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Aunque en España se considera que las dos obras representativas de Calderón son &quot; La vida es sueño &quot; y &quot; El alcalde de Zalamea &quot; , para la historia del teatro universal su obra clave es &quot; El príncipe constante &quot; . La importancia de este drama histórico para el teatro europeo la tienen tres personajes esenciales en el teatro contemporáneo: el alemán Goethe, el ruso Meyerhold y el polaco Grotowski. No hay ninguna otra obra de Calderón que haya resultado tan esencial para la renovación del teatro universal, desde el Teatro Espectáculo de Goethe en Weimar, la Biomecánica de Meyerhold y el Teatro Pobre de Grotowski. El texto teatral de Calderón nos muestra el camino hacia el heroísmo a través de la extenuación física y la resistencia paciente frente a la tortura. Nos muestra también (tema muy calderoniano) la defensa de la libertad como experiencia y elección individual consciente frente a las imposiciones de la Razón de Estado.

Cátedra

Letras Hispánicas

El príncipe constante

Si bien la obra de Bertolt Brecht (1898-1956) abarca muy diversos géneros, su legado literario ha ejercido una influencia decisiva ante todo en el dominio del teatro. Después de un largo exilio forzado por el régimen nazi, a su regreso a Alemania fundó y dirigió la compañía Berliner Ensemble, donde llevó a la práctica, a través de sus múltiples experiencias innovadoras, su teoría del teatro épico, que postula sustituir la intensidad emocional ligada al teatro tradicional por el alejamiento reflexivo y la observación crítica a través del distanciamiento. Este décimo volumen de la serie que recoge su «Teatro completo» incluye dos piezas escritas entre 1943 y 1945: " Schweyk en la Segunda Guerra Mundial " , que retoma al inolvidable personaje de Jaroslav Hasek, y " El círculo de tiza caucasiano " , una de sus obras más representadas.Traducción de Miguel Sáenz

El Libro De Bolsillo

Schweyk en la segunda guerra mundial. El círculo de tiza caucasiano

Pocos dramaturgos contemporáneos pueden mostrar una obra tan versátil y rica en matices como la que, en su breve existencia, fue capaz de componer Federico García Lorca (1898-1936). Siguiendo el ejemplo de sus admirados maestros del Barroco ?Lope de Vega, Tirso de Molina y Calderón de la Barca?, Lorca entendió el teatro como un vasto campo de experimentación, y dejó fluir su inspiración por cauces diversos: la comedia simbolista, el drama histórico, la farsa carnavalesca, el guiñol, la tragicomedia o la tragedia. En todas estas obras supo mantener el difícil equilibrio entre su innato afán renovador y su deseo de no distanciarse demasiado de sus receptores. Ello no le impidió abrir otra línea de vuelo más exigente y atrevido, con la que quería anticiparse al teatro de un tiempo futuro. A esa intención de socavar el tablado escénico para que afloren las pasiones más escondidas responde el drama que el lector tiene en sus manos: El público, un texto anticonvencional, heterodoxo, maldito, el canto a una nueva comprensión no sólo de la escena sino también de la sociedad. El público habla del amor en su dimensión más abstracta y universal, aunque no cabe duda de que la singularidad de su texto depende, en buena parte, de la importancia que la temática homosexual cobra en este drama.

El público

Especialmente estimada por Federico García Lorca, "El público" es la más transgresora y vanguardista de sus obras dramáticas, y expresa de manera desgarrada y violenta su visión del deseo, de la homosexualidad y de la verdad en el teatro. Escrita a partir de su viaje a Nueva York, el estallido de la Guerra Civil y el asesinato del autor impidieron que llegara hasta nosotros la versión definitiva de esta obra, de la que sólo se ha conservado un borrador autógrafo, reproducido fielmente en esta edición. Completa el volumen el único acto de la obra inconclusa "El sueño de la vida", otra importante obra experimental de Lorca conocida hasta ahora como «Comedia sin título».  Especialmente estimada por García Lorca, "El público" es la más transgresora y vanguardista de sus obras dramáticas, y expresa de manera desgarrada y violenta su visión del deseo, de la homosexualidad y de la verdad en el teatro. El estallido de la Guerra Civil y el asesinato del autor impidieron que llegara hasta nosotros la versión definitiva de esta obra, de la que sólo se ha conservado un borrador autógrafo, reproducido fielmente en esta edición. Completa el volumen el único acto de la obra inconclusa "El sueño de la vida", también conocida como «Comedia sin título».  Edición de Antonio Monegal

El público. El sueño de la vida

Eurípides es el más inquieto y apasionado de los tres grandes autores trágicos griegos. Seguramente también es el más influyente, gracias a su sensibilidad poética, más cercana a la actual. A diferencia de Esquilo y Sófocles, que le precedieron, Eurípides humaniza y dota de carácter realista al mito, da rienda suelta a los arrebatos poéticos, a la vez que también se muestra muy racionalista. En este contraste contradictorio radica parte de su encanto y de su modernidad.áEl segundo tomo de las tragedias completas de Eurípides en la Biblioteca Clásica reúne las obras: Las suplicantes, Heracles, Ion, Las troyanas, Electra e Ifigenia entre los tauros.á

Nueva Biblioteca Clásica Gredos

Tragedias II

Después de una terrible pandemia, la sociedad queda dividida en dos. Budismo zen, pandemias, ciencia ficción y vampiros en el mejor teatro contemporáneo japonés.A principios del siglo XXI, una virulenta epidemia provocada por el bioterrorismo ha dividido al mundo en dos comunidades: la de los nox, seres de la noche, eternamente jóvenes, inteligentes, fuertes y sanos; y la de los curios, aquellas personas que sobrevivieron a la pandemia, pero que siguen siendo vulnerables al virus, y que ahora viven en guetos. En una de estas aldeas aisladas hace años asesinaron a un nox y, desde entonces, sus habitantes han sufrido un embargo que por fin va a concluir. Lamentablemente, con el restablecimiento de las relaciones entre nox y curios, regresan los prejuicios y los viejos rencores.Tomohiro Maekawa ha sido galardonado con un gran número de premios, tales como el Premio Yomiuri o el Kinokuniya y algunas de sus historias han llegado a la gran pantalla.Maekawa demuestra su profunda comprensión de la naturaleza humana a través de una trama donde lo extraordinario y el pensamiento zen se dan la mano.Satori edita por primera vez a este fantástico autor, quien ha conseguido llevar los géneros de la ciencia ficción, la fantasía y el terror a la escena japonesa actual gracias a su increíble imaginación.El teatro moderno japonés por fin al alcance del público hispanohablante.

Satori Contemporánea

El sol

El soldado fanfarrón

A pesar de que, actualmente, "El Solitario" se cuenta entre las obras más desconocidas de Concha Méndez, no solo es uno de los proyectos literarios a los que más tiempo y constancia dedicó, sino también uno de los más logrados en el plano estético y de los más valiosos para comprender el conjunto de su literatura. En ella, Méndez dio cuerpo escénico a los temas mayores de su lírica llevándolos al ámbito del teatro, un género por el cual siempre había demostrado interés. "El Solitario" refleja cómo temas secundarios o no presentes hasta entonces en la obra de Méndez, como la soledad y el exilio, cobran fuerza en su obra a partir del desastre de la guerra civil y del periplo lejos del hogar que supusieron los años siguientes.

El solitario

La voz y el actor contiene el método de aprendizaje y producción vocal que Cicely Berry utiliza en la mítica Royal Shakespeare Company; un auténtico referente de la formación vocal para directores y actores teatrales que desde hace décadas aporta ejercicios para el desarrollo de la relajación y el control de la respiración.

Alba

La voz y el actor

La obra maestra de Leandro Fernández de Moratín y una de las piezas de teatro más importantes de la Ilustración española. El sí de las niñas, la más famosa de las comedias neoclásicas españolas, narra con estricta sujeción a las unidades de acción, espacio y tiempo la ruptura del compromiso entre don Diego y Francisca, una muchacha enamorada de un tercero. Crítica con la educación que se daba a las jóvenes en los conventos y con los matrimonios arreglados, la obra es un verdadero compendio del pensamiento ilustrado. Nuestra edición, a cargo de Ismael López Martín, profesor de literatura española de la Universidad de Extremadura, incluye una introducción, un apartado de notas, una cronología y una bibliografía orientados a facilitar la cabal comprensión del texto.

Penguin Clasicos

Penguin Random House

El si de las niñas

El teatro tradicional japonés pretende mostrar al aficionado una nueva manera de aproximarse a las grandes formas escénicas de Japón.En sus páginas se habla del bugaku, no, kyogen, bunraku y kabuki, destacando que algunos de sus planteamientos también están presentes en la pintura, escultura, arquitectura o jardinería japonesas. Ahí radica lo novedoso de este trabajo, en descubrir las correlaciones existentes entre el teatro y el resto de las artes visuales niponas.De esas cinco tipologías se exponen sus orígenes, elementos escénicos y técnicas de actor subrayando, en cada uno de estos apartados, conceptos recurrentes como el vacío, lo horizontal, lo sugerido o lo irreal.El ensayo se completa con una bibliografía, webgrafía y videografía, así como un glosario de términos teatrales japoneses.

El teatro tradicional japones

Texto fundacional de toda una corriente dramática, el Teatro de la Crueldad, de la que son deudores desde dramaturgos tan internacionales como Fernando Arrabal hasta grupos tan innovadores como La Fura dels Baus. Artaud, retomando diversas líneas de teatro folklórico y de mitos de diversas culturas, y alejándose de la tradición helénica, propone un teatro completamente inusual en su tiempo basado en el gesto y en la necesidad de impresionar al espectador mediante la estimulación de los sentidos. Destacando el movimiento, la acción, la gestualidad y la voz por encima de la historia de carácter narrativo, Artaud pretende llevar hasta sus últimas consecuencias la capacidad de crear una reacción física del espectáculo teatral. Aun cuando en su tiempo sus teorías fueron objeto de duras controversias y ácidas críticas, con el tiempo se han ido aceptando muchos de sus planteamientos (a menudo reformulados y matizados) hasta convertirse en un referente fundamental de la teoría dramática contemporánea.

Edhasa

Pocket Edhasa

El teatro y su doble

El sistema Stanislavski es la base pedagógica de la mayoría de las escuelas occidentales de teatro. En 1951 se editó El trabajo del actor sobre sí mismo en el proceso creador de la encarnación, un complemento al libro que el mismo autor, Konstantín Stanislavski, escribió bajo el título El trabajo del actor sobre sí mismo en el proceso creador de la vivencia (Alba Editorial, 2003). La influencia que ambos libros han tenido en el teatro y en el cine soviético, norteamericano y de muchos otros países ha sido enorme. Este segundo volumen -que tardó más de 20 años en gestarse- representa la ardua publicación, en su momento, de un conjunto de borradores mecanografiados, otros escritos a mano, con anotaciones en los márgenes y con multitud de esbozos. La guerra y la posguerra hicieron aún más difícil la publicación pero finalmente los manuscritos vieron la luz, gracias también a la colaboración de Stanislavski que poco antes de su muerte apartó los manuscritos necesarios para concluir del libro. En El trabajo del actor sobre sí mismo en el proceso creador de la encarnación, actores, directores de escena y cualquier lector ávido de conocer de primera mano el germen de El Método hallará el entrenamiento físico-vocal que Stanislavski propone para poder abordar el personaje. Escrito con el didactismo que le caracteriza, este texto de auténtica referencia llega por fin al lector español en traducción directa de su lengua original, tal y como el maestro ruso lo concibió.

Artes Escénicas

El trabajo del actor sobre sí mismo en el proceso creador de la encarnación

La casa de Bernarda Alba (1936) es una de las obras teatrales más conocidas y representadas de Federico García Lorca, y la última que publicó antes de su muerte. No fue hasta 1945 cuando se publicó y estrenó en Buenos Aires, de la mano de la actriz Margarita Xirgu. Escrita en tres actos, y ambientada en una época en la que las mujeres están sujetas a la tradición y opresión, Lorca utiliza esta obra para representar la lucha entre la represión y la libertad.Tras la muerte de su segundo marido, Bernarda Alba, de carácter fuerte y autoritario, obliga a sus hijas, como luto, a una reclusión de 8 años en su casa. Será ahí donde se desarrollará toda la obra teatral, donde sus cinco hijas lucharán por liberarse de su encierro.

Editorial Samaruc

La casa de bernarda alba

Las autoras incluidas en esta Antología presentan preocupaciones y procedimientos dramatúrgicos semejantes y abordan cuestiones fundamentales del panorama político, cultural y artístico de la actualidad. Sus obras quieren convertirse en discursos cívicos y en amplificadores culturales. Esta edición recoge obras de Lola Blasco, Antonia Bueno, Diana de Paco Serrano, Juana Escabias, Beth Escudé i Gallès, Aizpea Goenaga, Diana I. Luque, Gracia Morales, Itziar Pascual, Carmen Resino y Vanesa Sotelo. El volumen constituye una muestra muy significativa de las dramaturgias femeninas y del mejor teatro español de nuestros días.

Ediciones Catedra S.a.

Dramaturgas del siglo XXI

«La dama duende» es una de las obras donde mejor se encarnan todos los rasgos de la comedia de capa y espada, caracterizada por el ambiente urbano, el protagonismo de hidalgos, los enredos amorosos, la función de los celos, los desafíos, los conflictos de rivalidad entre hombres y las damas discretas. Obra cómica, por encima de todo, pretende entretener y divertir al público. El personaje de Doña Angela marca el curso de la acción, es ella la que vive un conflicto que debe ser resuelto a lo largo de la acción dramática: la ruptura del orden que debe conducir a la restauración del orden.

La dama duende

Sin duda alguna, Juan Mayorga es el dramaturgo español más relevante de los últimos veinte años, como demuestra ante todo su presencia continua en las carteleras de dentro y de fuera del país. Las dos obras que se recogen en este volumen no solo se cuentan entre las más aclamadas y reconocidas de su producción, sino entre las más representativas de la vertiente histórica de su teatro. Cabe indicar, no obstante, que hay que entender este adjetivo en un sentido amplio, pues para Mayorga (como para Buero Vallejo, uno de sus referentes inexcusables) el trabajo con la materia "histórica" en ningún caso exime al teatro de su actualidad, es decir, de su deber de iluminar el presente. Así, tanto "Himmelweg", centrada en un gueto de reclusión para judíos durante la represión nazi, como "El jardín quemado", cuya acción se sitúa en un psiquiátrico en el que todavía perviven las consecuencias de la guerra civil, nos devuelven rotundamente a nuestro propio tiempo y sus acuciantes preguntas.

Himmelweg - el jardín quemado

Como el propio título indica, se trata de la exposición de la teoría estética del autor, en la que quedan recogidas todas sus ideas acerca del arte y de la filosofía del arte, en donde tiene cabida desde el análisis del origen, contenido de verdad y vida de las obras, hasta su relación con la política y la sociedad, la filosofía de la historia, la tecnología o la lógica, pasando por estudios clásicos de filosofía del arte, como la estética kantiana, la hegeliana o la psicoanalítica. Se ofrece una nueva traducción con la totalidad de los textos que constituyen la edición oficial de Suhrkamp.

Akal

Editorial Akal

Teoría estética

Historia de una escaleraáes una de las creaciones más relevantes del gran dramaturgo español Antonio Buero Vallejo. El valor de esta pieza teatral recae en que representó el punto de inicio de una nueva manera de entender, componer y representar el teatro en España, siguiendo la renovación que tenía lugar en este género en la Europa de mediados del siglo xx. Esta obra ejemplifica cómo su autor defendió un concepto moderno de la tragedia para crear obras que continuaran interrogando al espectador sobre los deseos, las fustraciones o las limitaciones que acompañan la existencia humana. Buero Vallejo prentendía enfrentar al público con la realidad social de su tiempo y también ante los grandes interrogantes de la condición humana.

Historia de una escalera

La importancia de llamarse Ernesto (comedia de enredo, enlazamiento de absurdos, de donde nace el mejor Mihura) es una red compleja de divertimento, disparate y polisemia. Pero, además de lo referido, ahonda en una dualidad: Sin el lado oculto a la sociedad del Bien no hay Vida. La vida perfecta sería la totalidad de Ernesto y Jack juntos. Pero la sociedad burguesa -aún la sociedad de hoy, piénsese en los Estados Unidos- nos exige ser Jack (ser formales, ser como es debido, como la sociedad quiere) pero llamarnos Ernesto para sobrevivir, ir a una segunda vida (que debiera estar abrazada con la primera) en la que brota nuestro manantial oscuro, la fuerza terrenal del deseo, la transgresión, el eros, el profundo corazón de la materia. Hay que ser Jack -dice Wilde-, pero sin llamarse Ernesto -él lo sabía perfectamente- no hay más que represión o supervivencia. En tono de comedia de salón, de alta comedia burguesa -la que nace en Inglaterra con Sheridan y su Escuela del escándalo- La importancia de llamarse Ernesto es un alegato en pro de la libertad de la vida, en pro del bienestar de la conciencia, en pro de que seamos todos como somos.

Visor

La importancia de llamarse ernesto

Fundador en 1897 del Teatro del Arte de Moscú, la figura de Constantin Stanislavski (1863-1937) ocupa un puesto destacado en la reformulación de la labor interpretativa planteada a principios del siglo XX a causa de su empeño en desarrollar una concepción teatral basada en la adecuada ambientación de cada obra y en la preparación psicotécnica del actor. LA CONSTRUCCION DEL PERSONAJE, su último libro, fue publicado póstumamente, y el tratamiento de los temas que en él se abordan la caracterización física de los autores, el vestuario, la expresión corporal, la plasticidad del movimiento, la contención y el control, la dicción y el canto, la acentuación y la expresividad, el ritmo en el movimiento y el lenguaje, la ética teatral, etc. da fe de la riqueza de experiencias, el talento didáctico y el sentido dramático del gran actor y director de escena.

La construcción del personaje

«Mi hija viene con su vestido de novia y yo voy amatarla».Ifigenia llega al puerto de Áulide pensando que va a casarse con Aquiles. Sin embargo Agamenón, su padre y jefe del ejército griego, está a punto de sacrificarla a cambio de la gloria de arrasar Troya. Así comienza Ifigenia. Así comienza lamítica guerra. Para nuestra sorpresa, terminará como empezó, con el sacrificio de otra joven: Políxena.Las madres de las asesinadas, Clitemnestra y Hécuba, reinas de vencedores y vencidos, serán obligadas a desaparecer y callar. Así lo sentencian dioses y hombres. Pero ellas no lo harán. Porque una madre actúa allí donde la justicia divina o humana calla. Se abre el portón de acero de la venganza?

Eride Ediciones

Ifigenia

Los mejores libros jamás escritos Edición de Manuel Fernández Nieto, catedrático de Literatura Española en la Universidad Complutense de Madrid Aunque nunca cosechó el mismo éxito que con la novela, Miguel de Cervantes hablaba del teatro como su gran vocación. Prueba de su afición por el género es el estilo narrativo de Don Quijote de la Mancha, rico en diálogos y en situaciones entremesiles. Y es el entremés, junto con la comedia, uno de los géneros predilectos del autor. Sin embargo, el teatro de Cervantes ha sido, sin razón, poco apreciado. Ello se debe, posiblemente, al poco éxito que cosechó en su momento. Pero con el tiempo se le ha concedido a su producción teatral el valor que merece. La profundidad de sus personajes, así como el ingenio que tanto caracteriza al escritor, elevan sus comedias y entremeses al nivel de las mejores obras teatrales del siglo XVI. La presente edición se compone de dos comedias, La entretenida y La casa de los celos, así como de los entremeses La elección de los alcaldes de Daganzo y El retablo de las maravillas. Los complementan, además, la introducción, las notas y las actividades del catedrático de literatura española de la Universidad Complutense de Madrid Manuel Fernández Nieto. «¡Oh, tú, reparador de nuestras vidas, Amor, cura las ansias de mi alma, Que no pueden caber en un soneto!»

Dos comedias y dos entremeses

Doña rosita la soltera

El príncipe constante (2017)

Schweyk en la segunda guerra mundial. El círculo de tiza caucasiano (2019)

El público (2017)

El público. El sueño de la vida (2017)

Tragedias II (2025)

El sol

El soldado fanfarrón

El solitario (2022)

La voz y el actor

El si de las niñas (2022)

El teatro tradicional japones

El teatro y su doble (2011)

El trabajo del actor sobre sí mismo en el proceso creador de la encarnación (2009)

La casa de bernarda alba (2024)

Dramaturgas del siglo XXI (2014)

La dama duende (2011)

Himmelweg - el jardín quemado (2024)

Teoría estética (2005)

Historia de una escalera (2017)

La importancia de llamarse ernesto

La construcción del personaje (2011)

Ifigenia (2024)

Dos comedias y dos entremeses (2015)

Doña rosita la soltera