeño de refundir todas las formulaciones empíricas y todos los tópicos conceptuosos del Renacimiento, ordenándolos en un sistema universal. Toda edición del Tratado debe entendérselas con la dificultad de evocar esta visión y ese fracaso, seleccionando y combinando textos y dibujos, dificultad que no había sido salvada con acierto en las publicaciones existentes en lengua castellana. La versión que presentamos viene, pues, a cumplir una inaplazable exigencia de la bibliografía artística española.

Editorial Akal

Básica de Bolsillo

Tratado de pintura

Del arte objetual al arte de concepto

Considerado como el estudio clásico sobre el arte, la ciencia y el pensamiento de Leonardo, esta obra magistral da cuenta, con una profundidad sin igual, del desarrollo intelectual y artístico de este genio del Renacimiento. A lo largo de sus páginas el lector tiene la oportunidad de recorrer una exhaustiva «biografía cultural» que atiende a la naturaleza de su arte y pensamiento en etapas claves de su vida, y da sentido a sus múltiples y diversas obras, poniendo al descubierto las preocupaciones subyacentes y las fuerzas motrices que las produjeron. Desde su temprana formación en Florencia hasta llegar a los impactantes dibujos del "Diluvio" de sus últimos años, Martin Kemp nos ofrece una imagen completamente integrada de los logros artísticos, científicos y tecnológicos de Leonardo, haciendo del presente libro la introducción definitiva a esta figura clave del arte occidental.

Leonardo da vinci. Las maravillosas obras de la naturaleza y del hombre

Por primera vez se presenta en lengua espaÃ±ola una obra clave en la h istoriografÃ¡a artÃ¡stica, que se encuentra en la raÃ¡z de algunas de las principales corrientes que han marcado el desarrollo de la discipl ina en el Ãºltimo siglo, de la iconologÃ¡a de Panofsky a los modernos Estudios Visuales. Mnemosyne es el gran proyecto al que Aby Warburg d edicÃ³ los Ãºltimos aÃ±os de su vida y que debÃ¡a resumir y coronar to da su obra. Para ello, recopilÃ³ unas 2.000 imÃígenes articuladas en 6 0 tablas en un magno atlas que quedÃ³ sin terminar a su muerte. A pesa r del interÃ©s que habÃ¡a despertado entre sus contemporÃíneos y de lo s intentos llevados a cabo por los colaboradores de la Biblioteca Warb urg despuÃ©s de su traslado a Londres, el material no vio la luz hasta la ediciÃ³n de la Akademie Verlag llevada a cabo por Martin Warnke, u no de los mÃís prestigiosos historiadores del arte de las Ãºltimas dÃ© cadas. Dicha ediciÃ³n, que respeta escrupulosamente la obra tal com o la dejÃ³ Warburg,

Tapa dura

Atlas mnemosyne

Este ensayo de Bertrand Lemoine penetra en la personalidad de Gustave Eiffel a través del estudio cronológico de sus obras, lo que se convie rte en todo un ejercicio de análisis de la prehistoria a la modernidad que -por detrás de la famosa Torre Eiffel, ese gran árbol que impide ver el bosque, aunque resume y exalta exactamente el elevado sentido d e esa historia- permite conocer las numerosas y a menudo insospechada s realizaciones con las que Eiffel contribuyó a consolidar los rasgos más potentes de la era industrial contemporánea. Esta edición inc luye un epílogo de Antonio Bonet Correa sobre Eiffel en España.

El arte moderno

Desde la explosión de las vanguardias, las prácticas performativas han acompañado el desarrollo del arte como una suerte de «laboratorio experimental para algunas de las más originales y radicales formas artísticas», en palabras de RoseLee Goldberg. La performance no surge de una manera inopinada, bajo unas condiciones irrepetibles que le imprimieran el sello de un tiempo concreto. En tanto elemento transversal a los distintos contextos de producción que han jalonado la historia del arte de los últimos 110 años, la performance se puede considerar como ese «exceso» que ha desbordado los márgenes de inteligibilidad de cada uno de ellos. Este libro ofrece una perspectiva lo más generosa posible sobre el camino transitado por la performance desde las vanguardias hasta hoy, pero, al mismo tiempo, dejar abierta la posibilidad de un número indefinido de estrategias alternativas de narración.

Akal / Arte Contemporáneo

Arte y performance

Un poderoso alegato contra el sometimiento histórico de la mujer, una denuncia de la guerra como fundamento de la violencia del patriarcado.En el presente libro se abordan las construcciones, narraciones y tecnologías históricas, religiosas, filosóficas y científicas del lenguaje y del discurso del «saber» que han determinado la identidad, la función y la constitución psíquica y corporal de las mujeres, así como su inscripción en los roles simbólicos, sociales, sexuales y laborales de género y su exclusión del espacio público. Aporta materiales y (con)textos para una crítica feminista de la violencia y enfoca las luchas de las mujeres para enfrentarse al silencio y a la injusticia de su condición, desde figuras trágicas como Antígona, Casandra e Ifigenia hasta las declaraciones, escritos y miradas de ilustradas, revolucionarias, filósofas, teóricas y artistas en la actualidad, a través de sus escritos, argumentos y razonamientos.Erigidas en sujetos políticos de lenguaje, las autoras afrontan y desenmascaran en la escritura y las obras artísticas las mitologías, los discursos y las leyes que las han sometido ?aunque no acallado?, manifiestan su resistencia al victimismo y a la esclavitud, y denuncian la guerra ?de Troya a Bosnia, Palestina o Iraq? como fundamento de la violencia del patriarcado.

La mordaza de ifigenia

Frente al tiempo lineal,_x000D_acelerado y capitalizado del presente, en las últimas décadas un gran número de_x000D_artistas ha tratado de explorar modalidades alternativas de experiencia_x000D_temporal: interrupciones, demoras, alteraciones, saltos, discontinuidades, desincronizaciones..._x000D_contratiempos que ponen en jaque un imperialismo cronológico cuyo origen puede_x000D_buscarse en los albores de la modernidad y cuyos efectos llegan hasta nuestros días,_x000D_multiplicados y expandidos.Partiendo del_x000D_análisis de la obra de artistas como Rodney Graham, Tacita Dean, Fernando_x000D_Bryce, Patrick Hamilton o Xu Bing, y de pensadores como Walter Benjamin,_x000D_Georges Didi-Huberman, Mieke Bal o José Luis Brea, los ensayos de este libro modulan esa tesis a_x000D_través de una serie de cuestiones fundamentales para entender el arte y la cultura visual de las últimas dos décadas: la potencia_x000D_crítica de la obsolescencia y el retorno de la materialidad, el arte de_x000D_historia y su cuestionamiento de la linealidad temporal, el anacronismo y la_x000D_heterocronía, las estéticas migratorias, la complejidad del arte global, el_x000D_fenómeno del bienalismo y la ética curatorial, las políticas del arte o la_x000D_potencia del pensamiento visual. Cuestiones todas atravesadas por la convicción_x000D_de que el arte piensa y nos hace pensar, y que, hoy más que nunca, se configura_x000D_como un espacio único para ensayar formas críticas y diferentes de recordar el pasado,_x000D_habitar el presente e imaginar el futuro.

El arte a contratiempo

El arte de las primeras vanguardias se suele analizar bajo dos grandes «paradigmas»: el de la obra única, cuyo carácter de singularidad deriva de la ruptura formal y del efecto shock, y el de la multiplicidad, dominado por la discontinuidad del espacio-soporte. Pero hay un «tercer paradigma» generalmente olvidado, el del archivo. A su estudio se ha dedicado este libro, en el que se analizan sus fuentes, sus precedentes, su desarrollo y sus principales ejemplos a lo largo del siglo XX y los del XXI, ocupándose del trabajo de los artistas visuales que registran, coleccionan, almacenan o crean imágenes que, «archivadas», han devenido inventarios, tesauros, atlas o álbumes. Artistas que se valen del archivo como un nexo entre la memoria y la escritura, como un territorio fértil para todo escrutinio teórico e histórico, o como un lugar para reconstruir visiones utópicas.

Arte y archivo, 1920-2010

En El fin del arte Donald Kuspit sostiene que el arte ha llegado a su término porque ha perdido su carga estética. El arte ha sido sustituido por el «postarte», un término inventado por Alan Kaprow como una nueva categoría visual que eleva lo banal por encima de lo enigmático, lo escatológico por encima de lo sagrado, la inteligencia por encima de la creatividad. Remontando la desaparición de la experiencia estética hasta las obras y la teoría de Marcel Duchamp y Barnett Newman, Kuspit sostiene que la devaluación es inseparable del carácter entrópico del arte moderno y que el antiestético arte posmoderno constituye su fase final. A diferencia del primero, que expresaba el inconsciente humano universal, este último ha degenerado en una expresión de estrechos intereses ideológicos. Como reacción a la vacuidad y el estancamiento del postarte, Kuspit señala el futuro estético y humano que traen los Nuevos Viejos Maestros. Amplio e incisivo repaso del desarrollo del arte a lo largo del siglo XX, El fin del arte señala a las artes visuales el camino hacia el futuro.

El fin del arte

La obra se inicia con un breve recorrido histórico sobre el origen de las imágenes sagradas en el cristianismo, de su defensa como medio de difusión y enseñanza de los contenidos religiosos aprobados por la Igl esia, así como de su, desde este punto de vis

Iconografía cristiana

La presente guía se compone básicamente de cuadros o tablas en los que se ofrece la información correspondiente a cada uno de los personajes tratados. Las tablas dedicadas a los distintos dioses y divinidades t ienen 4 secciones (episodios, atributos, func

Iconografía clásica

¿Qué es realmente Banksy, un artista o un activista? ¿Cuál es su relación con el mercado? Y, sobre todo, ¿quién diantres es Banksy? Lo único cierto es que su figura ha alcanzado fama planetaria. Su trabajo siempre ha tenido implícitas una crítica política a cualquier forma de discriminación, una crítica del consumismo, de la contaminación medioambiental y del orden constituido. Pero, ante todo, es un fantasma: estamos ante un caso ejemplar de una notoriedad construida sobre la ausencia, el anonimato, la negación de la contribución explícita al debate público salvo en términos de activismo creativo. El presente volumen actualizado, el único que cuenta con la aprobación oficial del propio Banksy a través de la organización Pest Control, plantea un recorrido por la vida, la obra y las ideas del artista más discutido de los últimos decenios. Y aborda uno de los temas más controvertidos: su relación con el mercado, a un tiempo distante, hostil, mas plenamente inserta en una lógica del márketing que se ha mostrado como una de las más eficaces jamás experimentadas. En suma, una contradicción aparente (o real) ent

Banksy

Un Picasso por descubrir, un Picasso fundamentalComo confió a Jaime Sabartés en 1939, Pablo Picasso soñaba con un libro que «sería el reflejo más exacto de su personalidad, así como su retrato más fiel. En él quedaría expresado el desorden que le es propio. Cada página sería un verdadero popurrí sin el menor atisbo de organización o de composición. [...] Simplicidad y complejidad se combinarían como en sus cuadros, sus dibujos o sus textos, como en una habitación de su apartamento o de su taller, como en él mismo».En la estela de su deseo, la presente edición ofrece al lector el conjunto de los escritos de Picasso, entre los que se cuentan un gran número de inéditos descubiertos tanto en la colección de Dora Maar como en colecciones privadas y en las de los Museos Picasso de París y Barcelona. Realizados con lápiz negro, lápices de colores, tinta china, bolígrafo, incluso con rotulador, estos textos se despliegan en papel de dibujo, de cartas, reversos de sobres, invitaciones, fragmentos de periódicos... Algunos llegaron a ser grabados, coloreados, litografiados o pintados, con lo que quedaron elevados al rango de obra de arte.La fascinación que continúa ejerciendo Picasso en el público actual hace más necesaria que nunca la lectura de estos escritos, con frecuencia desconocidos y, sin embargo, indispensables para comprender su obra. Este volumen, con introducción y notas de Marie-Laure Bernadac y Christine Piot, y acompañado de un importante aparato gráfico, permite sumergirse en el corazón del proceso creativo de uno de los más grandes artistas del siglo xx.

Escritos 1935-1959

Spolia sancta

El Renacimiento meridional y El gran taller de Italia se publicaron por vez primera en 1965 en la prestigiosa colección «El Universo de las Formas». Los dos textos, que se ocupan del mismo periodo, el final del Quattrocento, fueron concebidos por su autor como un todo, y su publicación supuso una auténtica revolución en el conocimiento que, del Renacimiento del país transalpino, se tenía hasta ese momento. De hecho, en la actualidad siguen considerándose libros de referencia. En los distintos capítulos, André Chastel nos descubre una Italia que se impone a toda Europa como el lugar donde la exigencia artística, llevada a lo más alto, constituye una auténtica voluntad de cultura. Fue, sin duda, el gran taller de Occidente ? o más bien, una multitud de pequeños talleres (las botteghe) repartidos por los grandes focos artísticos (los centros) que eran entonces Urbino, Florencia, Roma..., dominados por personalidades tan excepcionales como las de Lorenzo el Magnífico, Federico da Montefeltro, Lodovico el Moro o el papa Sixto IV. De estos talleres salieron las obras maestras de Piero della Francesca, Botticelli, Bellini, Ghirlandaio, Verrocchio o Leonardo da Vinci, entre otros. Cuadro, fresco, palacio, iglesia, escultura, marquetería, elementos decorativos: los mayores talentos, en competencia, no dejaron de lado ningún género. Y para ofrecer una visión completa y fiel de este rico panorama, Chastel aplica con rigor su métodos de análisis, que marcaron profundamente la disciplina histórico-artística: proximidad al detalle, circunstancias del encargo, textos que alimentaron la inspiración del artista. De este modo, las obras más enigmáticas desvelan su sentido en su extrema complejidad. En la presente edición se han mantenido los cerca de 300 documentos gráficos de la original, acompañados de comentarios inéditos realizados para la ocasión por un equipo de historiadores del arte.

La experiencia del arte medieval (2022)

Suspensiones de la percepción (2008)

Grabado: Procesos y técnicas (2014)

Hieroglyphica

Historia de la estética III

Historia de la estética II

La trama de lo moderno (1993)

Diccionario akal de arte del siglo XX

Tratado de pintura

Del arte objetual al arte de concepto (2012)

Leonardo da vinci. Las maravillosas obras de la naturaleza y del hombre (2011)

Atlas mnemosyne (2010)

El arte moderno

Arte y performance (2022)

La mordaza de ifigenia (2022)

El arte a contratiempo (2020)

Arte y archivo, 1920-2010 (2011)

El fin del arte

Iconografía cristiana (2008)

Iconografía clásica (2008)

Banksy (2024)

Escritos 1935-1959 (2023)

Spolia sancta (2023)

El renacimiento italiano, 1460-1500