Otro

Tapa blanda

Tapa dura

Catalán

Español

Inglés

A. Machado Libros S. A.

Aache,Editorial

Abada Editores

Abada Editores, S.l.

Acantilado

Actar D

Actar Editorial (Font I Prat Associats,

Aguilar

Alba Editorial

Alianza Editorial

Alienta Editorial

Almuzara

Anaya Infantil Y Juvenil

Anaya Multimedia

Ardora Ediciones

Art Blume, S.l.

Ático De Los Libros

Berenice

Blackie Books

Bohodon Ediciones S.l.

Casimiro Libros

Debolsillo

Diseño Editorial

Ediciones Akal

Ediciones Akal, S.a.

Ediciones Arcanas, C.b.

Ediciones Asimétricas

Ediciones Cátedra

Ediciones Cinca, S.a.

Ediciones Del Serbal, S.a.

Ediciones Destino

Ediciones El Rompecabezas

Ediciones Encuentro, S.a.

Ediciones Omega, S.a.

Ediciones Paidos

Ediciones Peninsula

Ediciones Rialp, S.a.

Ediciones Robinbook, S.l.

Ediciones Trea, S.l.

Ediciones Universidad De Navarra, S.a.

Editorial Actar

Editorial Barrett

Editorial Base (Es)

Editorial Berenice

Editorial Bruño

Editorial Círculo De Bellas Artes

Editorial Comares

Editorial Edaf, S.l.

Editorial El Drac, S.l.

Editorial Grao

Editorial Reverte

Editorial Reverte Sa

Editorial Sexto Piso

Editorial Trotta, S.a.

Editorial Universidad De Granada

Editorial Universitaria Ramón Areces

Editorial Verbo Divino

Editorial Verbum, S.l.

El Paseo Editorial

El Viso Ediciones

Elba

Espasa

Fondo Cultura Economica

Fórcola Ediciones

Fundacio Joan Miro

Galaxia Gutenberg, S.l.

Gallo Nero Ediciones

Herder Editorial

Hoaki

Iberoamericana Editorial Vervuert, S.l.

ICARIA Editorial

Instituto Monsa De Ediciones, S.a.

Ivorypress

Kalandraka

La Pajarita De Papel Ediciones

Larousse

Letrame S.l.

Libros Cúpula

Libros Discos Crudos

Los Libros De La Catarata

Milky Way Ediciones

Minotauro

Monsa

Montesinos

Nivola

Olañeta

Palestra Editores

Parramón

Pepitas De Calabaza

Phaidon

Phaidon Ingles

Pinolia

Recolectores Urbanos Editorial

Rm Verlag, S.l

Seix Barral

Sintesis

Siruela

Taschen

Tecnos

Aparecido en 1926, Punto y línea sobre el plano es la continuación orgánica de otro texto de Kandinsky también publicado por Paidós, De lo espiritual en el arte, y debe su origen, en su mayor parte, a la tarea que su autor había asumido en la Bauhaus desde 1922. En efecto, tanto en su pintura como en sus ideas estéticas, Kandinsky mostró siempre una personalidad absolutamente vanguardista y provocadora de acaloradas polémicas. Y, en este sentido, la presente obra es uno de sus trabajos fundamentales, ya que, a la par que una esclarecedora contribución al análisis de los elementos esenciales del quehacer pictórico, constituye una aportación básica a la búsqueda de un método genérico para las investigaciones de las ciencias artísticas. El libro, finalmente, también revela a Kandinsky como un artista apasionado y siempre deseoso de explicar y explicarse las razones primeras y más profundas de esa extraña y singular aventura que es la creación artística.

Ediciones Paidós

Paidós

Paidós Estética

Punto y línea sobre el plano

Quinientos años después de su muerte, este volumen de preciosa factura y gran formato recorre la vida y obra de Rafael. Destaca no solo el extraordinario genio artístico, sino también aspectos menos conocidos de la personalidad del gran maestro, quien demostró habilidades empresariales sorprendentemente modernas en su carrera: desde la gestión de una red variada de colaboradores hasta el uso de herramientas de marketing pioneras. De hecho, se dedica un capítulo entero a los grabados que utilizaba Rafael para promocionar sus obras. Un punto de vista original sobre un genio indiscutible, que se convirtió en todo un referente para los artistas de los siglos posteriores.

Rafael

Seiko continúa en arresto preventivo mientras el proceso judicial sigue su curso. La familia Osabe lucha por mantenerse en pie, pero Seiichi parece decidido a desterrar definitivamente a su madre de su cabeza. Sin embargo, no le será tan fácil. A la par que retoma el contacto con Fukiishi, su situación parece mejorar y el invierno transcurre con tranquilidad... ¡¡Pero los días de sosiego llegan a su fin cuando el muchacho recibe una visita inesperada...!!

Milky Way

Rastros de sangre 10

Por su altura poética y su libertad imaginativa Zeami es una de las figuras más relevantes de la cultura clásica japonesa. Junto con su padre Kanami, es el creador de una nueva forma escénica, el teatro N?, que conjuga danza, canto y poesía en un espectáculo solemne y refinado que aún hoy sigue representándose. Nacido hacia 1364, Zeami sintetiza el pensamiento religioso de su época, la tradición popular y la formación clásica del cortesano y reúne las condiciones de un completo hombre de teatro: poeta dramático, actor, coreógrafo, músico, teórico y director de escena. Por un lado, su experiencia artística aparece compendiada en veintiún tratados que representan los pilares teóricos de la dramaturgia oriental y que muestran un inesperado interés para el lector moderno. «F?shikaden», traducido aquí por primera vez al castellano, es el tratado básico sobre el qwue Zeami irá construyendo su teoría teatral posterior y en él atiende por igual a la progresiva formación del actor, a la escritura de las obras o al papel del espectador, con especial dedicación al modo de manifestarse la belleza en escena y de lograr el éxito de la representación. Por otra parte, su extensa producción dramática comprende decenas de obras que revelan un intenso conocimiento de la variedad del corazón humano: el amor, la fidelidad, los celos, el honor, la venganza, la valentía, la ira... En el complejo universo imaginario de Zeami se cruzan alusiones al pensamiento budista, citas de la poesía clásica china y japonesa, apariciones fantasmales, bellos paisajes naturales y figuras arquetípicas como el viejo, la dama y el guerrero. Las cuatro piezas traducidas («Yashima», «Hanjo», «Ayanotsuzumi» y «Hagoromo») muestran con su diversisdad de registros la rica capacidad creadora de Zeami y el sugestivo y estilizado mundo del teatro N?.

Trotta

Fushikaden

Actualmente considerado un pionero de la fotografía en color, Saul Leiter pasó relativamente desapercibido hasta sus ochenta años, cuando su obra fue redescubierta por comisarios y críticos. A su muerte, en 2013, dejó una colección de más de 40.000 diapositivas en color, de las que solo una parte había visto la luz. Este libro muestra setenta y seis imágenes recién desenterradas de este extraordinario tesoro fotográfico, publicadas aquí por primera vez.

Editorial Rm

The Unseen Saul Leiter

Dario Gamboni realiza, en este examen integral de la iconoclasia moderna, una nueva evaluación de los motivos y circunstancias que hay detrás de los ataques deliberados ùtanto por instituciones como por individuosù contra edificios públicos, iglesias, esculturas, pinturas y otras obras de arte en los dos últimos siglos. &quot; La destrucción del arte &quot; , que abarca un ámbito internacional e incluye casos ciertamente cómicos y otros muy inquietantes, es, en definitiva, un ilustrativo ensayo sobre las definiciones, en perpetuo cambio y conflicto, del propio arte. Geográfica y cronológicamente, este estudio se centra en el mundo occidental después de la II Guerra Mundial. Pero aspira a indagar la his¡toricidad y especificidad de la situación en la cual nos encontramos nosotros mis¡mos, para lo cual abordamos también el siglo XIX y los comienzos del XX así como (si bien de forma mucho menos extensa) otras partes del mundo. De hecho, en la premisa, generalmente aceptada, de que la Revolución Francesa marcó un cambio decisivo en la historia de la destrucción y la conservación del arte, pero apoyándo¡nos también en el hecho de que los acontecimientos posteriores nunca han sido estudiados en su conjunto, uno de los temas principales de este libro es qué es lo que ha cambiado en el mundo entero desde la Revolución en lo que se refiere a atacar o eliminar obras de arte deliberadamente, y qué nos enseña esto acerca de la manera en que han sido definidas, producidas, valoradas y devaluadas.

Catedra

Ediciones Catedra S.a.

Grandes Temas - Cátedra

La destrucción del arte

Gala Dalí fue una mujer que se quiso ella misma secreta. Mientras los hombres con los que compartió su vida ganaban en notoriedad hasta convertirse en figuras universales, ella optaba por mantenerse en la sombra, hasta el punto de generar una imagen de mujer fría, altiva, egoísta, inaccesible. En realidad, Gala fue una mujer muy distinta. En esta narración biográfica, Monika Zgustova desvela a la mujer decidida, valiente y apasionada, que supo perseguir con determinación sus anhelos y acompañar decisivamente a los tres hombres que, junto a ella, llegaron a ser grandes figuras de la poesía y el arte universales: Paul Éluard, Max Ernst y Salvador Dalí. Para los tres, Gala fue mucho más que su amante: fue la compañera que trabajaría con ellos su obra y la criticaría, y quien les dio la fuerza y la confianza para afianzarse como grandes creadores. A los tres los conoció cuando tenían entre los diecisiete y los treinta años. Y fue a través de Gala y con Gala que llegaron a ser lo que fueron. Monika Zgustova saca a la luz aspectos hasta ahora ignorados o poco conocidos de la vida de Gala: la relación con su padre adoptivo y su familia; la influencia que tuvo en ella la amistad de adolescencia con la poeta Marina Tsvetáieva y la hermana de esta, Asia; de qué manera la Revolución bolchevique de 1917 y los años previos la marcaron para siempre; cómo a los veintidós años cruzó la Europa de la Primera Guerra Mundial, de Moscú hasta París, para reencontrarse con su amor Paul Éluard; cómo por amor a Salvador Dalí se fue a vivir con él a una cabaña junto al mar en invierno, sin comodidad alguna, y una pulmonía estuvo a punto de acabar con su vida. De este libro emerge pues una Gala mucho más compleja, rica y apasionante de lo que hasta ahora se conocía: el retrato de una mujer que rompió con los estereotipos de su época para convertirse en una de las mujeres más decisivas en el arte y la literatura del siglo xx.

Galaxia Gutenberg

La intrusa. Retrato íntimo de gala dalí

Este libro dedicado a la aparición del cuadro se ha concebido precisamente en la época en que su desaparición empieza a ser notoria. Frente a las antiguas imágenes con una función de devoción y culto precisa y con un lugar determinado, el cuadro es un objeto que va ganando en autonomía y en versatilidad al compás de los avatares de la historia y de la propia evolución de la técnica artística. Puede decirse que el cuadro como objeto de contemplación estética y susceptible de formar parte de un ambiente doméstico, una colección o de un museo es una invención relativamente reciente. Es en el clima de renovación del saber filosófico y de las guerras de religión cuando curiosamente se empieza a debatir y a clarificar el pa¡pel de la imagen. El cuadro es un objeto creado para otro tipo de contemplación que la dedicada a los iconos, a los murales de asunto sacro o a las miniaturas de los códices. El cuadro se puede destruir, venerar o coleccionar, comprar y vender. La di¡versificación de los géneros pictóricos se hace patente y empieza la Era del Arte. Lo que importa no es sólo la temática (fe¡nóme¡no secundario) sino la personalidad del pintor que reflexio¡na pintando sobre el mundo y sobre su mundo. Este li¡bro nos invita a considerar el cuadro como algo más que un objeto religioso o decorativo y pretende reconstruir en la me¡dida en que esto es posible su entorno cultural. Estas páginas nos conducen a un punto crítico y concluyen justo cuando el virtuosismo de un extraño pintor nórdico, Cornelius Norbertus Gijsbrechts, nos enfrenta a la paradoja de presentarnos un cuadro pintado que evoca nada más y nada menos que el revés de un cuadro.

Ensayos Arte Cátedra

La invención del cuadro

Vilém Flusser propone un nuevo modo de ver la fotografía: el análisis de la fotografía en sus aspectos estéticos, científicos y políticos le sirve de clave para el estudio de la actual crisis cultural y de la n ueva forma de existencia y sociedad que está en vías de generar. El au tor demuestra que la transición de la cultura del texto a la cultura d e la imagen (de la linealidad de la historia a la bidimensionalidad de la magia) corre pareja con la transición de la sociedad industrial a la sociedad postindustrial (del trabajo al juego) y cómo esta mutación puede reconocerse y observarse con especial evidencia en la fotografí a.

Una filosofía de la fotografía

La obra recoge la literatura y los rituales de los semitas occidentales de finales del II milenio a.C., tal y como nos fueron transmitidos por los sirios del Norte (Ugarit). Vienen a constituir algo así como una biblia previa y paralela, en dependencia y reacción ante la cual los hebreos elaboraron la suya propia y que acabó siendo la de nuestra cultura. Su conocimiento se ha hecho hoy en día imprescindible para desentrañar nuestras más profundas raíces culturales.

Mitos, leyendas y rituales de los semitas occidentales

Basado en una exposición monográfica en el Museo Picasso, Málaga, sobre las distintas etapas de la carrera de la pintora española María Blanchard (1881-1932).Descubra cómo las experiencias personales de Blanchard influyeron en su obra, y como los temas del aislamiento, la melancolía y la resiliencia impregnan sus cuadros.Sea testigo de la evolución artística de Blanchard desde sus primeras obras cubistas hasta sus últimas pinturas de gran carga emocional, caracterizadas por colores llamativos.El catálogo ofrece un recorrido cronológico y temático por las diferentes etapas en la vida artística de la pintora española María Blanchard (Santander, 1881-1932). Asimismo, tiene como objetivo poner de relieve la riqueza simbólica y el carácter innovador propios de su trabajo en su corta trayectoria artística. Su consistente obra no fue suficientemente valorada en un contexto cultural que creía en la inferioridad femenina artística. Pintora comprometida con su modo particular de vivir y de crear hasta el final, traspasó los límites de los estereotipos de género.El amplio repertorio de obras que dejó tras de sí, que incluye escenas de maternidades, escenas domésticas, niños o trabajadoras, refleja una sentida preocupación femenina por la vulnerabilidad de la condición humana y el poder evocador de las emociones. Estos aspectos se ven reforzados por un meticuloso dominio técnico y un vivo interés por la historia y la tradición de la pintura europea.

Maria blanchard

Con su zafarrancho de trenes, lunas tuertas y tartas voladoras, el cine llegó como principal testigo de un escandaloso, emocionante y terrible cambio de mundo: el paso del siglo XIX al XX, tiempo de juventud y hartazgo, de entusiasmo y profunda desesperanza. Entre esos telones, este nuevo invento terminaría por convertirse en el más compartido lenguaje de narración, embeleso y manipulación; una herramienta imprescindible con la que documentar y fabricar esa época distinta a todas las demás, en la que la historia empezó a avanzar cada vez más rápido, sin casi un minuto ya para pensar en sí misma ni recoger sus cosas. Por supuesto, nada de eso sucedió en silencio. Este libro recoge, desde sus orígenes hasta nuestros días, la historia de la música del cine: una relación simbiótica y fascinante que transformó y enriqueció por igual a estas dos disciplinas artísticas en su camino compartido hacia la modernidad.

La otra historia del cine

La pintura no surge en un mundo aislado. Está siempre en consonancia con los movimientos sociales e intelectuales de su época y forma parte de su pensamiento. Se trata de una relación de doble sentido: los artistas se impregnan del espíritu de su tiempo, que sin embargo transforman y enriquecen. En el siglo xviii, el movimiento de la Ilustración cambiará radicalmente el orden social. El resultado es la modernidad. La pintura de la Ilustración coloca al ser humano en el centro de la representación. Se niega a representar a superhombres (dioses, personajes mitológicos y héroes legendarios) y se centra en personajes corrientes dedicándose a sus actividades cotidianas. La pintura de género excluye la pintura histórica. Pone en escena la humanidad en toda su variedad, hombres y mujeres, niños y ancianos, ricos y pobres, personas de todas las profesiones, incluidas las que se encuentran en los márgenes de la sociedad, como los locos, los delincuentes y las prostitutas. Representa todas las facetas de la vida humana, las múltiples formas del amor, pero también la violencia, la alegría y la desesperación, las actividades religiosas y políticas. Personas, objetos y acciones se muestran ahora por lo que son, no por lo que significan. Esta pintura no representa ni lo puramente real, ni la belleza ideal. Aspira a captar la verdad del mundo. La presente obra, ilustrada con un centenar de cuadros en color, dibujos y grabados, analiza la pintura de la Ilustración en dos series de capítulos. Parte de ellos están dedicados a cuatro grandes pintores europeos: Antoine Watteau, Alessandro Magnasco, William Hogarth y Francisco Goya. Los demás abordan diversos temas sugerentes: personajes situados en los márgenes de la vida social (niños, mendigos y extranjeros), actividades que ilustran los márgenes de la mente (fantasmagorías, erotismo y disfraces) y también determinados géneros menores de la pintura, como el retrato,el paisaje y la naturaleza muerta.

Círculo De Lectores

La pintura de la ilustración

En El momento estético se reúnen una serie de trabajos de crítica artí stica redactados durante los últimos años.En El momento estético se reúnen una serie de trabajos de crítica artística redactados durante l os últimos años. En alguna medida, completa una primera entrega que co n el título El espacio intermedio se publicó en esta colección. Son p ues trabajos que comparten idéntica convención estética e insisten en la singularidad de la obra de arte y en las dificultades de una recepc ión enriquecedora cuando, como sucede en nuestro tiempo de una manera más bien sintomática, el núcleo y referentes históricos y formales que activaron el origen y estructura de los objetos artísticos se difumin a aceleradamente. Se incluyen además algunas breves entrevistas que pu eden interesar al lector contemporáneo por la entidad de los interlocu tores: historiadores, críticos y artistas que han marcado con su aprec iación sensible la mirada moderna.

El momento estético

La creación de un nuevo modelo educativo requiere descubrir y trabajar las pedagogías invisibles en el aula y entender la práctica docente como un discurso. Cuando un docente se da cuenta de que algo como dejar abierta o cerrada una puerta puede modificar de manera radical lo que ocurre en el aula, es que las pedagogías invisibles han empezado a ser parte de su experiencia. Por lo tanto, el primer paso es entender la importancia que tienen los microdiscursos en el día a día y que analizarlos aumenta el poder de transformación de los procesos de enseñanza y aprendizaje. Además de aportar el fundamento teórico para pasar del concepto æcurrículum oculto' al de æpedagogías invisibles', ofrece numerosos ejemplos prácticos del método DAT (Detectar, Analizar, Transformar).

Libros De La Catarata

Catarata

Pedagogías invisibles

El propósito de los autores es mirar de nuevo la Historia del Arte perdiendo, en la medida de los posible, la admiración por las formas y los colores, para intentar pensar esta historia como un reflejo determinante de lo que los seres humanos son y han sido, de lo que los seres humanos han pensado, han deseado y, a veces, han conseguido. Presentan una estructura muy sencilla, aunque no lineal de acuerdo a la idea principal de desarrollar una tesis que algunos pensadores han planteado para mirar el arte desde nuestro momento: entender que el arte nació unido al poder, unido al poder de los ritos religiosos y al de los gobernantes. En la primera parte se explica el desarrollo del arte que nace unido al ritual sagrado, la segunda parte se centra en el arte ligado al poder político y en la tercera se aborda el momento en que el arte se despoja del rito y del mito, en que busca su autonomía con mayor o menor fortuna.

Ramón Areces

Introducción a la historia del arte

El presente libro explora las distintas formas en que los gobernantes africanos se han servido del arte y la arquitectura para definir su id entidad individual y estatal desde el siglo XVI hasta finales del XX. Analiza las artes de varios reinos escogidos entre África occidental y central en el contexto de sus propias culturas así como en su relació n con el impacto del comercio y el colonialismo europeos. A través de sus descripciones y una sutil interpretación de una amplia gama de pie zas individuales, Suzanne Blier estudia temas que trascienden lo concr eto y afectan a cuestiones más generales del arte real y dinástico. La arquitectura palatina, las insignias y las ceremonias reales, las muj eres de la corte, la autoridad divina, la cosmología del Estado, la hi storia dinástica y la importancia del arte en la diplomacia y la guerr a son algunos de los temas que aborda de un modo sumamente atractivo. El texto cobra vida gracias a un rico repertorio de ilustraciones que incluyen grabados de

Akal

Arte En Contexto

Las artes de los reinos de áfrica

Se trata de artistas que consagraron su existencia a una destacada creación pictórica con la común contraparte de padecer una vida de infortunios, como si el precio a pagar por su genialidad fuera el de una vida tortuosa e insatisfecha.

Sexto Piso Editorial

Memorias biográficas de pintores extraordinarios

Han pasado más de cien años desde que la exposición de Manet en la Galería Martinet proclamara el descontento de una generación con el modo académico de ver el arte. Viviendo el estilo de vida bohemio del mito moderno, los artistas más tarde denominados «impresionistas» formaron su propia sociedad alternativa, cuyos encuentros tenían lugar en cafés de Monmartre y en sus propios estudios. Obras de Pissarro, Monet, Renoir y Cézanne fueron rechazadas de plano por el Salón de 1873, pero el siguiente fue el primero de ocho años de exposiciones «impresionistas»: el grupo se hizo célebre por el comentario burlón de un periodista sobre «Impresion: Soleil levant de Monet» y por una reseña aparecida en «Le Figaro» que describía a los artistas como un grupo de desdichados corrompidos por la locura de la ambición. Pero, ¿eran los cuadros impresionistas sólo superficies decorativas que no tenían valor más allá de sus agradables combinaciones de forma y color, o representaban la influencia de fuerzas sociales de mayor calado, la alienación de la metrópoli moderna? ¿Eran los colores experimentos a modo de juego o reflejaban medidas creencias filosóficas y científicas? Adoptando un punto de vista alternativo sobre estos artistas y sus métodos, y teniendo en cuenta sus propias investigaciones sobre la percepción, Paul Smith examina el contexto social, político e intelectual en el que surgió el Impresionismo. En los distintos capítulos, trata de disipar la idea de que al Impresionismo no le importaba el mundo social del que surgió, y, al hacerlo, ofrece una oportuna y nueva apreciación del grupo que inspiró el ideal moderno del rebelde artístico.

Impresionismo

Consagrado al arte que le dio fama en todo el mundo, Miró se mantuvo siempre alejado de la escena pública; es por ello que su figura está envuelta en un aura de misterio que poco a poco vamos desvelando. Experta en la obra de este genial artista, Balsach nos acerca a sus años de formación -desde el período detallista hasta el final de la Guerra Civil-, una etapa marcada por influencias tan diversas como la pintura medieval, las lecturas de los clásicos o la alquimia.

Joan miró

El presente libro explora el sentido de posibilidad abierto por los desestabilizadores conflictos militares, los levantamientos sociales y los avances tecnológicos de la época. El autor muestra cómo la multiplicidad de estilos musicales puso en cuestión

Akal Música

La música en los siglos XX y XXI

«Solamente un hombre modesto y meditativo, como indudablemente fue Zurbarán, pudo pintar así el silencio inabordable que emana de las cosas en sí.»á  Cees Nooteboom  La obra de Francisco de Zurbarán posee una fuerza y una hondura únicas. Podríamos incluso decir que hay en sus cuadros algo implacable. Tal vez sea precisamente esta faceta de su arte la que hace que sus cuadros sean todavía hoy taná apreciados. El reconocido escritor holandés Cees Nooteboom, gran conocedor de España y admirador de la pintura de Zurbarán, ha seleccionado cincuenta cuadros de su producción para esta monografía. Se ha valido de su ojo crítico para introducirnos magistralmente en el mundo y la obra del pintor barroco con un texto sobre las ideas y el mundo pictórico de este enigmático artista.

Zurbarán. El pintor del misticismo

La obra de Walter Benjamin es un audaz esquema de la historia, del arte y del pensamiento. Entendido como un todo, un archivo se compone de numerosos archivos secundarios que, además de reunir imágenes, textos y dibujos, también contiene experiencias, ideas y esperanzas que el propio autor anotó y analizó. Con el ethos de un archivero, Benjamin estableció las condiciones para la conservación de su legado. Las técnicas archivísticas, que Benjamin puso fervorosamente en práctica, determinaron el proceso de la escritura: sistematizar, reproducir, establecer siglas, elaborar extractos y transmitir.  Se han examinado trece archivos: manuscritos minuciosamente maquetados; esquemas y signaturas en color para la organización del saber; fotografías de una vivienda ostentosamente amueblada, imágenes de pasajes y juguetes rusos; postales de la Toscana y de las Baleares; un registro cuidadosa y voluntariosamente llevado, ficheros e índices; libros de notas en los que se aprovecha cada centímetro cuadrado; una recopilación de las primeras palabras y frases de su hijo; acertijos y misteriosas sibilas. Todo está conectado de la manera más sutil.  Los archivos de Walter Benjamin son sumamente complejos y muy personales, en ocasiones parecen irracionales y singulares, y sin embargo nos conducen al corazón de su obra, dibujando el retrato del autor.  «He aquí un hombre que ha de recoger la basura de una jornada de la capital. Todo lo que la gran ciudad desechó, todo lo que perdió, todo lo que despreció, todo lo que hizo pedazos, él lo registra y lo recoge. Coteja los anales del exceso, el Cafarnaún de los desechos. Clasifica las cosas, hace una selección acertada; se comporta como un avaro con su tesoro reuniendo las basuras que, entre las mandíbulas de la diosa industria, se convertirán en objetos útiles o agradables.» Esta descripción es una única y prolongada metáfora del proceder del poeta según el sentir de Baudelaire. Trapero o poeta, a ambos les conciernen los desechos. W. B.

Circulo De Bellas Artes

Archivos de walter benjamin. Fotografías, textos y dibujos

Tras el éxito de JPG Japan Graphics, llega JPG 2 con nuevos trabajos de 21 diseñadores gráficos japoneses.

Actar

Jpg 2

Punto y línea sobre el plano

Rafael (2023)

Rastros de sangre 10 (2021)

Fushikaden

The Unseen Saul Leiter (2022)

La destrucción del arte (2014)

La intrusa. Retrato íntimo de gala dalí (2018)

La invención del cuadro (2011)

Una filosofía de la fotografía (2001)

Mitos, leyendas y rituales de los semitas occidentales

Maria blanchard (2024)

La otra historia del cine (2024)

La pintura de la ilustración (2014)

El momento estético

Pedagogías invisibles (2018)

Introducción a la historia del arte (2014)

Las artes de los reinos de áfrica (2011)

Memorias biográficas de pintores extraordinarios (2008)

Impresionismo

Joan miró

La música en los siglos XX y XXI (2017)

Zurbarán. El pintor del misticismo (2011)

Archivos de walter benjamin. Fotografías, textos y dibujos (2010)

Jpg 2 (2006)